Hoy

img
El Hematocrítico: El arte de reirse del arte
img
DA | 18-12-2012 | 22:42| 3

Guardo muchos recuerdos de mis años de estudio de historia del arte . Una sudadera con el escudo de la universidad, cajas de apuntes tomados con el puño y letra de la más aplicada de clase ( algunos cuantos  de mi puño con letra ilegible),  millones de fotografías guardadas en Dvd’s que tienen fecha de caducidad por los dichosos hongos y muchos objetos inservibles.

Pero son unos pocos recuerdos lo que se graban a hierro en la mente y en el corazón. Fiestas, melopeas, conciertos, salidas diurnas y noctunas, locuras, amigos, viajes culturales que acababan en auténticas performances de un grupo de hisotriadores gamberros que le interesaba el arte, el buen vino y la música. Los cuatro jinetes del apocalipsis: Ángel Sáiz, Tomás del Bien, José Luís díaz y un servidor. Unos fiestero de pro, pero además unos chicos muy aplicados que nos interesaba mucho eso del arte y sobre todo reir con él. El Museo del Prado, el Bornemisza -Thyssen, el Da2, Musac, lo compatibilizábamos con los mejores garitos de la ciudad charra como el Scaná, La Imprenta, la Sociedad y el Ptotemkim entre otros.

Recuerdo un visita al museo de la baronesa, en la cual los guardias de seguridad nos seguían por todos los pasillos. La verdad, nuestras pintas y nuestra guasa nos delataban como personajes con facilidad para “liarla parda”.

Primer contacto con el humor y el arte

Fue en esta visita en la que por primera vez  sentí disfrutar ante una obra de arte desde un análisis diferente. El juego consistía en todo lo contrario. En lugar de admirarla, debíamos ridiculizarla.  Mejor dicho, reirnos con la obra de arte por su iconografía pintoresca e incluso surealista. He de decir que el primero que me invitó fue mi gran amigo, José Luís Díaz. Ante cualquier obra de arte por muy importante que fuese le sacaba un gesto que nos hacía reir. Consistía en realizar un comentario, que de un sopetón fulminaba el aura de la obra, llevándola a algo más que serio a una broma.

Con el timpo, el mismo José Luís me presentó al Hematocrítico. Al parecer es un profesor de infantil que se dedica a definir obras de la historia del arte con títulos que invitan a la risa. Podríamos definirlo como el Banksy de la red ya que no da datos sobre su identidad.  Pero, su nombre se ha hecho con el tiempo muy grande. Con miles de seguidores en las redes sociales, un libro publicado y un gran número de colaboraciones en diferentes revistas y medios de comunicación. El Hematocrítico ha dado una nueva re lectura de muchos cuadros de la historia del arte. La receta, conocer muy bien la historia del arte, observarla y además contar con mucha guasa e imaginación.

Obras como las que a continuación os presento son las que os pueden desatar una carcajada:

 ” El robot que me estoy haciendo no necesita flores, angel “(Il detalle affeminati per il androide primitivi) Bartolomeo di Giovanni

” Papa Noel regalando Iglesia de Playmóbil a Obispo con león “ (Il regalli per le obispi dil zoológicci) Carlo Crivelli

” Señor intentando sentarse en las rodillas de Cristo haciéndose pasar por un bebé “ (Il falso bambini interceptatti) Sano di Pietro

” Ven, que te voy a explicar para qué te traje a dar una vuelta en el carro “(Las intenccioni sesualli) Cima Da Conegliano

” El Capitán de los Travestis “ (The Cross Dressing Captain) Thomas Stewart

Ver Post >
Una ración de arte vacío
img
DA | 26-11-2012 | 19:10| 0

 Alguna vez hemos salido del cine con la sensación de haber perdido tiempo y dinero. Es una sensación incómoda y nada recomendable cuando te encuentras con un “truño” de película, exposición u otra exhibición de arte.

Esta semana me ha pasado algo parecido pero en otro ámbito. El Museo Luís de Morales acoge la muestra de los premios de pintura y escultura Ciudad de Badajoz. Iba con el interés de encontrar una exposición variada, contemporánea, que hablara de nuestro tiempo. Ante todo, tener una visión de lo que se está cociendo en nuestra comunidad artísticamente y socialmente.

La sensación fue muy distinta. Las obras muy atractivas y ajustada a los cánones establecidos a hierro por los miembros del jurado. Cánones los cuales todos los que nos movemos en este mundo conocemos. Estilo rancio y tradicional. Figuración, clasicismo, realismo, alguna nota de abstracción que se cuela para dejar constancia de que los premios son también “modernos”. Pero eso, no es lo que me preocupa, me inquieta que se gaste dinero público en obras de arte que nacen muertas, que no dicen nada, anodinas, insustanciales. De esas, que  hurgando sobre la superficie, vemos que no hay nada más que una imagen sin mensaje. 

Vivimos momentos complejos tanto económicos, sociales, políticos y  humanísticos. Hacer una exposición en la que no se hable de las cosas que están pasando, realmente es un arte muerto.  El Guernica es una obra que perdura y perdurará en el tiempo porque no es solo un cuadro bello y bueno. En él se contiene un mensaje muy claro de un artista que vivió un momento histórico determinado. Por ello, ir a ver un museo en el que supuestamente pretende dar una visión de nuestro tiempo y de nuestro arte y encontra obras muertas que no transmiten nada más que buenos dibujos y bellas texturas. Es síntoma de haberse quedado muy atrás en el tiempo. Esto no sería relevante, si la colección de pinturas y esculturas fuese de un particular que establece sus cánones y criterios en relación a su gusto personal. Pero, esta colección y estos premios son sufragados por todos los pacenses, los cuales nos ha supuesto 54.000 euros que han salido de las arcas públicas. Y les digo señores, ¿están dispuesto a invertir en arte muerto? las obras pasarán a formar parte del museo y con los años serán muebles vacíos que no contienen nada en su interior. Si algo nos ha enseñado la historia del arte es que las buenas obras de arte son aquellas que nunca mueren y son testimonio de un periodo histórico. 

