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Fecha: julio, 2016
John Dowland, las lágrimas del exilio.
Buzalén 30-07-2016 | 9:37 | 0


Flow my Tears (fluyan mis lágrimas) es una pieza musical para laúd compuesta por John Dowland en 1596 y muy probablemente se trate de la canción inglesa más conocida de principios del siglo XVII. Aborda el tema del exilio interior que experimenta el enamorado que no consigue acercarse a la persona que desea pero constituye una expresión certera del dolor y el exílio que por desgracia han herido a la humanidad una y otra vez.  Los de Dowland fueron unos años convulsos para la Corte inglesa ya que la conversión religiosa impuesta a toda Inglaterra generó un ambiente político y religioso totalmente único. Muchas de las decisiones tomadas en la corte estaban relacionadas con esta reforma y no se podían admitir en el país a traidores a los designios del Reino de Inglaterra.

John Dowland tuvo la desgracia de convertirse al catolicismo durante su estancia en París estando al servicio de un diplomático inglés. A través de éste, se vio envuelto en una trama de conjura política contra la reina Isabel I de Inglaterra y ello hizo que nuestro músico no pudiese regresar a su país por estar considerado como un traidor a su patria. Vivió en el exilio con la máxima aspiración de que se le reconociera su valía y prestigio en su país natal, desgraciadamente todas sus iniciativas para conseguirlo se vieron frustradas. Este error influyó en su vida y como no, también en su música. El tema de la melancolía y la dolencia imperaba dentro de todo este período isabelino en las expresiones artísticas del momento. Igualmente esta temática estará más que presente en la mayoría de la obra de Dowland, no en vano dio a una de sus pavanas el título de “Semper Dowland, Semper Dolens” (Siempre Dowland, siempre doliente).
La muerte en marzo de 1603 de la reina Isabel I provoca una situación de desamparo en Dowland y ve que a las lágrimas que derramó el compositor por las esperanzas perdidas hay que añadir otras lágrimas que anuncian nuevas ilusiones. El compositor crea una de las obras más importantes e influyentes de su época: la colección de siete pavanas conocidas con el título genérico de “Lachrimae, or Seaven Teares” escritas para conjunto instrumental. Estos llantos debían llegar al corazón de la persona a quien estaba dedicada la obra: la princesa Ana, la hermana de su real patrón y esposa de Jacobo I de Inglaterra. En la dedicatoria del libro, Dowland escribió las siguiente palabras: “Aunque el título prometa lágrimas, esas invitadas indeseables en estos tiempos de alegría, no hay duda de que las lágrimas que se vierten por la música son agradables. Las lágrimas no nacen siempre de la pena, a veces también nacen de la alegría y la felicidad”.

Curiosamente esta obra sobre el exilio coincide en el tiempo con el exilio impuesto por la Corona Española a los últimos moriscos extremeños, los de nuestra localidad natal de Hornachos, que fueron encadenados y conducidos al tribunal de la Inquisición de Llerena y desde allí al norte de África donde fundarían la ciudad de Rabat. Este otro exílio, más físico y tangible, es el que ha inspirado las imágenes que ilustran nuestro vídeo.

El dolor que produce el amor es uno de los temas recurrentes en la poesía y la música amorosa, como ejemplo bien conocido “Plaisir d’amour” (placer de amor) es una canción de amor escrita en 1784 por Jean Paul Égide Martini con texto una poesía de Jean-Pierre Claris de Florian: “El placer de amor sólo dura un instante la pena de amor dura toda la vida”, o como recoge nuestra Jota cuadrada… “mi suegra, porque la quiera, me ha regalado un rosario, teniendo yo con su hijo, corona, cruz y calvario”.

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Zorongo Gitano; a vueltas con Lorca
Buzalén 23-07-2016 | 10:49 | 0

El zorongo era baile muy usado en la época de la tonadilla del Siglo XVIII de la que formó parte, derivado quizás de la zarabanda y el zarandillo, y su nombre se debe a que en una de sus letras más populares aparece a modo de estribillo la palabra zorongo; “zorongo, zorongo, zorongo, que mi madre me lo compra me lo pongo, y que me compraba una camisita que llena de encajes que por las manguitas, que toma zorongo”. Al parecer  fué uno de los bailes originales de las agrupaciones zámbricas del Sacromonte de Granada.  Lorca lo rescató en sus ‘Canciones populares españolas’, trabajo que hemos abordado en entradas anteriores.

