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Chanson de Primavera

Hoy recreamos esta preciosa “chanson” francesa de principios del Siglo XVI, al que nos hemos acercado anteriormente con compositores como Juan Vázquez o Dowland. Se unen en esta pieza de amor cortés el talento musical de Claudin de Sermisy, que desarrolló su producción en la corte de Francisco I y los versos de Clement Maron que ya en 1515, ofrece a dicho monarca, un libro de versos titulado, El Templo de Cupido. El Rey lo recomienda a su hermana Margarita que lo convierte en secretario de su marido, el duque de Alençon, al que acompañará en sus campañas.

Al morir el Duque de Alençon en 1525, se venga de una enamorada suya, publicando Elegía primera para una Dama. Ésta, a su vez, se venga denunciándolo por haber comido tocino durante la Cuaresma. Es detenido, acusado de herejía y llevado a la cárcel de Châtelet. Consigue salir gracias a su amigo Lyon Jamet y al obispo de Chartres, Louis Guillard. Para dar las gracias a su amigo compone la Epístola a su amigo Lion. En esa misma época, escribe su poema El Infierno, inspirado en su estancia en prisión.
Finalmente es víctima de la persecución del rey contra los luteranos, se ve obligado a exiliarse y finalmente fallece en Turín. Tradujo a Virgilio, a Luciano (c. 1511-1514), a Ovidio (1533) y a Petrarca (1538). Es el autor del primer soneto en lengua francesa; además, escribió rondeles, baladas y otras formas estróficas, características de los grandes retóricos.
La parte musical corresponde a Claudin de Sermisy, como señalamos al principio, que fue uno de los más famosos compositores de chansons populares en francés a principios del siglo XVI, además fue un destacado compositor de música sacra. Su música influyó y se vio influida por los estilos contemporáneos italianos. Esta pieza es al mismo tiempo una canción de amor no correspondido (a qué viene esto, hermosa dama, os suplico….) y una oración atribuida a Rey David, el salmo X del libro de los salmos… Oh Señor, ¿por qué permaneces tan distante?¿Por qué te escondes cuando estoy en apuros?….También coexiste su versión para laúd/vihuela y voz, con la versión polifónica a 4 voces.

En su momento la pieza supuso todo un hit en la música europea, tanto en su versión profana como religiosa, en el contexto reformado se publica en Ginebra y Amberes y en el católico patrio tenemos la versión de Antonio de Cabezón para órgano (obras para tecla, arpa y vihuela) publicada por su hijo Hernando en 1578 en Madrid. Curiosamente la escribe como se pronuncia “duviansela“.

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Romance de Don Boyso

Federico García Lorca grabó para “La Voz de su Amo”, en 1931, cinco discos gramofónicos con diez temas de su “Colección de Canciones Populares Antiguas”. El propio García Lorca tocó el piano, acompañando a “La Argentinita”, bailarina y cantante (tocando también las castañuelas). Estas grabaciones, están consideradas como los documentos sonoros más personales que se han conservado del artista granadino. Los discos de “La Voz de su Amo” salieron al mercado en la primavera de 1931 y tuvieron un gran éxito. Federico, quien además de intérprete, había recopilado y armonizado dichas canciones, se reveló una vez más como el artista polifacético que era, mientras que la interpretación de “la Argentinita” fue considerada todo un exponente de la sencillez, la gracia y el sentimiento que requiere el “canto popular” (desde el criterio intelectual del momento).
Los romances representan un compendio de sabiduría popular, muchos recordaremos a nuestras abuelas recitando romances que pasaban de padres a hijos, de generación en generación. Lorca recogió este “romance de Don Boyso o Romance de la cristiana cautiva” que vuelve a situarnos en la frontera medieval entre tierras de moros y de cristianos.

