Hoy

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La Zamba; “viene clareando”
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Buzalén | 10-11-2016 | 09:28| 0

Aunque esta zamba pertenece al maestro Atahualpa Yupanqui, del que ya hemos hablado en nuestro espacio, llegó a ser más conocida en España gracias a Alberto Cortés. Este argentino universal nació el 11 de marzo de 1940 en Rancul, un pueblo de la Pampa. Inicia estudios de piano a los seis años. A los once años de edad ya componía canciones como “Un Cigarrillo, La Lluvia y Tú“, composición que mucho más tarde interpretó el trío Los Panchos entre otros. Finalizó sus estudios en la escuela primaria y se traslada a San Rafael, Mendoza, para asistir a la escuela secundaria. Cuando finaliza el bachillerato viaja a Buenos Aires, con la intención de estudiar Derecho. Tan sólo permanece un año en la universidad, ya que decide dedicarse por completo a la música.A los veinte años, debía ingresar en el servicio militar obligatorio y lo invitan a ir a Europa con un grupo de música folklórica denominado “Argentine International Ballet and Show”.

Cantaba y tocaba la guitarra junto a Hugo Días y su esposa, Juan Carlos Montero, Waldo de los Ríos y un sexteto de bailarines.Su debut se produjo en un pueblo de Bélgica, y ese mismo día conoce a un productor de discos que lo invita a grabar un disco y continúan con su gira por Europa. Durante su permanencia en Alemania se quedan sin dinero y son abandonados por los empresarios.
Inicia la grabación de sus primeros discos en francés, alemán e italiano y en 1961 decide probar suerte en España. Es contratado por el sello Hispavox con el que permanecería veintiocho años. También comienza a interpretar a grandes compositores como Atahualpa Yupanqui, Eduardo Falú, Jaime Dávalos, Oscar Castro, Carlos Brito y P. Cladera. Viaja, en 1969 por primera vez a México y continúa su gira hasta Argentina, donde le comunican que debe cumplir con el servicio militar obligatorio después de diez años de ausencia.
Desde 1977 y a raíz de un comercial de TV el público argentino lo descubre y comienza a interesarse por su trabajo. El 5 de mayo de 1994 comienza una gira internacional, donde se presenta en conciertos junto a Facundo Cabral en “Lo Cortez no quita lo Cabral”.

Nos gustaría compartir con ustedes un extracto de una entrevista publicada en El país por Beatriz Rucabado el 7 de Abril:

P .Cuando un amigo se va… ¿Cuántos tizones tienes encendidos?
R .Muchísimos. Mucha gente ignora que el mejor amigo que tuve en mi vida fue mi padre. Él compartió, desde que yo era un niño, su vida conmigo y todo lo que un amigo puede compartir con otro. Y cuando él falleció, a mí me falleció el mundo. Recuerdo que aquella noche yo estaba actuando en Madrid en una sala. Y no sé si canté, lloré, grité o escupí. Lo que sí sé es que al terminar la actuación, salí a caminar por Madrid, que estaba en una noche límpida pero que a mí me pareció que estaba llena de bruma porque lo único que tenía eran lágrimas. Y cuando regresé al hotel escribí los versos de Cuando un amigo se va. Después ya me senté al piano cuando lo tuve muy cerca y terminé escribiendo la canción.
P .Facundo Cabral es uno de estos tizones…
R .Facundo fue un excelente amigo y sucede como siempre, que lo que uno quiere se va sin preguntar, sin que la vida te lo amenace. Y a Facundo Cabral no lo amenazó nadie, le pegaron dos tiros en la cabeza en un determinado lugar en el mundo (Guatemala), que evidentemente no iban dirigidos a él. Nunca hemos entendido sus amigos qué pudo haber pasado para que un sicario le dispare dos tiros en la cabeza. Lo que creemos es que querían al tipo que iba conduciendo el coche, que había sido el empresario que lo contrató para actuar allí y que se conoce que tenía algún tipo de relación con el narcotráfico o cualquiera de estas porquerías. Fue muy duro. Yo escribí unos versitos de homenaje. Por el inmenso respeto que nos repartíamos.
P .¿La poesía es un arma, o la mejor arma, para cambiar el mundo?
R .El mundo se lo han apropiado los políticos en todos lados, sin que nadie se lo regalara o sin que nadie al menos se lo reclamara. En consecuencia, son ellos los que son llamados a gobernarnos, a establecer las condiciones legales para vivir en paz con los demás. No creo que los políticos tengan que ver con la poesía. Algunos sí, son intelectuales y sensibles a la proposición poética que puedan llegar a percibir. Pero fundamentalmente son gente muy práctica, que tienen que tener practicidad para manejar países, posturas políticas, masas… Y tienen que utilizar sus armas para conseguir que los habitantes de un país tengamos la sensación de ser felices, o por lo menos razonablemente felices.