Con esto no quiero decir que no haya buenas obras, les invito a que visiten el museo y la exposición y saque sus conclusiones. Mi conclusión personal: “perdí tiempo”. 

 

Ver Post >
Mehdi-Georges Lahlou: sin pelos en su objetivo
img
DA | 24-10-2012 | 17:38| 1

 Mehdi-Georges Lahlou (Francia, 29 años) es de los artistas que atrapan de primera.   Una fotografía en Facebook  me sedujo, no me dejó seguir adelante. Rápidamente, abrió  un ideario visual en mi cabeza. Era una imagen muy sugerente, un joven con rasgos musulmanes tapa su cabeza con burka y una tajada de sandía sobre su cabeza  mantiene en equilibrio. Durero, Rembrandt, Goya han sido entre otros autores los que se han servido de su propia imagen para expresar su mundo personal. 

Lahlou también utiliza su imagen, pero con una finalidad diferente. Pretende enviarnos un mensaje, una visión personal sobre determinadas realidades . Al ver su obra “Autoportrait à la pastèque” se dispararon miles de asociaciones conceptuales, mi cabeza comenzó a reflexionar. La imagen graciosa, no solo terminaba ahí, el artista nos envía un mensaje muy claro. Habla de la figura de la mujer en determinadas culturas y en concreto hace una denuncia de las injusticia que se comenten sobre la mujer musulmana.

El artista trabaja con diferentes medios expresivos como son la fotografía, escultura y pintura. Su obra es tremendamente comprometida con la realidad  social de nuestro tiempo. La imagen le sirve para hacer una crítica directa y voraz de determinados hábitos de otras nuestra y otras culturas. En ocasiones con sutileza, en otras con imágenes agresivas que ponen el dedo de forma directa en la herida, sin reminiscencias ni autocensuras.

En un mundo global donde la estética no parece tener fronteras, el artista sabe combinar iconos visuales occidentales europeos o americanos. Unos zapatos rojos de tacón de aguja son unidas con imágenes tan tradicionales como la alfombra donde pratican el culto  los musulmanes. Un rodillo de pintura crea patrones de diseños geométricos propios del arte muslmán. Es el activismo visual.  Hablar y dar su discurso mediante imágenes. Sus fotografías producen desconcierto a los que contemplamos su obra, los objetos son conceptos que definen a determinadas sociedades. Al unir dos imágenes antagónicas, crea en nosotros una sensación placentera y  además nos descoloca. Ahí mismo es donde habita la genialidad de este artista. Su lenguaje artístico es concpetual y crítico.

Él es centro de su propia obra, utiliza su persona para interepretar diferentes personajes. Para ello, se pone un burka, se coloca unos tacones de aguja, se viste con ropas propias de bailarinas musulmanas o se viste de sacerdote. Al modo del tradicional autorretrato desarrollado por grandes artistas como Alberto Durero, Leonardo Da Vinci, Rembrandt, entre otros. Lahlou utiliza su imagen que va transformando. Su obra es irreverente y directa, un puño directo a nuestros ojos y a nuestras conciencias. No anda con contemplaciones y va directo al centro de los problemas. El mundo del arte, en la vorágine de los absurdo necesita artistas que hablen en plata sobre determinadas cuestiones.

Chapeu por Lahlou

http://www.mehdigeorgeslahlou.com/

 

 

Ver Post >
Tápies, pintor de lo material e inmaterial
img
DA | 18-10-2012 | 20:06| 1

Si me preguntan por un artista que haya sido un referente estético del arte contemporáneo español. Ese es Antoni Tápies. Un magnífico pintor, escultor  de sensaciones que revolucionó la abstracción. 

En muchas ocasiones  he oído despreciar a Tápies. Argumentando que no le entendían, con el comentario fácil: “eso lo podría hacer mi hija pequeña”. El problema nace en intentar entender a este genial artista, más que entenderle debemos sentirlo.

La obra del artista catalán es en gran parte materia bruta sobre el lienzo. Grandes superficies de polvo de mármol, sobre las cuales pintaba con utensilios pocos convencionales como las manos, hierros, pies, brochas, cepillos, etc.

Según palabras del maestro, desarrolló una alergia natural hacia todos los utensilios,  colores y técnicas impuestas por las academias de las bellas artes. Autodidacta, que aprendió a dibujar haciendo autorretratos ante el espejo, fue en la pintura y la escultura donde encontró su medio de expresión . En su obra, podemos sentir las texturas, el equilibrio de las líneas, el ritmo de los colores neutros y una simbología tomada de la cultrua oriental sobre la que estuvo muy interesado. También desarrolló alergia hacia los colores primarios reduciendo su paleta a tintas neutras como el negro, el rojo y los ocres.

Todo lo académico le parecía rancio y el quería ir por otros caminos. Caminos opuestos a la estética establecidas y a lo que el denominaba de alta burguesía que no tenían ni idea de arte y menos de estética. 

Su obra es totalmente sensitiva, podemos sentir el tacto de la superficie rugosa de los cuadros, la agresividad de los surcos sobre el polvo de mármol mezclado con resinas que el mismo preparaba. El lienzo lo dejaba en el  suelo del estudio, y alrededor de el giraba mientras que todo iba saliendo. Al propio estilo de los expresionistas abstractos americanos como Jackson Pollock.  Como una danza ritual, el artista giraba en torno a la obra. La mente funcionaba, y las imágenes iban creándose en su cabeza. Se acercaba y se alejaba, se sentaba en un sillón del estudio a leer libros de filosofía oriental que le ayudaban a encauzar sus ideas y sus pensamientos.