El Romance de Don Boyso, es uno de los legados orales más representativo de la Edad Media Leonesa que ha pasado por diferentes modificaciones a lo largo de la historia. En este romance han quedado recogidas diferentes versiones, muchas de ellas tomadas en Tradiciones Orales Leonesas II, Romancero General de León II, desde San Martín de Agostedo, Quilos, San Clemente de Valdueza, Vierdes, etc. y muchas más. No obstante la belleza de la melodía, la genial adaptación de Federico García Lorca y su pasión por la música sefardita, una mezcla judío árabe mayormente integrada en sus escritos. Don Boyso, caballero cristiano, va a tierra de moros buscando una esposa; cree encontrar a una judía, pero le propone bodas si se hace cristiana, descubriendo luego que ha rescatado por azar a su propia hermana Rosalinda, que estaba cautiva. La música que acompaña al mencionado romance es música sefardí.
Musicalmente, si se busca la partitura de la canción, se puede notar una complejidad musical. La voz nos deleita, haciendo que esta historia sea una más interesante y dulce para el oído. En la música sefardí se utilizan los registros agudos de la tesitura vocal. A principios del siglo XIX se menciona la presencia de la guitarra, el violín y la pandereta. Es un canto individual, ya que al estar cargado de melismas, con libertades rítmicas, dificulta mucho el canto grupal. El romance sefardí es fundamentalmente monódico. Generalmente son puramente silábicas, es decir, una nota por cada sílaba, pero también con abundante ornamentación y flexibilidad melódica.
Así pues en Don Boyso encontramos la influencia de la música sefardí y las fronteras de moros y cristianos en la tradición oral.

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Para ti, Lucía.

Hoy versionamos de nuevo al gran Joan Manuel Serrat que arrancó su carrera en la Nova Cançó Catalana. Serrat encontró problemas con la censura muchas veces, sin embargo, siguió creando canciones que exploran temas políticos y sociales, usó sus experiencias en una manera creativa para expresar sentimientos sobre la vida real, sobre España, su gente, y sus líderes. En el estilo musical de Serrat encontramos una combinación de ironía, pura honestidad, y una habilidad por presentar la vida como es.

El texto lírico de «Lucía», de verso libre, tiene la forma de una carta, escrita con tremenda intensidad emotiva, pero casi a fondo perdido, sin certeza alguna —y más bien sin esperanzas— de que llegue a su destinataria: «es una carta de amor, que se lleva el viento pintado en mi voz, a ninguna parte, a ningún buzón». El autor casi no habla de Lucía en el poema, no la describe, no da señas sobre ella, ni ensalza directamente sus características. La letra está centrada en lo que Lucía ha producido en él («si alguna vez fui bello y fui bueno, fue enredado en tu cuello y tus senos»). Lucía es esencialmente maravillosa por cómo lo hizo sentir a él y por la huella imborrable que le ha dejado de esos sentimientos sublimes.

Muchas veces le han preguntado a Serrat en entrevistas por la existencia real de Lucía, pero el artista elude aportar detalles: «no hay mucho que contar. Como dice el bolero, es lo que pudo haber sido y no fue. Pero también fue lo que fue y, a fin de cuentas, en la vida lo que queda es lo que cuenta». Sin embargo, hay versiones periodísticas que señalan que Serrat habría confesado que su canción relata una historia real, de modo que Lucía, según esta fuente, habría sido un viejo amor a quien el cantautor jamás pudo olvidar, llegando incluso a llamarla el día de su boda para recordarle que la seguía amando...