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Soñar contigo; historia del bolero
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Buzalén | 27-10-2016 | 21:49| 0


Aunque existen diversas teorías sobre el origen del bolero, alguna de las cuales señala a Europa como la cuna del género, parece que Cuba es la indudable madre de este género musical que más tarde se extendió por Latino América.
Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886, aunque algunos difieren de la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos “clásico” (las guitarras y la percusión). La evolución del acompañamiento va de los tríos de guitarra, las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante casi treinta años (1935-1965) dominó, como género, el espectro musical latinoamericano.

Otro hecho que contribuirá al ascenso del bolero es la inesperada muerte del rey del tango, Carlos Gardel, en 1935, que dejó al afán por el tango tras la muerte de su mejor voz, y ese vacío provocó un mayor auge del bolero, sobre todo en el cono sur del continente americano.
Antonio Machín, nombre artístico de Antonio Lugo Machín, (Sagua la Grande, Cuba, 11 de Febrero de 1903 Madrid 4 de agosto de 1977) fue cantante cubano de boleros y de música popular en general. Basó su repertorio en la música cubana y la balada romántica .Interprete de reconocido prestigio en el ámbito hispanohablante, es famoso por sus recreaciones, entre otras, de temas como El Manisero, Dos Gardenias, Angelitos Negros. Su disco El Manisero, grabado en 1930 acompañado por la orquesta de Don Aspiazu para la compañía Víctor de Nueva York, constituyó el primer éxito millonario en ventas de la música cubana.
El Trío Los Panchos se formó en la ciudad de Nueva York en 1944, donde los mexicanos Alfredo Bojalil Gil mejor conocido como “El Güero” y José de Jesús Navarro Moreno, mejor conocido como “Chucho Navarro”, junto al puertorriqueño Herminio Avilés Negrón, de nombre artístico “Hernando Avilés”, decidieron unir sus talentos e innovar el género de los tríos cantando a tres voces y tres guitarras.
Isabel Vargas Lizano (San Joaquin de Flores-Costa Rica, 17 de abril de 1919) es una cantante nacida en Costa Rica nacionalizada mexicana. En México ha residido por más de siete décadas, donde es conocida artísticamente como Chavela Vargas.La canción ranchera es un género musical masculino y sensual, cantado generalmente por hombres. Chavela solía cantar canciones normalmente interpretadas por hombres sobre su deseo por las mujeres. Vestía como un hombre, fumaba tabaco, bebía mucho, llevaba pistola y era reconocida por su característico poncho rojo. Inolvidable su “Piensa en mí”.
Luis Enrique Gatica Silva (n. Rancagua1 11 de agosto de 1928), más conocido en el ambiente artístico como Lucho Gatica, es un famoso cantante chileno de boleros… La otra tarde vi llover
Moncho. Cantante de boleros, género musical en el que se le conoce popularmente como “El rey del bolero” o “El gitano del bolero”, apreciado por sus interpretaciones de este género en España y Latinoamerica, especialmente en Cuba.Mocho nace en el barrio de Grácia de Barcelona, hijo de una familia de gitanos catalanes, aprendió a cantar a ritmo de rumba catalana, rodeado de artistas como Peret o Antonio Gonzalez “El Pescaílla”, marido de Lola Flores, experimentando en su fusión con el bolero que acabó siendo su camino en la canción.
Entre 1950 al 60 se comienza en Cuba a experimentar con el bolero y sin crearse una nueva forma musical, sus intérpretes dan rienda suelta a su manera de interpretar su sentimiento, dramatizando y exagerando los gestos e inflexiones de la voz, y a toda esta descarga en que se enfatizaba los sentidos se le llamó Filin, que aunque es una palabra inglesa, feeling, que significa sentimiento, con base en el Jazz, sobre todo en la forma de liberar la voz, jugando con el tiempo y la armonía, es rítmicamente muy cubano. Su principal representante es Olga Guillot
En esta última corriente se enmarca nuestro Soñar Contigo de Toni Zenet, cantante, músico y actor malagueño hace una fusión preciosa del bolero, el tango, el flamenco, el jazz latino…

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Llanto al mar… Siempre Serrat
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Buzalén | 09-10-2016 | 17:51| 0

Hoy nos acercamos a esta canción de Serrat llamada “Plany al mar” (llanto al mar) también dedicada al Mediterraneo, mucho menos conocida que aquella primera con arreglos de Juan Carlos Calderón que se ha grabado a fuego en nuestra memoria colectiva. Una verdadera denuncia ante el abuso y el maltrato al que sometemos al “mare nostrum” aunque las palabras de Serrat se centran en el aspecto ecológico del problema hoy podríamos añadirle el humanitario.