En sus cuadros hay mucho de fisolosofía oriental. Los trazos enérgicos y decididos sobre superficies neutras, son propias de calígrafos japoneses. El utensilio en movimiento sobre la superficie crea líneas decididas con energía, decisión y perfecta armonía visual. En el cuadro se puede ver las huellas de las herramientas, en ocasiones paños mojados y empapados en pintura los retuerce sobre el lienzo creando manchas aleatorias, cepillos, brochas grandes, sus manos, sus pies como expresion de su ser en la obra. Los materiales más imposibles al arte tiene cabida en la obra de este genial artista, una manta puede ser la textura base sobre la que trabajar. Es un trabajo de collage donde las formas, las líneas y los símbolos nos envían mensajes de nuestro tiempo.

A primera vista la obra de tápies, parece ser hermética y compleja. Propia de “intelectualoides gafapastas”. Pero en mi opinión es una de las obras más universales que he podido conocer. Una iconografía sencilla y directa que llega a todos. El símbolo de la cruz es una constante en su obra, es un símbolo adoptado por el cristianismo pero que fue muy anterior en la cultura oriental como representación del equilibrio. En la actualidad este símbolo ha sido cambiado y evolucionado por las matemáticas como representación de lo positivo. En definitiva un lenguaje muy personal al que el artista fue fiel a lo largo de toda su vida. La pintura de Tápies es directa, visceral y teremendamente sensitiva.

Sin duda, Tápies, un artista que creó con su alma y que nos ha dejado un legado artístico de una calidad extraordinaria.

Ver Post >
Julio Falagán: Reciclando arte de mercadillo
img
DA | 09-10-2012 | 19:17| 0

“Hubiera preferido ser un mono” se puede leer en una de las exposiciones de Julio Falagán . Sin duda, una frase que puede resumir el discurso de este genial artista. Un artista que en un principio lo conocí en la red, gracias a mi cuñada.

El pasado mes de abril tuve la oportunidad de disfrutar de una de sus exposiciones en el museo  DA2 de Salamanca. Sin duda una experiencia sin igual, estaba ante la obra de un artista que hablaba en el idioma más contemporáneo que hasta ahora había visto. Sin demasiadas pretensiones y retomando técnicas como la pintura, la ilustración y el reciclaje.

Su obra es diferente, utiliza una iconografía visual y tipografías tomadas de las películas de serie B. Donde monstruos y robots atacan a seres humanos y animales. Su lenguaje es irónico, humorístico y descarado, pero lleno de una frescura basado en no  alardear de técnica si no de contenido irónico y una alta dósis de humor.

De formación profesional ilustrador en la escuela de arte de Valladolid, y más tarde completada con los estudios de bellas artes en la universidad de Salamanca. De ahí, la magnífica unión de ilustración y pintura, pero no una pintura ejecutada por el mismo en su totalidad, sino que los cuadros base son tomados de mercadillos y basureros que más tarde son intervenidos por sus pinturas. Es el arte de convertir los objetos “inservibles” en obras que son dignas de formar parte de exposiciones. El reciclaje, esa actividad que se ha puesto tanto de moda con los tiempos que corren, también ha llegado al arte.

Cuadros que todos hemos visto en casa de abuelos, vecinas y amigos se convierten en el inicio de un proyecto. Cuadros de temática paisajística con un estilo anodino y en mi opinión tremendamente hortera. El joven artista toma como base estos cuadros e interviene en ellos de una fomar genial. Es el cuadro el que parece darle pie a crear una historia, por ello un ciervo se puede convertir en en “Super Cérvido” o unas manos divinas ofrecen un enorme hueso a dos canes estilizados. Es la intervención en el cuadro es lo que hace de este artista que su obra tenga un discurso original. La imaginación se despliega por el cuadro, es jugar con el arte de un modo casi ingenuo. 

No he querido colgar ninguna fotografía de su obra. Prefiero que visiten su página web (www.juliofalagan.com) . La cual tiene un diseño muy interesante con ilustraciones que resumen su trayectoria.

En la portada de la página vemos un cuadro. El artista a modo de juego nos permite escribir una sugerencia para pintar el motivo que nuestra imaginación cree. De todos los mensajes recibidos, imagino que pintará el que más le inspire y tenga coherencia con su estilo.

 Sin duda  un artista con una propuesta interesante. ¿A qué esperas? Visítale y propón lo que tu imaginación ve en el cuadro.

Ver Post >
¿Por qué no invertir en arte contemporáneo?
img
DA | 23-09-2012 | 23:45| 0

Los mecenas han sido los grandes pilares en los que se han sustentado la producción artística de grandes figuras de las artes. Habitualmente personas o familias con un poder económico importante. Además, con visión de futuro y sensibilidad artística han decidido invertir en arte con el fin de ayudar a artistas y también como inversión económica.

La familia italiana de los Médicis durante el renacimiento fueron una de las grandes instituciones promotoras de obras de arte.  Tuvieron entre sus artistas al magnífico Miguel Ángel, entre otros como Massacio y Fra Angelico. Miguel Ángel pertenecía a una familia adinerada, “los Buorranotis”. Los cuales pasaban por un declive económico. El magnífico escultor fue recogido por la familia al ver en aquel muchacho un potencial artístico increíble.  Con apenas 17 años estaba esculpiendo una piedra de mármol de Carrara. Documentos históricos argumentan  que se trataba de la “Madonna con el niño”, cuando uno de los médicis se le acercó y le invitó a que trabajase para la familia. A partir de aquel momento el artista se convirtió en sustentador económico de la familia Buonarroti.

En la actualidad aún siguen exisitiendo algunas familias de mecenas (Thyssen y Casa de Alba por ejemplo). Pero el panorama ha sido intervenido por marcas de bebidas, entidades bancarias, productos de cosméticos, entre otras. Las cuales se han hecho con gran parte del patronato de artistas y la comercialización de obras de arte. Los bienens artísticos tienen un valor no solo económico sino como producto cultural que con el tiempo adquiere un valor histórico y patrimonial considerable.