El cantautor cubano Santiago Feliú confirmó en 2011 la versión acerca de la boda de Lucía, revelando que habría escuchado esto directamente de Serrat en 1997. La anécdota aparece en un artículo de prensa en el que Feliú se refiere a la gran influencia que ejerció esta canción en su propia formación como compositor. Relata que muchas veces cantó «Lucía» y siempre sostenía que «esta es la mejor canción de amor que existe». Le parecía perfecta porque reunía todas las características deseables para un tema musical de amor: «una melodía ingeniosamente elegante que se podía manejar con la guitarra (aunque la conocí ya orquestada), un texto que combinaba líneas muy directas y otras más metafóricas, y el tema del amor perdido, la nostalgia, cierto desamor por tanto amor». Además de confesarle que le parecía una maldad haber llamado a Lucía en el día de su boda, Serrat le habría dicho a Feliú en esa oportunidad que ya no recordaba si había escrito esta canción antes o después de la boda de Lucía, un olvido que a Feliú le pareció muy gracioso.
René León —quien ha mantenido una extensa relación de colaboración y amistad con Serrat durante casi medio siglo, siendo promotor y productor de sus giras en México— se ha referido en entrevistas a la canción «Lucía», señalando que sería una de las canciones más solicitadas por el público en los conciertos y presentaciones en vivo del artista. También él aporta su versión sobre una «Lucía real», relatando que la canción habría sido compuesta para una azafata de Iberia de quien Serrat habría estado enamorado en aquella época, señala además que por aquellos tiempos el artista era «un auténtico galán conquistador, impactante para el género femenino». El propio autor solo dice que aunque quedó inmediatamente satisfecho con el resultado de su composición en cuanto acabó de escribirla, hubiese preferido no tener que escribir jamás nada como esa canción «porque eso significaría que no habría sufrido por amor».

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Siempre Carlos

Hoy nuestra guitarra y nuestra voz recuerdan a Carlos Cano, maravilloso cantautor y poeta andaluz que recuperó estilos tradicionales, y muy especialmente la copla andaluza, género que contemporaneizó para liberarla de la apropiación que el franquismo había hecho de la misma. Su versatilidad como compositor, capaz de escribir cuecas, tangos, boleros, rumbas, sambas, nanas, coplas, murgas carnavaleras o temas intimistas acompañado por tan sólo su voz y su guitarra o por una orquesta, unida a la calidad y emotividad de sus textos, hacen de Carlos Cano un personaje destacado dentro del panorama musical iberoamericano.

Compositor muy prolífico, entre sus temas más conocidos caben destacar “Verde, blanca y verde“, “María la Portuguesa“, “La murga de los currelantes“, “Tango de las madres locas“, que hoy recuperamos,“Que desespero“, “Habaneras de Cádiz“, “Un vaso de té verde” o “La metamorfosis“, entre otros. En su juventud, como tantos miles de andaluces, emigró a Suiza y Alemania buscando trabajo, experiencia que le marcaría profundamente y que se vería reflejada en su obra posterior en temas como “La miseria” o “El Salustiano“, donde reflejó la pobreza y la tristeza por tener que abandonar su tierra para cambiarla por los grises paisajes industriales del norte de Europa más favorecido económicamente.

En 1969, junto con Juan de Loxa, Enrique Moratalla y Antonio Mata, crea el Manifiesto Canción del Sur y comienza a cantar en la Universidad, acompañado por su guitarra y su característica voz trémula, que se convertiría en una de sus señas de identidad. Lo hace teniendo como referente una memoria familiar republicana, ya que su abuelo había sido fusilado al comienzo de la Guerra Civil Española, en 1936, siendo acusado de socialista radical y fusilado en Granada dónde era capitán de la fábrica de pólvora de El Fargue. Sus primeros discos durante la etapa de la Transición Española y el tardofranquismo, son marcadamente políticos y sus canciones se unen a la reivindicación general de una España democrática y al resurgimiento de la identidad andaluza y la consecución de su Autonomía, “ser andaluz es la forma que yo tengo de ser persona”, decía inspirado en las palabras de Blas Infante.