Cuna de vida, caminos de sueños,
puente de culturas
(¡ay, quién lo diría…!)
ha sido el mar.
Miradlo hecho un basurero.
Miradlo ir y venir sin parar.
Parece mentira que en su vientre
se hiciera la vida.
¡Ay, quién lo diría sin rubor!
Miradlo hecho un basurero,
herido de muerte.
De la manera
que lo desvalijan
y lo envenenan,
¡ay, quién lo diría
que nos da el pan!
Miradlo hecho un basurero.
Miradlo ir y venir sin parar.
¿Dónde están los sabios y los poderosos
que se autodenominan
(¡ay, quién lo diría!)
conservadores?
Miradlo hecho un basurero, herido de muerte.
Cuánta abundancia, cuánta belleza,
cuánta energía
(¡ay, quién lo diría!) echada a perder.
Por ignorancia, por imprudencia,
por inconsciencia y por mala leche.
¡Yo que quería
que me enterrasen
entre la playa
(¡ay, quién lo diría!)
y el firmamento!
Y seremos nosotros
(¡ay, quién lo diría!)
los que te enterremos.

Joan Manuel Serrat nace el 27 de Diciembre de 1943 en el barrio obrero de Poble Sec .Su padre, Josep Serrat, fue un anarquista catalán afiliado a CNT y su madre, Ángeles Teresa, ama de casa originaria de Belchite (Zaragoza). El pequeño Juanito estudió desde los tres hasta los diez años en las escuelas Pías de San Antonio, de los Padres Escolapios. Posteriormente continuó sus estudios en Barcelona hasta los trece años, edad en la que se trasladaba como alumno interno a la Universidad Laboral de Terragona, lugar donde aprende el oficio de mecánico tornero y fresador. Al terminar, decide continuar los estudios como Perito Agrícola.
En aquella misma época, Radio Barcelona a través de Salvador Escamilla, mantenía el programa “Radioscope”.Así una mañana de 1964, presenta a un atemorizado Serrat. Aquella actuación logra gran interés y acogida por parte del público. Joan Manuel Serrat es animado a continuar en su recién estrenada carrera. El primer grupo promotor de la Nova Cançó fue (Los dieciséis jueces) que, como su nombre indica, fijaba un máximo de dieciséis cantantes en lengua catalana, Joan Manuel ocupó el puesto número trece de este grupo. En enero de 1968 los periódicos anunciaron que Joan Manuel Serrat representaría a España en el Festival de Eurovisión que se iba a celebrar en Londres, pensaron que él podía dar una imagen distinta, joven, inconformista, rebelde dentro de un orden. La bomba estalla el 25 de marzo, cuando Serrat -que ya había grabado su primer disco en castellano- renuncia a cantar en el Festival de Eurovisión si no lo hace en lengua catalana, ante su negativa se le acusa de “separatista”, en algunos titulares de los periódicos aparece -Serrat dice “no” a España-, a partir de ese momento es vetado en la Televisión Española.
Posteriormente la decisón de Serrat de cantar en castellano le trae problemas con su antiguo grupo de cantantes catalanes .“A unos les parezco separatista porque canto en catalán, para otros soy un vendido a Madrid por hacerlo en castellano”.Se ve obligado a quedarse en Méjico por su postura contra las últimas ejecuciones del régimen hasta que en agosto de 1976, gracias al decreto de amnistía que permitió el retorno de todos los exiliados políticos españoles desde la guerra civil, Serrat volvió a su Barcelona natal el viernes 20 de agosto de 1976 con una multitud esperándolo en el aeropuerto.En 1978 se casa en la intimidad con Candela Tiffón, con la cual tiene dos hijas , María y Candela .Poco después muere su padre , lo que supone un golpe muy duro para Joan Manuel.
La gira de 1984 queda inmortalizada gracias al elemento humano, (públicos masivos) y el técnico, siete toneladas de material, magnetófonos de 18/24 pistas, micrófonos de ambiente y 18 de sonido directo en cada escenario. Cronista de un tiempo, figura popular cuya permanencia lo ha situado por encima de los vaivenes de la moda o las fluctuaciones de un mercado , Joan Manuel Serrat continua siendo notario de su entorno, posee la misma capacidad de indignación, de entusiasmo y de ilusión que cuando tenía aquellos veinte años.
Ya en 2004, estando de gira se rumoreaba de que sufría de algún mal. Sin embargo, ante las consultas de la prensa, Serrat, con gran humor, señalaba “Si el doctor me pide que deje el vino, cambio de doctor”. Y es que ya llevaba, en silencio, un proceso de quimioterapia, para tratar de reducir un carcinoma en la vejiga. En 2005 se hace pública la noticia de la enfermedad. Pero Joan Manuel gana la batalla al cáncer y tras su recuperación emprendió una nueva gira . “Sentí la necesidad de que me iba a curar: ¿Por qué no iba a curarme?”
Serrat sigue componiendo y cantando, sus últimas giras, acompañado por otros cantantes ( Ana Belén, Víctor Manuel, Miguel Ríos o Sabina). Cantantes españoles y de otros paises han cantado con él y sin él sus canciones , en reconocido homenaje al que muchos consiferan su gran maestro. Todos estos años, Serrat ha sabido mantener al margen su vida privada de su vida pública.