Con la bonanza económica, adquirir arte era un modo de inversión que a la larga revertiría en números positivos para los compradores. Al igual que se especuló con el ladrillo, se especuló con arte. Fueron muchos los artistas y galeristas los que se apuntaron al carro. Entramos en lo que muchos han llamado la gran farsa del arte. Incluso los medios de comunicación atacaban a la industria del arte con reportajes donde se mofaban del arte contemporáneo argumentando de que era una auténtica bazofia. Y a muchos no les faltaba razón, pero no podemos meter a todos en el mismo saco. En el arte contemporáneo hay muchos “canta mañanas” pero también artistas que trabajan duramente con un discurso elaborado a lo largo de mucho tiempo. El “arte basura”, al fin al cabo era un puro reflejo de los tiempos en los que vivíamos donde todo era sobre valorado y al igual que existen establecimientos de comida rápida, existen y existían, ferias y bienales donde el arte rápido y de mala calidad se vendía por doquier. 

En 2007 aún en las puertas de la crisis económica y sin recibir aún el tortazo de esta angustiosa situación. Visité Arco, era un hervidero de arte joven y vanguardista. Aquello era el Carrefour o el IKEA del arte, miles de stands. Lo bueno se mezclaba con la basura. Los consagrados se rotulaban en los stand, como las grandes marcas de refresco. Las galerías más modestas contaban con material muy interesante, incluso en art Madrid, la feria underground que se celebra al mismo tiempo que Arco me han comentado amigos y compañeros que había obras de mayor calidad.

Visto en un stand de Arco, cuatro trozitos de papel plata con un modelado absurdo y puramente casual era arte. !Y lo más gore¡ !se podía vender por 500 euros la pieza!. Era el culmen de lo absurdo, el timo de los timos. Detrás de esas obras no existía ningún tipo de discurso estético y mucho menos conceptual.

Las comunidades autónomas gastaban dinero a espuertas, y los galerístas se frotaban las manos y el símbolo del dólar se reflejaban en sus ojos. Un ambiente de exhuberancia, donde el arte tomaba un tercer plano. Lo importante es el negocio. Así, muchos museos se llenaron de objetos que el tiempo y la historia los cataloga y catalogará como auténtica basura.

Ahora lo que nos interesa, la gente de calle como nosotros ¿Podemos invertir en arte? mi respuesta es: sí, rotundamente sí. El arte siempre se ha vendido como algo de élite dirigido a aquellas personas que pueden “permitírselo”. Pero, permítanme que os desmonte esta idea. Conozco a un gran número de jóvenes artistas que venden su obra por precios muy asequibles. A penas 200 euros un cuadro, 10 euros ilustraciones, 50 euros fotografías, 100 euros esculturas. ¿No es asequible?

Pero claro, la idea de comprar arte es algo descabellado, ¿qué aporta un cuadro cuando puedo tener un móvil de última generación?

Evidentemente, un cuadro es algo que está fuera de la sociedad de consumo. Nos aporta experiencia estética que para algunos es necesario como el comer. Pero, imaginemos que compramos a un joven artista una obra y ese artista a los años su obra se revaloriza. La inversión ha sido positiva, no sería la primera vez que sucede. Por ello, os invito a que a los artistas/artesanos que os rodean le echéis una mano y probablemente esa ayuda revierta en vosotros. 

Os daré unos datos básicos para educar el olfato de inversión artística. 

  1. En primer lugar debe conmovernos estéticamente, es lo que llamamos atrapar. Una obra que no te deja impasible, es una buena obra. La que te engancha sensorialmente, como cuando te gusta un plato de determinado restaurante y vas continuamente a tomarlo. Es el más importante.
  2. Indentificación con la obra. La obra que nos identifica y en la que se convierte en espejo de nosotros mismo. Esa obra es de calidad.
  3. La obra que es resumen de los tiempos históricos en los que vivimos. Al fin y al cabo, el arte es testimonio directo de una época determinada. Si una obra a lo largo del tiempo nos hace entender como se vivía durante un periodo histórico esa obra tendrá un valor testimonial. 
  4. Analizar la trayectoria artística del creador. Es fácil pedirle o ver en su web el curriculum artístico. Un artista activo, es un profesional, no un aficionado.
  5. Valorar la obra en el mercado. Internet, galerías, foros de arte, etc.
  6. Si adquirimos una obra, pedir al autor un documento escrito donde certifique que la obra es suya, por posibles problemas a la hora de asegurar que la obra es original.
Espero que este artículo os invite y os motive a invertir en arte. Y sobre todo a coleccionar. No olviden, que ese patrimonio pasará a vuestros seres queridos y será una joya que si se cuida, sobrevivirá al tiempo.
Ver Post >
Virginia Rivas: “En el arte no veo límites”
img
DA | 14-09-2012 | 02:37| 0

Fotografía: obra en proceso de la artista.

Licenciada en Bellas Artes por la universidad de Salamanca, Virginia Rivas es la demostración de que la dedicación y el trabajo incansable en el mundo del arte son los mejores condimentos para conseguir buenos resultados.

De las universidades salen anualmente cientos de titulados en las Bellas Artes. Pero, los artistas, se pueden contar con los dedos de las manos. Después del título, llega la verdadera carrera. Una carrera de fondo que dura años y años hasta que llegan los reconocimientos. De un vistazo del currículum artístico, vemos si un artista se toma en serio su trabajo. El de Virginia es amplio e interesante. ¡Esta chica no ha parado ni un momento! desde que salió de la facultad ha llevado a cabo exposiciones, estudios relacionados con las artes, proyectos, docencia, cursos, becas en nuestra comunidad y en otros países. 

Su lenguaje artístico se mueve entre la abstración y la figuración. Con un estilo muy personal en el trabajo del color a base de manchas y un dibujo sin pretensiones y de una claridad propia del diseño gráfico. Rivas nos sumerge en su mundo muy personal donde bucea en las inquietudes de los hombres y mujeres del siglo XXI. Los miedos, el aislamiento, el desamor, las indecisiones, las ciudades, el paso del tiempo son constantes en su obra. Como ella dice:” todo lo que le afecta a la gente de nuestro tiempo”. En su obra podemos regocijarnos en las sensaciones del color con empastes que hacen del cuadro una superficie llena de texturas que invitan a ser acariciadas. Colores que nos transmiten sensaciones y despiertan recuerdos. La pintura arrojada con energía sobre el lienzo y donde se puede ver la huella del instrumento utilizado. Una experiencia sensorial llena de energía.