Un artista que ha marcado para siempre el devenir de los que amamos la música tradicional con su talento y sensibilidad. En la obra que recuperamos hoy realiza un homenaje sentido y honesto a las madres de la Plaza de Mayo, asociación argentina formada durante la dictadura de Videla con el fin de recuperar con vida a los detenidos desaparecidos, inicialmente, y luego establecer quiénes fueron los responsables de los crímenes de la humanidad y promover su enjuiciamiento.
La cifra de personas detenidas-desaparecidas se estima en unas 30.000. Es el número que obtuvieron los organismos de derechos humanos a partir de las denuncias y la estimación de casos no denunciados. Según el libro Nunca Más, informe de la CONADEP (Comisión Nacional sobre la Desaparición de Personas), las víctimas del terrorismo de Estado fueron unas 9.000 personas, porque sólo cuentan los denunciados hasta 1983.
Sobre este hecho tan tremendo para la historia mundial, y en particular para la Argentina, Cano compuso la canción con música y letra para dejar constancia de los hechos y denunciarlos.
Los perseguidos, las víctimas, iban a desaparecer. No iban a estar más: secuestrados y esfumados de la noche a la mañana. Los militares creían que al no haber cuerpos, al no haber pruebas ni quedar en evidencia, nadie podría acusarlos de crimen alguno. Eso es el terrorismo de Estado. Las Fuerzas Armadas se dedicaron a la muerte clandestina, mientras en público sus jefes iban a misa a ser bendecidos, a comulgar, y a la salida sonreían. En sus discursos hablaban de la ley, el orden, la paz y el progreso. Empezó la cacería. Zonas liberadas, gritos en la noche, secuestros de gente indefensa, la absoluta desaparición de la justicia.

En esa noche, hubo un parto. En medio de la oscuridad, un alumbramiento. Nació una historia. Muchas madres y padres salieron a buscar a sus hijos. Salieron de sus casas, salieron del útero de su rutina habitual a enfrentar al aparato represivo más imponente de la historia del país. Llevaban impresas en la piel la desesperación y el amor, y de allí les nació el coraje. Recorrieron hospitales, caminaron juzgados, se atrevieron a ir a comisarías y cuarteles. Buscaron a las morgues. Nadie sabía nada. La ley del silencio. Cada día era la esperanza de una noticia. Cada noche era la frustración del silencio.
Los padres, poco a poco, volvieron a sus trabajos… ellas esperaban.

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Acuarela Extremeña

Hoy compartimos esta entrañable canción de Toquinho que hemos interpretado en Canal Extremadura televisión para el programa Extra tarde. Hijo de Diva Bondeolli y Antonio Pecci, comenzó temprano su interés por la guitarra. En su infancia su madre lo llamaba «toquinho da gente» (‘toquecito mío’). Seguiría entonces con el apodo Toquinho. Su tema más popular es Acuarela y “por increíble que parezca, fue hecho en diez minutos. “El músico italiano Maurizio Fabrizio fue para Sao Paulo a trabajar conmigo para una serie de canciones que serían grabadas en italiano. Y la primera que hicimos fue esa. La letra original es de Guido Morra, yo la traduje al portugués”. Acuarela fue el título del álbum que publicó el guitarrista y cantante brasileño Toquinho (Antonio Pecci) en 1983 en versiones para los mercados brasileño, español e italiano. El otrora compañero del poeta y letrista Vinicius de Moraes (1913-1980) no tuvo suerte en su propia tierra, pero cosechó un gran éxito en España e Italia. Estas dos versiones incluían tres temas cantados en portugués, cinco en el idioma del país y dos instrumentales.
Toquinho comenzó su carrera a los 17 años, trabajando para Chico Buarque. En 1968, en compañía de Jorge Ben grabó su primer gran éxito “Qué maravilha”. Esa grabación lo llevó a París donde realizó un gira por toda Francia al lado de Joshephine Baker y Buarque. A su regreso se encontró con el poeta Vinicius de Moraes. Una cita histórica que transformó la música brasileña. Fue Toquinho quien interpretó la guitarra en la canción más famosa del bossanova: La chica de Ipanema. En 1980 se unió a María Creuza, con quien realizó un gira de más de cincuenta presentaciones. Al final de es año participó en una gira por Argentina donde presentó el que sería su último disco con Vinicius, Un poco de ilusao.