“¿Qué por qué sigo cantando? Siempre quise escribir buenas canciones. He hecho algunas que no carecen de mérito, pero todavía busco aquellas canciones con las que soñaba cuando tomé la guitarra por primera vez”… comentó en una ocasión.

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Llegó el otoño y sus “cartas amarillas”
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Buzalén | 25-09-2016 | 20:09| 0


Aunque nos parezca mentira hubo en nuestra vida un tiempo anterior al teléfono móvil, en el que las cartas jugaban un papel fundamental, alejado de las frías notificaciones bancarias y la propaganda inútil. Hoy recordamos esta canción que sabe a otoño compuesta por Juan Carlos Calderón para la increíble voz de Nino Bravo, que el 16 de abril de 1973 dejaba huérfano a un país que se había enamorado de sus temas y al que legaría cuatro discos, más uno póstumo e innumerables recopilaciones y grabaciones inéditas que atestiguan su primacía de eso tan en boga en aquellos tiempos que vino a denominarse canción ligera.

Puede que su pasión por la música se la transmitiera su abuela materna, que si bien nunca se dedicó profesionalmente a la canción, sí amenizó algunos festivales benéficos. En cualquier caso, la idea anidaba en su cabeza desde sus años mozos. Hijo de un vendedor de seguros, sus primeros pasos laborales los daría en una joyería a la que se incorporó en calidad de aprendiz tras abandonar sus estudios. En poco tiempo era pulidor de diamantes, aunque la auténtica gema que había que moldear era él. Y a eso se dedicaba en sus ratos libres, siempre bajo la mirada de su amigo Vicente López, una figura crucial en su despegue al que conoció en el barrio de Sagunto donde creció y que ayudó a aquel muchacho tímido a salir de su cascarón.

Por entonces a Luis Manuel, su verdadero nombre, le llamaban Manolito y, en el otoño de 1961, junto a otros dos jóvenes, formaba su primera banda, Los Hispánicos, escogiendo un tema de The Platters, «Only You», para hacer su presentación en sociedad. No les iría mal, pese a que Manolito no lograría superar el examen necesario para obtener el carnet profesional de artista. En 1963, Los Hispánicos ponían fin a su aventura y Luis Manuel se refugiaba en Los Superson, el grupo en el que su amigo Vicente López oficiaba de bajista. Entraba en calidad de sustituto temporal del solista, pero pronto quedó claro que si querían alcanzar la gloria, debía ser con él. A la búsqueda andaban cuando Luis Manuel hubo de incorporarse al servicio militar, siendo destinado a Cartagena.

Aquello le hundió, hasta el punto de plantearse abandonar para siempre su sueño. Rescatado gracias al empeño de Vicente, consiguió un mánager que dio con el nombre con el que pasaría a la posteridad: Nino Bravo. Probó suerte con RCA, que le desechó, para posterior escarnio de la discográfica, y terminó firmando un contrato con Fonogram. Había nacido una estrella .Para el primer disco, Fonogram reclutó a Manuel Alejandro, un compositor que ya había firmado temas para Raphael y que le entregó a Nino Bravo «Como todos» y «Es el viento». Especial cariño le tendría siempre al primero de ellos el cantante. La fórmula funcionaba bien y le serviría para pasar por varios festivales. Aunque le gustaban poco estos certámenes, eran un trampolín.
Entonces llegó el gran salto. Televisión Española le reclutó para «Pasaporte a Dublín», un concurso del que habría de salir el representante español para el Festival de Eurovisión. Cayó ante Karina, pero el nombre de Nino Bravo recorrió España de punta a punta. El 20 de abril de 1971, Nino Bravo se casaba con María Amparo Esther Martínez Gil, la única novia que se le conocería y con la que, un año después, tendría a su primera hija, Amparo. Con ellas pasaría los días más felices de su vida, con giras por España y América Latina y el lanzamiento de dos nuevos discos, «Un beso y una flor» y «Mi tierra». El último, «volumen 5», no tendría tiempo de verlo publicado, como tampoco de conocer a su segunda hija, Eva María, nacida el 27 de noviembre de 1973, siete meses después de la muerte del cantante. Para entonces aún no se habían apagado los ecos del apoteósico homenaje que le rindieron en la Plaza de Toros de Valencia compañeros de profesión como Julio Iglesias, Manolo Escobar, Víctor Manuel o Mari Trini. Un sentido tributo a un hombre que solo ansiaba cantar y vivir.