P-Estudiaste en la Universidad de Bellas Artes de Salamanca, a la cual yo también tuve la oportunidad de asistir a ciertas asignaturas como dibujo y escultura ¿Crees que todo aquel que se proponga ser artista debe pasar por una facultad y por tanto estudios oficiales?

R- La primera intención no es ser artista si no estudiar algo que te interesa. Hay artistas muy buenos que no han estudiado Bellas Artes, aunque lo que si creo, es que si tienes la oportunidad de formarte, no hacerlo es un error.

P- Por lo que veo en su carrera ha estado en la Accademia di Belle Arti de Venecia, ¿Qué le aportó el salir de nuestro país y sumergirse en otra cultura? ¿Le abrió nuevas puertas creativas?

R- Ha pasado mucho tiempo, pero esa estancia en Italia fue fundamental. Las clases funcionaban diferente a como eran en Salamanca, había, por ejemplo, alumnos/as de distintos cursos en mi aula de pintura. Esto era porque elegías al profesor independientemente del curso en el que estuvieras. Tuve la suerte de poder especializarme en tres materias: pintura, grabado y vídeo, a las cuales dediqué todo tercero. Trabajé mucho ese año y viajé lo que pude, así que fue una experiencia muy gratificante, tanto a nivel personal como profesional. Además pude asistir a la Biennale di Venezia. Qué más se puede pedir.

P- Siempre que hablo con artistas, me hablan de que las administraciones deberían subvencionar más las artes. En su corta aunque intensa trayectoria ha disfrutado de varias becas de nuestra comunidad. ¿Son importantes estas becas para un creador? ¿Son las infraestructuras correctas para que un artista cree?

R- Son un apoyo importante, ya que te dan la posibilidad de llevar a cabo un proyecto que de otra manera sería más difícil. Tanto la parte económica, como las infraestructuras para la presentación del proyecto y la promoción, son factores que hacen crecer al artista a nivel profesional. Aún así el trabajo del artista continúa con o sin subvención. Como digo, es un apoyo que no debe generar dependencia.

P-En la Historia del arte ha habido un gran número de mecenas del arte. En la actualidad los mecenas son bancos, entidades, asociaciones, particulares, etc. ¿Quiénes son los mecenas de Virginia Rivas? ¿Es complicado vender arte con los tiempos que corren?

R- En mi caso, he vendido mucha obra a lo largo de estos años. Al principio a familia y amigos y a precios económicos. Pero no se me olvida la primera vez que vendí un cuadro a un desconocido en una colectiva en Villagarcía de Aourosa (Galicia) o a una pareja de holandeses a los que tuve que desmontarles el lienzo para que pudieran llevárselo en su caravana. Sin embargo, me emociona seguir vendiendo obra a mis amigos o conocidos porque admiro que inviertan en arte igual que lo hacen en tecnología, viajes, etc. Así, poco a poco, he ido haciéndome un hueco y uno mismo tiene que ir decidiendo cuál es su nivel en función del trabajo que hace. Lo que hago actualmente es dar muchas facilidades de pago, ya que la situación no es la más favorable para invertir en nada.

P- En su trabajo vemos una gran interdisciplinariedad, vídeo, pintura, diseño. ¿Cuál es el medio por el que mejor se expresa?

R- Me valgo de uno u otro soporte dependiendo de lo que quiera contar. La pintura es mi principal medio de expresión, pero el vídeo y el diseño despiertan en mí un gran interés, así que trabajo con los tres indistintamente.

P- Su obra se mueve entre la figuración y la abstracción. Además, veo un toque de conceptualismo. ¿Qué grandes artistas le han influenciado?

R- La lista es extensa y variada y aunque resulte extraño, hay escultores, fotógrafos y videocreadores que me han influido de la misma manera que lo ha hecho un pintor. Entre estos: Cy Tombly, Picasso, Basquiat, Rothko, Anselm Kiefer, Baselitz, Javier Codesal, Francesca Woodman, Juan Muñoz, Gerhard Richter, Alfredo Jaar, Hannah Höch, Miguel Ángel Campano, Barceló, Nan Goldin, Pipilotti Rist,  Bill Viola, Diane Arbus, Dubuffet, Man Ray, Rafael Canogar, De Kooning, Lilliam Bassam,… No sé, hay tantos.

P- ¿Qué formato prefieres, pequeño o grande?

R- Grande, me muevo mejor cuanto más espacio tengo.

P- ¿Prefieres pintar lo de adentro o lo de afuera?

R- Intento partir de mi experiencia para hablar de lo que le afecta al ser humano en la sociedad actual, reflexionar sobre el individuo y lo que le rodea.

P- ¿Qué te motiva seguir en este mundo?

R- Que no le veo límites. A veces cuesta afrontar el rechazo en concursos, becas, crítica, etc. pero aprendes a valorar otras cosas y a mí el arte me da muchas satisfacciones, desde asistir a una ponencia o ver una exposición, hasta vender una obra o desarrollar un proyecto.

P- ¿Y cuando no hay ideas? ¿Cuándo no llegan las musas?

R-Como decía Picasso, si te llega la inspiración que te encuentre trabajando. A veces las ideas surgen durante el proceso, por eso es mejor estar siempre en activo.

P- ¿Algún ritual que sigas para pintar?

R- Generalmente necesito tener un proyecto en mente, partir de una idea simple que se irá desarrollando a medida que avance. No suelo trabajar con bocetos, muchas veces los hago cuando un cuadro ya esta a medias y es entonces cuando marco la idea y sigo pintando. Un ritual, mirar la obra antes de reiniciar el trabajo, detenerme unos minutos para encajar las ideas.