Toda la obra literaria de Federico está impregnada por la cultura popular del mundo rural en que se crió y, muy particularmente, por la música tradicional. En la primera etapa de su creación literaria hay una clara asimilación de elementos musicales y poéticos tradicionales, sobre todo a través de las canciones y juegos infantiles. Esa época de la niñez, vivida en un medio rural y en un ambiente familiar en que la música, tanto la popular como la culta, tiene una presencia notable en su obra. En su familia paterna, los García, había habido varios músicos aficionados. Su madre era gran amante de la música clásica e inculcó esta inclinación a todos sus hijos. “Mi infancia es aprender letras y canciones con mi madre, ser un niño rico en el pueblo, un mandón”, recordaría años después el propio Federico.

Viene después una segunda etapa, ya de adolescencia, en que las influencias de la música popular dan paso a las de la música culta. La familia se ha trasladado a Granada y todos los hermanos estudian música y piano sistemáticamente, con buenos profesores . De ellos, Antonio Segura ejercerá gran influencia sobre Federico y , vistas las aptitudes musicales del joven, recomienda a sus padres que sea enviado a París para ampliar estudios. La muerte del músico en 1917, terminó por enfriar el asunto; de lo contrario, Federico podría haber iniciado una carrera musical que a saber si no le hubiera apartado definitivamente de la literatura.

Llegamos así a la última y decisiva etapa, marcada por la relación con Manuel de Falla. Establecido en Granada desde el año 1920, don Manuel no tardará en convertirse en ídolo y maestro del joven García Lorca: “Falla es un santo…Un místico…Yo no venero a nadie como a Falla…”. Cuando Don Manuel fue a Granada a vivir, Lorca —que había estudiado varias obras suyas— se acercó a su casa a presentarse y decirle que estaba muy interesado en conocerlo. Falla era muy estricto con sus alumnos y no cogía a cualquiera, pero este chico le cayó en gracia, quizá porque lo vio como el hijo que nunca tuvo.
Estuvo muy pendiente de él y cuando se fue a estudiar a la Residencia, se preocupó de que no se juntara con algunas compañías que consideraba perjudiciales para él, que fuera más pausado en las entrevistas.  Falla vio el torrente literario que tenía Lorca y le incitó a que dejara un poco de lado la música, aunque siguiera estudiándola. Gracias a Falla, Lorca amplió sus estudios musicales y conoció todas las vanguardias que venían de Europa, y Lorca recitaba sus obras a Falla y le daba a conocer lo que hacían otros literatos. También es crucial la relación que Lorca y Falla establecieron en torno al flamenco que culminó en la organización del concurso del Cante Jondo en Granada en 1922, que cayó bastante mal en aquellos ambientes culturales porque no se admitía a cantantes profesionales, sino a la gente de los pueblos”.

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Zamba del grillo: la nueva canción.
Buzalén 16-07-2016 | 11:13 | 0

La nueva canción fue un movimiento musical de América Latina y España que apareció más o menos al mismo tiempo ,a mediados de la década de los años sesenta, en varios países del continente. Se trataba de una canción que poseía un fuerte compromiso social. Este movimiento reconoce antecedentes como Violeta Parra en Chile y Atahualpa Yupanqui en Argentina como grandes impulsores del movimiento musical en la región, como ejemplo esta preciosa zamba del maestro Atahualpa que compartimos hoy.  Entre las obras paradigmáticas de la nueva canción se encuentran “Canción con todos” (1969), la “Cantata Santa María de Iquique” (1970), “El pueblo unido jamás será vencido” (1973), ” Plegaria a un labrador” (1969), “Todavía cantamos” (1983)etc  .Entre sus principales exponentes solistas figuran: Soledad Bravo en Venezuela; Facundo Cabral, Jorge Cafrune, Mercedes Sosa, Piero, José Carbajal el Sabalero, León Gieco en Argentina; Chico Buarque, Gilberto Gil, Milton Nascimento, Caetano Veloso en Brasil; Horacio Guaraní, Víctor Heredia, Eduardo Meana, César Isella, Víctor Jara; Rubén Blades, los hermanos Carlos Mejía Godoy y Luis Enrique Mejía Godoy en Nicaragua; Por sus vínculos con la canción latinoamericana también suele incluirse en el movimiento al catalán Joan Manuel Serrat.