Juan Carlos Calderon, el otro protagonista de nuestras “Cartas amarillas” nació en Santander en 1938, empezó su carrera musical formado parte de un cuarteto de jazz en su tierra natal en 1960. Tres años más tarde se traslada a Castellón donde graba su primer disco y en 1968 publica «Juan Carlos Calderón presenta a Juan Carlos Calderón» con el que gana el Premio Ondas. Tras éste éxito se convierte en arreglista para varias canciones de Joan Manuel Serrat, Luis Eduardo Aute y por supuesto para Mocedades con los que la música vocal en catellano alcanzaría uno de sus mayores exponentes, como olvidar aquel “Eres tú” de Eurovisión. Sus siguientes colaboraciones se centraron en Nino Bravo, para quien compuso uno de sus grandes éxitos, «Cartas amarillas»
Compagina su trabajo de compositor con su banda de jazz. Durante estos años acompañó a músicos de la talla de Donald Byrd, Stephn Grapelli o Bill Coleman. En 1969 actuó en el Palau de la Música de Barcelona con la banda de 17 músicos Jazz Tet, con Pedro Iturralde como solista. Tras el éxito grabaron «Bloque 6», premio al mejor disco de jazz en EE.UU.

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Ya se murió el burro
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Buzalén | 12-09-2016 | 15:52| 0



Apenas dos generaciones han bastado para olvidarnos de él, nuestro fiel compañero, el burro, que ha formado parte fundamental del entramado económico y estético de los pueblos extremeños.
Presente ya en la cultura occidental desde las fábulas de Esopo en las que la figura del burro representa el papel de los humildes en diversas situaciones: algunas veces se cree importante y los poderosos le ponen en su lugar como en “el asno y el león” o “el asno y la imagen”, aunque también el humilde asno da alguna lección a los poderosos y los arrogantes como en “el asno y el lobo” o en “el caballo y el asno”.

Citando ejemplos más cercanos podemos recordar a Rucio, el burro de Sancho Panza en la obra maestra de literatura española “El ingenioso hidalgo don Quijote de La Mancha”, el burro Benjamín que representa a la clase intelectual en Rebelión en la granja de George Orwell, o, por supuesto el inolvidable Platero, de la obra de Juan Ramón Jiménez “Platero y yo”.

Constante en la iconografía cristiana desde el nacimiento en Belén donde Jesús está escoltado por un asno y por un buey acorde a lo dicho por antiguas profecías o en el Domingo de Ramos, cuando se rememora la llegada de Jesús a Jerusalén montado sobre de un burro y recibido por la multitud con hojas de palma, cuyas estatuas procesionales son conocidas popularmente como la borriquita. La huida a Egipto también se representa a lomos de un burro y los asnos aparecen mencionados muchas veces en la Biblia hebrea.
Empeñados, como estamos, en reivindicar la cultura popular hemos querido recuperar esta canción y la memoria de nuestros sufridos amigos los burros. Las historias de estas canciones populares, sus tonalidades, tenían algo tremendo, algo que hoy creo que no se da: hay un punto de vista donde lo inevitable, el fatum (lorquiano), pesa, alumbra desde dentro, quemando a unos personajes que deambulan por las historias cantadas.

La canción es muy corta, parte del momento en que el burro de la tía vinagre muere, hace un pequeño recorrido por su triste vida y toma una panorámica del entierro, totalmente surrealista: esa tía María tocando el cencerro a modo de repique funeral el día que el pobre animal deja de padecer tanta explotación. El turururú que se repirte a modo de letanía es, además de un elemento mnemotécnico para que los niños canten rápidamente. La canción puede hacernos entender como ha cambiado nuestra visión del animal en la sociedad para muchos de nosotros.

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Juan Vázquez: extremeño universal.
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Buzalén | 03-09-2016 | 18:27| 0


Acercándose el día de Extremadura queríamos recordar hoy a Juan Vázquez, nacido en Badajoz hacia 1500, es uno de los máximos representantes de la composición de villancicos renacentistas, hasta el punto de que numerosas de sus piezas fueron adaptadas a cifra y publicadas en cancioneros por grandes vihuelistas de la época. Esta, la versión para voz y vihuela, es la que compartimos hoy. Estuvo unido al grupo andaluz de músicos renacentistas (Guerrero, Morales, etc.). Sus obras más conocidas son las composiciones profanas, de las que destacan los villancicos, las canciones y los madrigales.