P- ¿cómo ves el panorama artístico en nuestra comunidad?

R- Al vivir en Cáceres estoy más vinculada con lo que pasa aquí, por lo que puedo hablar de espacios de la ciudad a los que asisto con regularidad como Casa sin fin, que trae artistas contemporáneos ya consagrados, al igual que la Fundación Helga de Alvear, que además hace encuentros muy interesantes como las I Jornadas de Arte Contemporáneo Español que se celebraron en enero. O las Jornadas de Obra Gráfica, en las que este año ha participado en la organización el Comité de Artes Plásticas del que formo parte, unas jornadas que alternan con la Bienal de Obra Gráfica “Ciudad de Cáceres”. Al Vostell suelo ir con asiduidad y cuando puedo me escapo al MEIAC. Hay además muchas galerías en la comunidad a las que voy cuando un autor me interesa, a través de las redes sociales puedes saber quién expone en cada momento. Y dentro de poco, en octubre, llega Calle Foro Sur y unos talleres que se van a hacer en torno al proyecto muy interesantes. Además, hay artistas extremeños muy buenos trabajando actualmente, lo que dota a la región de un buen nivel artístico.

Estamos en una situación complicada, en la que muchas ayudas han desaparecido y hay que hacer todo lo posible por seguir innovando y apostando por el arte, tanto los creadores como desde las instituciones.

P- Durante mucho tiempo he conocido a muchos artistas que no conocen la historia del arte ¿Crees que es importante?

R- Sí claro, habrá épocas que te resulten más interesantes que otras, pero finalmente se trata de tu profesión y me parece importante conocer su historia. Las lecturas, conferencias o visitas a exposiciones en relación con la historia del arte son fundamentales, la técnica por si sola no tiene valor.

P- ¿Qué opinas de Cecilia Gimenez, la restauradora célebre del Ecce Homo de Borja?

R- Ahora mismo, un fenómeno mediático que pasará de moda en cuanto surja algo nuevo. A mi, personalmente, me parece un atrevimiento por su parte. Sus intenciones eran buenas, lo que no significa que esté capacitada para restaurar una obra del siglo XIX. La restauración es un proceso complejo y muy delicado.

P- ¿Crees que los artista tienen un don divino o es una habilidad desarrollada?

R- Hay personas con  más facilidad que otras para desarrollar sus capacidades artísticas porque tiene un talento innato, pero si le dedicas poco tiempo se consiguen pocas cosas. Creo que es una combinación de aptitud y disciplina.

P- En su trayectoria, vemos un gran número de cursos impartidos ¿Qué es lo que busca las personas en el arte? Parece que todo el mundo le llama la atención.

R- Depende del curso. Los niños son magníficos, absorben todo y no tienen vergüenza ni miedo, lo que convierte el arte en un herramienta perfecta para su desarrollo. Los adultos buscan, en algunos casos, aprender una técnica que les ayude a desarrollar su creatividad, en otros, profundizar en la que ya conocen.

Lo más gratificante es que colaboras a crear un público sensible, educan la mirada y conocen las dificultades, de esta manera aprenden a respetar el trabajo del artista y a valorar el patrimonio cultural que les rodea.

P- Dígame un color que le identifique

El rojo inglés.

P- Un olor

R-A dulces caseros recién hechos.

P- Un artista extremeño histórico

R-Juan Barjola.

P- Un artista contemporáneo

R-Javier Codesal.

P- Un lugar en Extremadura

R-El Puente de Hierro en Hervás (Cáceres).

P- Una canción

R-En estos días: Parte de guerra del grupo The Secret Society.

 

Vivir del arte y en concreto en los tiempos que corren, donde hay una sobre abundancia de artistas y tendencias, es un campo complicado. Admiro a las personas que han decidido y apostado por dedicar todas sus energías en comunicar con imágenes y colores el mundo que nos rodea. Virginia Rivas, es una luchadora del arte. No le perderemos la pista. 

http://virginiarivas.blogspot.com/

Ver Post >
Cecilia Gimenez entra en la historia de un brochazo
img
DA | 10-09-2012 | 00:35| 0

Podría haber publicado esta entrada durante la semana en la que se dieron los acontecimientos, pero como decía un buen profesor de historia de las ideas estéticas:  “hay que analizar los hechos con una cierta perspectiva temporal”.

Todos hemos echado alguna que otra risa con la noticia de la  restauradora del Ecce Homo. La información se difundió por innumerables medios de comunicación de nuestro país y otros países. Los muros de facebook  de nuestro amigos y los nuestros se llenaron de montajes de la imagen, comentarios, tweets, chascarrilos en radios, etcétera. 

Para bien o para mal la hazaña de Cecilia Gimenez ha dado que hablar de la pequeña población aragonesa.  Borja se llenó de periodistas y cámaras de televisión en busca de la osada restauradora y de los peregrinos que visitaban el templo donde se encuentra la obra. La pequeña población zaragozana fue puesta en el mapa.  El espectáculo se había disparado, ni siquiera el mismísimo Dalí habría convocado a tantos medios de comunicación en sus arrebatos de egocentrismo.

La aventura de Cecilia Gimenez ha demostrado el poder de la imagen y de los medios de comunicación. No quiero entrar a valorar la calidad técnica ni estética del restaurado Ecce Homo. Tampoco apoyo la acción  de la señora lanzándose a restaurar la pintura.

Tan descabellado es que la señora repinte la obra, como que el párroco de la iglesia le permita restaurarla. Este suceso es reflejo de la situación de gran parte del patrimonio artístico histórico de nuestro país. Donde las obras están en estados lamentables y  no son tratados por especialistas. En cierto modo, la actuación sobre la obra ha hecho que tengamos un show veraniego en medios de comunicación y redes sociales. Además, la acción de Cecilia ha hecho que un equipo de restauradores se desplacen al pueblo para llevar a cabo un estudio del estado de la obra.