La nueva canción latinoamericana se caracteriza por recurrir al folklore musical tal como se presenta en cada región del subcontinente, arraigado a su vez en tradiciones afroamericanas, indígenas e ibéricas, pero con un espíritu abierto hacia la fusión y el desarrollo de nuevas formas .La nueva canción también ha recibido la influencia de la música popular española moderna, principalmente a través de la obra de Joan Manuel Serrat; del folklore “blanco” estadounidense, a través de figuras como Bob Dylan y Pete Seeger y Joan Báez; y del jazz y el rock, tomando contacto cercano, en este último sentido con las formas progresivas del rock en español, como en el caso del rock nacional argentino.
Ideológicamente, la nueva canción se ha llegado a identificar con la música de protesta porque en sus letras, generalmente, se manifiesta un profundo rechazo por la intervención extranjera (militar, política o económica) en los países americanos; sin embargo, lo ideológico no se queda en esta posición de rechazo a lo extranjero, sino que se extiende a un profundo respeto por la vida de los obreros, los campesinos y los indígenas, todo esto a la par de un claro rechazo al imperialismo estadounidense y europeo,  y la desigualdad social. En Argentina el movimiento tomó forma en 1963 como una propuesta cultural que se denominó Nuevo Cancionero, liderado entre otros por Mercedes Sosa y Armando Tejada Gómez. En Cuba, la nueva canción se llamó nueva trova y estuvo respaldada por el gobierno de la Revolución Cubana. En Chile, el presidente Salvador Allende incluso llegó a decir antes de su derrocamiento que no podía haber revolución sin canciones. A veces era común que algunos se refirieran a la nueva canción latinoamericana simplemente como canción latinoamericana. . Víctor Jara definió “Nuestra canción no es una canción de protesta. Es una canción de amor.”

 

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En el Café de Chinitas
Buzalén 09-07-2016 | 9:03 | 0

El Café de Chinitas fue un teatrillo o café cantante que existió en la ciudad de Málaga entre 1857 y 1937. Era un local de pequeñas dimensiones con un pequeño escenario famoso por sus espectáculos flamencos. En esta canción Lorca recoge un episodio protagonizado por el famoso torero gaditano “Paquiro”. Ya nos hemos aproximado en entradas anteriores a la vocación musical del poeta, en la que tuvieron especial importancia las canciones que escuchó desde niño, originarias de distintas regiones de España.

Federico García Lorca realizó una importante labor como folklorista, preservando parte de la memoria musical de otros tiempos, y fue autor de la recopilación “Colección de Canciones Populares Antiguas”, armonizadas y recopiladas por él mismo. En la primavera de 1931, acompañada al piano por el propio Federico García Lorca,Encarnación López Júlvez; La Argentinita graba diez temas de esta  colección.

Estos versos recogen un hecho del famoso torero gaditano Francisco Montes, “Paquiro”, (1805-1851) en pleno Siglo XIX en el Café de Chinitas de Málaga,aunque al propio Feredico García Lorca ya le llegaron algo “adulterados” por la tradición oral que acaba modificando las palabras. Parece ser que el “hermano” al que Paquiro decide enfrentarse bien podría ser un “germano” (pequeño delincuente) lo desafía a pelear. El Café de Chinitas estaba muy frecuentado por extranjeros y especialmente alemanes (germano), además Paquiro no tenía hermanos. El torero cita al “germano” en la calle para pelear; pero el rival no se presenta, Paquiro sale airoso como torero de renombre (venció como el Cid con su sola presencia).

El Café de Chinitas original‚ el que Lorca citaba en su poesía‚ era una casa en Málaga que ya no existe‚ se derribó durante la construcción del paseo de la Alameda. Se llamaba de Chinitas probablemente haciendo referencia a que estaba decorado con chinitas‚ pequeños cantos rodados de río, otros comentan por la actuación de un personaje llamado Chinitas.

El café alcanza su máxima expresión en los años treinta del siglo pasado, en su escenario las actuaciones de los colosos Juan Breva y Antonio Chacón, rivales en el cante por malagueñas; otras figuras como La Macarena, La Juana, La Trini, El Petrolo o El Porrilla, Hermanas Navarro, Estrellita Castro, Lucrecia Torralba, Isabelita Ruiz, Luisa Albéniz , Manuel Torres, Pastora y Tomás Pavón, Vallejo, Manolo Caracol, Canalejas de Puerto Real, Cojo de Málaga, Palanca, Marchena, Juanito Valderrama… pero históricamente las coplillas que recoge Lorca no tienen asiento; Francisco Montes Reina “Paquiro” falleció en Chiclana el 4 de abril de 1851 a consecuencia de unas fiebres tercianas malignas (el paludismo). Por tanto, Paquiro no pudo conocer el Café de Chinitas. Y en cuanto al otro posible personaje histórico, Salvador Sánchez Povedano más conocido como “Frascuelo“, nació en Churriana (Granada) el día 21 de diciembre de 1842, por lo que a la muerte de Paquiro contaba con nueve años de edad, sería demasiado pensar que un niño de esa edad se enfrentara dialécticamente con tal rival en una taberna. La tradición oral se encarga de engrandecer, adornar y repensar la realidad que nos rodea, haciendo que llegue hasta nosotros envuelta en misterio… como este episodio del Café de Chinitas.