Se trata de un autor sobradamente conocido para los amantes de la polifonía de cualquier rincón del mundo, pero en el caso de Badajoz es de justicia recordar los constantes esfuerzos de Don Carmelo Solís por difundir su figura y su obra al frente del Coro del Conservatorio, tarea a la que fantásticas agrupaciones vocales se han ido sumando en el tiempo; y muy especialmente durante este último año el Instituto Extremeño de Canto y Dirección Coral con un ciclo repleto de actividades y conciertos centrados en nuestro compositor pacense.

Con qué la lavaré“, la obra que nos ocupa, es un villancico, canción que se asocia tradicionalmente a la música religiosa que se canta en Navidad, pero lo cierto es que es una forma musical que aparece en España en la segunda mitad del siglo XV. Eran canciones profanas cantadas por los ‘villanos‘, habitantes de las villas, de ahí el nombre de villancico. Se compone de un estribillo y unas coplas o mudanza. Se cantaba en las fiestas de los pueblos. Posteriormente, empezó a cantarse en los templos y se fue asociando a la Navidad, por lo que fueron prohibidos los villancicos con letras profanas y en su lugar se cantaron villancicos con letras religiosas sobre el Nacimiento de Jesús. De aquí proceden los villancicos actuales.

La letra es aparentemente simple, como todas las de esa época. Pero, también, como casi todas, tiene una pequeña trampa, un mensaje oculto, que se nos hace más oscuro, quizá, por los casi 500 años transcurridos desde su composición, y, probablemente, porque alguna de las palabras que se utilizan han caído en desuso.
La canción es como la reflexión íntima de una mujer que contempla el futuro que se abre ante ella y, ante lo que ve, se siente impotente. Además del lamento por un amor desgraciado, había otro mensaje: El horror de una mujer que ha perdido su honra, porque su amante no quiere “redimirla”, haciéndola su esposa. No sólo su dolor, sino también su desvalimiento.

El claro riesgo de repudio social, de expulsión directa hacia la marginación en una época en que la mujer debía procurarse el sustento estando bajo la protección del varón (padre, esposo…)
Cabe hacer por tanto esta doble lectura de la obra: O como el lamento de una muchacha que, al haber sido deshonrada, ya no podrá acudir al río a lavarse, cómo cualquier mujer de bien, pues será señalada y rechazada por las demás, teniendo que recurrir al agua de limones como lo hacen las llamadas”galanas”. El tono lánguido de la pieza nos hace pensar en esta interpretación. Estamos ante una pieza cercana al madrigal italiano.

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Malagueña salerosa
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Buzalén | 27-08-2016 | 07:43| 0


Aunque se llama malagueña a un palo del flamenco tradicional de Málaga que procede de los antiguos fandangos malagueños, la canción que hoy nos ocupa es en realidad un son huasteco o huapango, canción de México compuesta en 1947, atribuible a Elpidio Ramírez, que participó en la Revolución mexicana, logrando obtener el grado de capitán primero de caballería en el Ejército mexicano y Pedro Galindo Galarza.


Lo curioso es que esta canción, profundamente local acaba expandiéndose y alcanzando casi cualquier tipo de música.

La canción se transforma también en el sexto movimiento de la Suite Andalucía (1933) compuesta por Ernesto Lecuona (1895-1963). Se ha adaptado desde entonces a géneros pop, jazz y bandas musicales (militar y de cornetas y tambores) y le han sido compuestas letras en varios idiomas.
Una versión alemana, cantada por Caterina Valente, con la Orquesta de Werner Müller, se hizo muy popular en los Estados Unidos alcanzando la posición 42º en la lista de éxitos de la revista musical Cash Box en febrero de 1955. La versión inglesa fue compuesta por Marion Banks. Una versión posterior fue grabada por Connie Francis en 1960, alcanzando una buena posición en la lista de la revista musical Billboard. El arreglo de Bill Holman para la Orquesta Stan Kenton en el disco Adventures in Jazz de 1961 hacía a Malagueña pasar de pieza del flamenco a joya de una fiera big band.