Por ello, Cecilia es para mi una héroe del arte contemporáneo. Ha convertido a su ecce homo en un icono popular que se ha reproducido en infinidad de imágenes a través de las redes sociales. Incluso se han diseñado  camisetas con la imagen, graffitis, postales, etc.  ¿Algo más contemporáneo y artístico que eso? llevar el arte a la gente.

Tal y como dijo Andy Warhol, todos deberíamos ser famosos al menos quince minutos.  Cecilia ha tenido sus más de quince minutos de gloria y lo que es mejor, ha llamado la atención de todos. Es decir, se ha metido en el sistema de difusión del arte de un brochazo, sin seguir los tortuosos caminos de las artes lleno de espisodios turbios, tratos de favores, negociaciones con galerías de arte y marchantes.

Lo que a un joven estudiante de bellas artes le cuesta años y años de trabajo, exposiciones, ferias y promociones. Esta señora se lo ha ventilado en nada. es reflejo de los tiempos que nos ha tocado vivir. Del poder de la imagen y de la pura anécdota.

 De todos modos, alabo la osadía de la señora. Prefiero mil abuelitas pintando y haciendo arte, que otras tantas frente al televisor viendo el Sálvame. Chapeau Cecilia. 

Ver Post >
Que la noche no te deje en blanco
img
DA | 31-08-2012 | 01:28| 0

Este fin de semana, será la “Noche en Blanco” en nuestra ciudad. !Vaya¡ !todo el mundo ama el arte en nuestra ciudad¡ ¡El arte a la calle y todos somos unos culturetas de pro!

No quiero ser agua fiestas, pero la verdad es que siempre ha sido lo que mejor se me ha dado, dar allí donde duele. Recuerdo, cuando recién salido de la facultad de Historia del Arte de Salamanca, llegué de nuevo a nuestra ciudad con la inocencia y esperanza de hacer una Noche en Blanco en Badajoz junto a una compañera de carrera. Ya se había hecho en Málaga y Madrid. Se nos ocurrió ir a la concejalía de juventud, por aquello de que somos jóvenes y teníamos una iniciativa. Nos recibió una chica muy mediática de nuestra ciudad, la cual nos dijo:- es muy complicado llevar a cabo una actividad de tal calibre en nuestra ciudad, porque la población no responde-, ¡Vaya por dios! nuestras ilusiones se iban viendo mermadas por momentos.

Esta chica muy simpática, y con una actitud de venir de vuelta de todo y con un amplio conocimiento en la gestión de proyectos culturales nos llenó las carpetas y las cabezas de documentos y datos inservibles las cuales fueron depositadas en el contenedor de reciclaje más cercano.

El segundo paso era subir a la segunda planta de dicha concejalía (un estatus más alto), donde nos recibió un caballero que pertenecía a la oficina de iniciativa joven del antiguo gobierno socialista. El hombre, nos escuchó con una sonrisa muy simpática. Nos escuchó atentamente, y su respuesta fue:- Mirad, me parece muy bien vuestra propuesta pero en Extremadura la cultura es para Cáceres y Mérida, en Badajoz todo lo cultural no funciona-. Mis ojos fuera de sus órbitas me delataron ante aquel gestor de la iniciativa de la juventud. Nos animó a que desarrollásemos la idea, pero que ya nos aseguraba que no se iba a llevar a cabo. Salimos de aquel lugar con las iniciativas y la ilusión por los suelos.

La sorpresa, cuando un par de años después se celebra la Noche en Blanco en nuestra ciudad y tiene una acogida muy positiva. Cuanto menos. Curioso.

Y este año de nuevo, llega septiembre y las calles se llenan de obras de arte, músicos, proyecciones, apertura de los monumentos, museos, galerías de nuestra ciudad. Pero, mi pregunta es: ¿qué sucede durante el resto del año? Son muchas las ocasiones en las que me he encontrado el MEIAC y el Bellas Artes vacío, tan solo el retumbar de los pasos de los guardias de seguridad. Nuestra ciudad cuenta con grandes centros de arte que deberían ser más activos durante todo el año y ante todo que la población respondiese a sus actividades, porque al fin y al cabo son actividades e instalaciones que están pagadas con nuestros impuestos.

No creo que la culpa sea toda de la administración y de la población, como solemos decir: “fifty fifty”. La población no es partícipe a las actividades que se llevan a cabo en las instituciones, y no será por publicidad porque las calles se llenan de carteles y los medios de comunicación como en el que escribo se hacen eco de las actividades culturales. Creo que es desinterés por parte de la población. Pero La noche en Blanco parece funcionar, quizás por aquello de aunar “fiesta” y arte. Sí, fiesta, eso que nos gusta tanto a los españoles. Al igual que nuestra madre nos mezclaba la comida para que comiésemos verduras, nos han mezclado el arte con la fiesta. 

Pero lo que más me duele y me gustaría denunciar o llamar la atención, es que en nuestra ciudad, se ataque el patrimonio artístico. Y digo patrimonio artístico en su concepción más universal, tanto el físico como el humano.

Por un lado, tenemos unas maravillosas murallas musulmanas restauradas con más o menos acierto, que son atacadas por pintadas y por personas incivilizadas. En este día esos jóvenes e incluso no tan jóvenes deberían sacar una lección que nuestro patrimonio es heredado y tenemos el deber de protegerlo para que las generaciones posteriores lo puedan disfrutar.

Y por otro lado, tenemos muchos artistas que trabajan a la sombra de muchas administraciones,como muchos amigos dicen no somos los elegidos. En el mundo del arte como en muchos otros ámbitos, existen artistas que tienen todas las facilidades para llevar proyectos expositivos, culturales, artísticos en nuestra ciudad y otros que tienen que coger sus obras, maletas y llevárselas a otra comunidad para que sean expuestas. Imagino que será cuestión de una buena gestión de la obra artística por parte del autor. Pero conozco a personas que llevan toda su vida trabajando y sus obras son expuestas en contados actos.