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Üsküdara :Amor frente a la barbarie
Buzalén 02-07-2016 | 9:56 | 0


Hoy rescatamos esta hermosa canción turca solidarizándonos con este pueblo azotado por la barbarie terrorista. Esta es una melodía que se puede rastrear toda la zona del Mediterráneo , Oriente Medio , el Cáucaso , Asia Central , el Lejano Oriente y América del Norte . Tenemos una versión de la canción en albanés, árabe, armenio , bosnio , búlgaro , griego , iraní , escocés, sefardí ( ladino ) , serbio y, por supuesto turco … la letra en turco hace referencia a un conocido barrio de Estambul (Üsküdara) que tomó fuerza al final del imperio otomano durante la guerra de Crimea es muy probable que la melodía tenga origen sefardí, aquellos judíos que se vieron obligados a abandonar Sefarad (España) tras la expulsión de los Reyes Católicos. Sus tradiciones, poemas y melodías se fueron divulgando por aquellos países en los que se asentaban por lo que esta canción tiene infinitas versiones alrededor del mundo.

Se dice que la melodía sirvió a los jenízaros otomanos en la conquista a de Constantinopla ( 1453 ) o el asedio ruso de la ciudad búlgara de Pleven . Entonces Üsküdar era una ciudad de cierta importancia , fue la sede de las operaciones militares y fue el punto final de las caravanas que llegaban de Siria y Asia. Pero la canción nos sitúa principalmente en la guerra de Crimea 1853-1856 entre el Imperio Otomano y Rusia .Los soldados del Reino Unido, Francia, Piamonte y Cerdeña, se había alojado en el cuartel militar de Úsküdara con una división de soldados escoceses… para los turcos resultaban exóticos aquellos uniformes, tal vez sea aquí donde arranque esta canción de amor.

Úsküdara está en la parte asiática del Bósforo  distrito podría ser alcanzado en ese momento sólo un ferry … en el que podemos recitar la canción del pirata de Espronceda; La luna en el mar riela,  en la lona gime el viento,  y alza en blando movimiento  olas de plata y azul;  y ve el capitán pirata,  cantando alegre en la popa, Asia a un lado, al otro Europa  y allá en su frente Estambul.

La señora lleva un pañuelo y lo llena con el lokum (delicias turcas), lo que representa un símbolo del deseo de un matrimonio feliz y buena suerte en el futuro. En Üsküdar se encuentra con su amante, un Katip que en el Imperio Otomano era un secretario o un funcionario. La dama regresa  con “su” Katip y alaba su amante , su aspecto y su ropa con orgullo mientras desafía chismes de la gente. El Amor no entiende de guerras ni de convencionalismos…

En Olivenza se suena,
que nos queremos los dos.
Niégalo tú, vida mía,
que también lo niego yo. (jota de la Uva)

Como curiosidad, la melodía central de la canción fue utilizada por Bonnie M en su hit “Rasputin” Apareció por primera vez el 7 de junio de 1978 en el álbum Nightflight to Venus. Esta canción es una balada sobre la figura histórica de Grigori Rasputín, amigo y consejero del zar Nicolás II de Rusia y de la familia real a principios del siglo XX. La canción toma el estereotipo semilegendario de Rasputin como amante, curandero místico y demiurgo político.

Üsküdara ha sido hasta hace muy poco la música de la carta de ajuste en la televisión turca.

 

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Sobre el autor Buzalén
Antonio Javier Calero (guitarra) y Javier Gómez (voz), dos hornachegos formados en conservatorios de nuestra Comunidad, apasionados por la corriente musical que nace en el S.XVI con la vihuela y llega hasta nuestros días, rescatando temas de autores extremeños poco conocidos para el gran público como Hernando de Franco o Juan Vázquez. Nuestro disco “Caminando” es el resultado de todo este trabajo conjunto, las canciones han sido compuestas entre los dos y en él se percibe la influencia de algunos de nuestros referentes artísticos como la bossa-nova, las canciones tradicionales e infantiles, la preocupación por el medio ambiente, la fugacidad de las cosas, los derechos de la infancia... un trabajo humilde que pretende compartir lo que somos. Llevamos a cabo de forma quincenal un espacio divulgativo en Canal Extremadura Radio dentro del programa "el sol dale por el Oeste" en el que interpretamos en directo una canción de nuestro repertorio y explicamos la conexión cultural que tiene con Extremadura.