Con el paso de los años, Malagueña ha sido interpretada en numerosas ocasiones por la Banda de la Universidad de Massachusetts Amherst y, como tal, se ha convertido en una de las canciones más identificativas del grupo. La banda de hockey de la Universidad de Minnesota también interpreta el tema tras cada victoria en casa del equipo de hockey masculino. La Banda de Cornetas y Tambores de los Scouts de Madison también interpretan la canción a menudo y ganaron el Campeonato Mundial de la Internacional de Bandas de Percusión con un programa que incluía la pieza. Otras bandas que interpretan la pieza son los Crusaders de Boston, Los Cadets de Allentown, los Caballeros de Hawthorne y los Lancer de Hanover. Una las más destacables interpretaciones de esta pieza en los últimos años se produjo en el musical de Broadway Blast!.

Algunas versiones roqueras han incluido una versión instrumental de Bill Haley & His Comets grabada en Suecia en 1968 que nutrió sus espectáculos en directo en los 60 y 70 llevados a cabo normalmente por el guitarrista Nick Nastos. Una versión instrumental de Ritchie Valens fue lanzada años después de su muerte. Otras versiones instrumentales de estilo surf fueron interpretadas por las bandas The Trashmen en los años 60, y The Bambi Molesters en 2004, al igual que en la parte de un arreglo de Misirlou.

El grupo Chingon fue formado por el director de cine Robert Rodríguez para grabar canciones para su película de 2003 Érase una vez en México en 2004. El nombre del grupo proviene de un término del argot mexicano, chingón , vagamente, pero lo suficientemente cerca que significa “rudo” y / o “impresionante”.Chingon también contribuyó la canción ” Malagueña Salerosa “de Quentin Tarantino ‘s Kill Bill 2.

Para ilustrar la canción hemos rescatado imágenes de la inolvidable María Félix, además de una gran actriz fue una mujer de carácter fuerte que vale la pena recordar. Estas son algunas de las frases que se le atribuyen a la famosa mexicana:

-”No me gusta que me ayuden, puedo equivocarme sola”.

-”El dinero no da la felicidad, ah, pero como calma los nervios”.

-”Yo nunca he criticado a las lesbianas ni a los gays. Lo que hacen las gentes de la cintura para abajo son sus historias, no las mías”.

-”No es suficiente ser bonita, hay que saberlo ser”.
-”Dejen a los muertos en paz, si los que están adentro no pueden salir y los que estamos afuera no queremos entrar”.

-”Yo seré para ti una mujer más en tu vida, pero tú un hombre menos en la mía”.

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Aunque tú no lo sepas
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Buzalén | 13-08-2016 | 08:57| 0


Quique González compuso esta canción para Enrique Urquijo con el que compartía actuaciones en “El rincón del arte nuevo”, un pequeño local de Madrid. El tema vio la luz en 1998 y lamentablemente Enrique Urquijo murió una noche de noviembre de 1999, en un oscuro portal del barrio de Malasaña que hubiera podido protagonizar cualquiera de sus canciones. Murió el músico, pero había nacido el mito. No fue una sobredosis como suele decirse. En plena cura de desintoxicación sufrió una crisis y no solo imprudentemente le dejaron salir, sin avisar a ningún familiar ni amigo, sino que le despidieron con las doscientas mil pesetas de entonces que había dejado de fianza. Una negligencia médica en toda regla que desencadenó un cóctel explosivo de sustancias no excesivas, sino contraindicadas. Se fue sin tener que irse, aunque hay que reconocer que muchas de sus canciones eran la crónica de un suicidio anunciado. De hecho como se afirma en la biografía Adios Tristeza, Enrique fue escribiendo su biografía a través de sus canciones: auténticos himnos a la tristeza, la mala suerte, el abandono, desgarrados cantos a la soledad, al desamor, y al refugio en el alcohol… Letras surgidas de un corazón sensible que le unían con su público como pocos artistas del pop han conseguido.