Pero no querría ser aguafiestas del todo, y me gustaría animar a todo el mundo a que salgan a las calles de nuestra ciudad para empaparse de todo el arte que se cuece en nuestra tierra, de lo oficial y de lo extra oficial que también lo hay. El arte, nos enriquece como las pastillas de gallina blanca, nos hace mejores personas, y nos hace pasar por esta vida de un modo más agradable.

Déjense balancear por la música, sumergirse en un cuadro, involucraos en una película clásica, conocer vuestro mundo a través de una obra de teatro, vivir el arte en definitiva. Y no dejes que la noche te deje en blanco, píntala con miles de colores.

 

 

Ver Post >
Verónica Bueno una retratista del paso del tiempo y la muerte
img
DA | 26-08-2012 | 18:15| 0
Autorretrato de Verónica Bueno

 

El primer encuentro con la artista extremeña, fue cuanto menos interesante. En un viaje a la capital cacereña para visitar la muestra anual de arte contemporáneo Foro Sur me topé con una chica que tenía sus cuadros expuestos en el suelo de la plaza San Marcos. Mientras que le echaba un vistazo, Verónica me abordó con la explicación del proyecto con una pasión que me hizo entender rápidamente la entrega que pone por su obra la joven artista extremeña. Se trataba de “Crisis Galery. Arte por los suelos” un proyecto que acercaba el arte a aquellas personas que más difícil lo tienen regalándoles una obra. La condición era ser parado, con la tarjeta del SEXPE de prestación por desempleo tenías derecho a una obra de arte gratis. La segunda condición: posar con la obra ante su cámara para que formase parte de la acción, la cual se puede visitar en la red (yo lo hice): http://www.crisisgallery.blogspot.com.es/2011/05/intercambio-35-david.html 

“Crisis Galery. Arte por los suelos” es una idea genial, un modo de dar a conocer su obra y además crear un vínculo entre artista y consumidor. Pero este proyecto no está vacío. Se sustenta en la crítica social y acción social. La acción se caracteriza por hacer que las obras materiales no se queden en el mero objeto artístico, si no que la artista crea un “proceso” con unas reglas (estar en paro supone regalar una obra de arte al espectador) con el cual enviar un mensaje. En este caso el mensaje es el democratizar el arte y al mismo tiempo hacer una crítica social de un país que despierta cada mañana con casi 6 millones de desempleados. Verónica apuesta por el arte que está con la gente, en contra de un mercado que esta controlado por una élite adinerada, inalcanzable para los bolsillos de la clase media trabajadora.

Su obra

Verónica Bueno mira de frente a los problemas sociales de nuestro tiempo. La muerte y lo macabro son una constante en su producción, la muerte entendida como algo que nos rodea en nuestro día a día en medios de comunicación, conversaciones, películas, canciones.

En la serie  “Carroñeros, muertos y otros desastres” los cuadros son collages de imágenes muy diferentes entre ellas, donde conviven un Cristo del sagrado corazón con imágenes de niños escualidos y comitivas fúnebres de atentados. En definitiva un retrato de nuestro tiempo donde las imágenes circulan por nuestro imaginario visual entremezclándose y creando unidades comunicativas mayores.

Vivimos inmunizados de imágenes duras sobre la muerte y el sufrimiento. Los telediarios nos bombardean de imágenes de atentados, asesinatos, accidentes y catástrofes. La muerte convive con nosotros, pero en nuestra sociedad aun sigue siendo un tabú del que se habla con respeto y como algo que nunca va a suceder, mientras que otras culturas afrontan con una actitud más conciliadora el hecho de que la muerte forma parte de nuestras vidas. Nosotros la vemos como algo muy lejano, como algo que le sucede al vecino.

Verónica pone su foco sobre la parte más dura de nuestros tiempos, como un ejercicio de reflexión sobre donde va nuestra no evolución. Nuestro mundo lleno de desigualdades, injusticias, guerras inexplicables y sin sentido. Como una reportera de guerra, sus pinturas son puñetazos al ojo y a nuestras conciencias.

Las técnicas utilizadas por Bueno son muy dispares desde las acuarelas, aguadas, grabado, óleos, acrílicos y dibujo a lápiz, con un estilo agresivo mezclando las diferentes técnicas a modo de collage. Con un dibujo muy potente y delicado además de un uso muy inteligente del color.

La vida y la fugacidad de esta es otro de los temas tratados en su obra, las calaveras y lo relojes de arena nos envían un mensaje muy claro, el tiempo pasa. Un Carpe Diem contemporáneo, un mensaje directo: vive la vida porque la muerte nos acecha. Su obra me ha traído a la memoria la obra del barroco “In ictu oculi” de Valdés Leal que puede ser visitada en la Santa Caridad de Sevilla, una pintura que habla de la fugacidad de la vida y el triunfo de la muerte sobre la vida. Una de las ideas que fue desarrollada durante el barroco, la iconografía de la obra prentende transmitir la idea de que todo lo material es insignificante ya que la muerte arrasa con toda la riqueza atesorada en vida. 

 

En la página web de la artista (http://www.verobueno.com/) se lee una leyenda que dice: “por los laberintos del arte contemporáneo…” porque verónica navega en los mares convulsos del arte contemporáneo de nuestra comunidad y nuestro país. Mares enmudecidos y donde solo unos artistas asimilados y aceptados por el sistema del arte son los que acaparan las ferias, exposiciones, galerías, reportajes,etc. Verónica, apuesta por hacer de su arte un arma de denuncia social, actitud muy valiente en los tiempos que corren donde el arte se llena de banalidades sin ningún tipo de fin comunicativo más que la “paja mental” del artista. Por ello, admiro la decisión de la artista por elegir un discurso coherente y activista. Les invito a que visiten su web, no te dejará indiferente.

In Ictu oculi de Valdés Leal artista Barroco
Ver Post >
Sobre el autor DA
Historiador del arte, comunicador audiovisual, artista plástico y músico.

Etiquetas