A comienzos de 1982 realizó varias presentaciones en Colombia y el segundo semestre de ese año se trasladó a Italia, donde trabajó con el compositor Maurizio Fabrizio, con quien compuso Acuarela, una de sus canciones más conocidas. El disco fue lanzado en el Festival de San Remo de 1983 y obtuvo un disco de oro en Italia, convirtiéndose en el primer artista brasileño que logra esta distinción en ese país. Otro trabajo memorable de Toquinho es Luz do solo, disco acústico en el que interpreta solo melodías de los Beatles. El último trabajo discográfico de Toquinho data de 1992 cuando grabó O viajante de sonho. María Creuza, la mujer que lo acompañará, es originaria de Salvador, capital del estado de Bahía. Fue descubierta en un concurso de aficionados por Vinicius De Moraes quien la llevó a Rio de Janeiro y la bautizó la chica de Bahía , todo un honor viniendo del autor de La chica de Ipanema.

( Compartimos aquí el extracto de una entrevista publicada en Chile en el 2006)

-Referente a tu relación con Vinicius, dijiste que tuviste un matrimonio sin sexo con el poeta durante esa época…
-(Risas). Es que era exactamente así. Él era una persona increíble, pero muy celoso de la “parcería”. Estábamos como casados, porque estábamos siempre juntos, trabajando y viajando. Yo no podía hacer canciones con Chico Buarque u otro artista porque él se quedaba muy mal. Una vez se enteró de que estábamos creando una canción con Chico y llegó con una frase para que la incluyéramos. Insistió mucho, sólo para estar en medio.
-Pero le compusiste una canción con Buarque…
-Sí, pero esa vez no le quedó otra que comerse los celos. Lo que pasó es que yo le había hecho una melodía sin palabras. Me pareció que era para Vinicius porque se asemejaba mucho al canto de un gato que se pierde en las calles oscuras de la noche y el poeta era un poco así. Llegué a su casa y le conté: Hey, hice una canción para ti. Él la escuchó cinco o seis veces y después me dijo con mucha simplicidad: “Mira, Toquinho, como no tiene palabras la melodía, ¿por qué no la regalas a todos los poetas brasileños para que me hagan un homenaje?”. A mí me pareció un poco exagerado, pero le di a Chico Buarque la canción y terminó haciéndole las palabras de una manera muy dulce. A Vinicius le gustó tanto que dijo: “Basta, no se la den a nadie más”. Y así nació ‘Samba para Vinicius’. (Risas).
-Difícil el carácter de tu marido…
-Sí, era muy vanidoso pero a la vez muy divertido. Vivía de una forma tan natural e irresponsable que los cuentos nacían cotidianamente. Como el de su pantalón, que con la borrachera y la panza que escondía debajo de ellos, siempre se caía por tierra. Un día en medio del restaurante se cayó y salió todo el culito blanquito del poeta, lo gracioso es que todos lo aplaudieron mucho, a lo que él respondió: “El culo de un poeta nunca es sucio”. Fue una risotada colectiva.

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La “saudade” del Emperador


Mille Regretz (mil pesares) más conocida como “La canción del Emperador” es una canción polifónica en francés creada por el compositor franco-flamenco Josquin des Prez . Aquí interpretamos su famosa variación para vihuela española del maestro Luis de Narváez (se cree que la canción recibió este sobrenombre por ser la favorita de Carlos V).
Es una de las canciones profanas que logró una gran difusión por toda Europa durante el s. XVI, la versión instrumental de
Narváez que adorna discretamente la polifonía original con glosas, figura entre las piezas más conocidas del repertorio de la vihuela. La posible debilidad del emperador por esta canción se puede relacionar con el ciclo de canciones sobre el tema de “regretz” que aparecen en los cancioneros de su tía Margarita de Austria en cuya casa se crió hasta ascender al trono español en 1516. Es posible que fuera una de las chansons nouvelles que Josquin presentó a Carlos V en su encuentro en 1520. Se supone también que la misa que compuso Morales sobre la misma canción se deba a la afición de Carlos V y que fuera compuesta para cantar delante de él durante una de sus estancias en Italia.

A pesar de su imagen de hombre activo, guerrero, decidido y mundano, Carlos V tenía un trasfondo melancólico que no escapaba a los ojos de los buenos observadores. Su biógrafo, Alonso de Santa Cruz, le dedica estos párrafos:Era más reflexivo que idóneo y a esta causa fue amigo de soledad y enemigo de reír, siendo ya casado. Enemigo de hablar mucho, tanto que por muy largo tiempo a los negociantes de sus negocios les venía a responder en breve sonido […] En el tiempo de su comida casi no hablaba palabra y tampoco en la sala donde estaba […] En el vicio de la carne fue a su mocedad mozo, porque tuvo en Flandes una hija bastarda y en Castilla otra […] Muy pocas veces cabalgaba para pasearse por los pueblos donde estaba, sino siempre se holgaba de estar retraído o recogido en su cámara.
El embajador veneciano Gasparo Contarini precisa más su diagnóstico:El César es de pocas palabras y de carácter muy moderado;. Verdad es que siente más la tristeza que la alegría, conforme a la cualidad de su carácter, que es melancólico.
La melancolía (mille regret) podrían deberse a algún amorío juvenil que quedara allá en tierra flamenca o —si queremos cargar aún más las tintas del guión— la mismísima reina Germana de Foix, por la que, a pesar de ser la viuda de su abuelo Fernando el Católico (su abuelastra) el joven Carlos sintió tan repentina pasión, que no tuvo empacho en hacerle una hija nada más llegar a España y ocupar el trono, según afirman algunos historiadores. Después de todo, la chanson de la que hablamos está en francés.
Además de todas estas posibilidades y aun tratándose de un Austria con varios hijos naturales, en este caso no se debe descartar a la mujer legítima, la emperatriz Isabel, como la causante de las nostalgias y pesares imperiales. En una carta desde Nápoles Carlos intentaba justificar la prolongación de su ya larga ausencia con estas palabras: Y por eso, Señora, no son menester aquí soledades ni requiebros. (regrets)
En el año 1556 Carlos I de España y V del Sacro Imperio Romano Germánico decidió retirarse a algún convento para hacer en él vida monástica, eligiendo para ello el Monasterio de Yuste. Por esta razón tuvieron que realizarse numerosas obras para ampliar las escasas dependencias con las que el monasterio contaba en ese momento y que eran insuficientes para albergar al emperador y a las 60 o 70 personas con las que contaba su séquito personal. Las habitaciones del emperador estaban ubicadas junto al coro de la iglesia, de modo que le permitían asistir a los oficios religiosos desde su propio dormitorio, sentado en su litera, donde permanecía postrado debido a la grave afección de gota que le aquejaba. Durante la estancia del emperador en Yuste, numerosos personajes de la corte pasaron por allí para visitarle, entre ellos su propio hijo, el rey Felipe II de España o Don Juan de Austria, su hijo natural (escena que recoge la imagen del cuadro).

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Sobre el autor Buzalén
Antonio Javier Calero (guitarra) y Javier Gómez (voz), dos hornachegos formados en conservatorios de nuestra Comunidad, apasionados por la corriente musical que nace en el S.XVI con la vihuela y llega hasta nuestros días, rescatando temas de autores extremeños poco conocidos para el gran público como Hernando de Franco o Juan Vázquez. Nuestro disco “Caminando” es el resultado de todo este trabajo conjunto, las canciones han sido compuestas entre los dos y en él se percibe la influencia de algunos de nuestros referentes artísticos como la bossa-nova, las canciones tradicionales e infantiles, la preocupación por el medio ambiente, la fugacidad de las cosas, los derechos de la infancia... un trabajo humilde que pretende compartir lo que somos. Llevamos a cabo de forma quincenal un espacio divulgativo en Canal Extremadura Radio dentro del programa "el sol dale por el Oeste" en el que interpretamos en directo una canción de nuestro repertorio y explicamos la conexión cultural que tiene con Extremadura.