Los Secretos nada tenían que ver con la rutilancia estética de los 80 y eran ninguneados, injustamente calificados en las llamadas “guerras estéticas” como sensibleros e incluso como niños bien -que no lo eran-. Hijos de un empleado de una empresa constructora de origen vasco, vivían de alquiler en una calle secundaria del barrio de Argüelles, no tenían nada que ver con la Banca Urquijo como se corría por Madrid. No tenían el favor de la prensa y la radio, ni siquiera las compañías les hacían demasiado caso pese a que su primer LP con las inolvidables Déjame, Ojos de Perdida, Vidrio Mojado siempre figure entre las antológicas del pop español.
Eran chicos sencillos de aspecto normal que no estaban muy presentes en los garitos de moda, pero sí en las habitaciones de aquellos que eran tan jóvenes como ellos y oían sus canciones en el recogimiento, mientras estudiaban, compartían vivencias en bares tranquilos o cuando sufrían momentos de bajón… Y así era, porque el líder de Los Secretos, junto a su hermano Álvaro, pasó la mitad de su vida sumido en un círculo vicioso que le llevaba de la depresión a las drogas, y de las drogas a la depresión: «Cuando sentía el hormigueo de la desesperación, recurría al alcohol, la heroína, la cocaína o los tranquilizantes (en ocasiones, todo a la vez) para conseguir una especie de muerte efímera», recogía Miguel Ángel Bargueño en «Adiós tristeza», la biografía de este poeta maldito del pop, que publicó en 2005.«Enrique aparecía por aquí -contaba Joaquín Sabina, con el que mantenía una estrecha relación- de madrugada y me pareció siempre el ser más dulce, más tímido, más sensible del mundo. Era para comérselo. Aquí venía y se podía quedar cuarenta y ocho horas. Hablaba poco, fumaba mucho, bebía mucho; yo también».
Poco antes de morir, su novia Pía había ido a buscarle a casa de su «camello», a donde acudía en demasiadas ocasiones tras abandonar la clínica donde estaba ingresado, una vez más, para dejar su adicción a las drogas. Era el final de una pesadilla que se había iniciado 20 años antes, cuando Enrique y sus hermanos comenzaron a coquetear con la heroína. «Había caballo en todas las fiestas. Si eras músico y no te metías, era como si fueras gilipollas», decían.
El mayor de los hermanos Urquijo, muerto a los 39 años, empezó pronto a recorrer las consultas de psiquiatras que no supieron cómo solucionar su problema, el mismo que arrastró hasta el mismo día de su muerte, y que se dejaban ver en casi todas sus canciones: «Por supuesto que Los Secretos y su grupo de ahora, Los Problemas, eran dos bandas tristes, acorazadas detrás de su desesperanza, pero en sus canciones un buen puñado de aficionados encontró un pañuelo para sus lágrimas del día a día», comentaba de la Fuente en la columna «Vuelves a ser un niño».
Odiaba la fama, la industria, las entrevistas y pretendía ser alguien anónimo, pero no lo consiguió. Con Los Secretos grabó nueve discos y dio miles y miles de conciertos, tras los que muchas veces se escapaba sin dar noticias. Su último disco, un recopilatorio de grandes éxitos, vendió 300.000 copias.
El último proyecto que tenía en mente, grabar un disco para niños basado en poemas de Gloria Fuertes, que nunca vio la luz. Posiblemente los mismos niños que ahora ya entrados en la adolescencia estén descubriendo sus canciones. pero que ya no se cruzarán con él en cualquier recoveco de Malasaña.

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La curiosa historia del baile de San Vito
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Buzalén | 25-08-2016 | 15:16| 0


El vito es un baile tradicional de Andalucía, cuyo nombre hace alusión a la enfermedad llamada “baile de San Vito”, por el carácter animado y vivo de esta danza. según relata la tradición San Vito apenas tenía doce años cuando murió mártir en el año 303. Hijo, según algunos, de un hombre rico de Sicilia llamado Hylas, fue torturado hasta la muerte junto a su nodriza Crescencia y a su tutor Modesto, ambos cristianos, por negarse a renegar de su fe. La iconografía representa al santo con una caldera al hombro, aludiendo a la muerte en aceite hirviendo que Diocleciano le había preparado como premio al haber curado a su propio hijo de unos horribles ataques epilépticos que padecía desde niño (esos premios cariñosos de los emperadores romanos). Pero cuando todos esperaban verle morir achicharrado como un boquerón, lo que vieron fue que el santo se arremangó la capa y empezó a bailar una especie de rock-and-roll que contagió a toda la corte imperial empezando por el emperador.

Posteriormente en Estraburgo en julio de 1518 una mujer conocida como Frau Troffea comenzó a bailar sin parar en una calle de esta ciudad francesa y así continuó sin descanso entre cuatro y seis días, mientras decenas de personas se sumaban a ella en una semana en una plaga de baile que afectó a 400 personas en un mes. En su pico la epidemia se cobró la vida de hasta 15 personas al día que bailaban hasta la muerte. No era el primer brote compulsivo de baile en Europa. El primero había tenido lugar en la Nochebuena de 1021 en la ciudad de Kölbigk (Alemania) y hay noticias de otras en 1237, 1247, 1278, 1374, 1438, aunque el de 1518 es el mejor documentado de esta extraña epidemia que se conoció durante siglos como «el baile de San Vito» o el «baile de la peste», entre otros numerosos nombres. El envenenamiento humano debido al consumo de centeno infestado por un hongo llamado cornezuelo. Incluso se especula que los juicios de las brujas de Salem pudieron ser desencadenados por algunas jóvenes que habían consumido centeno contaminado.

La melodía del vito se ejecuta en compás de 3/8. Usa la escala menor armónica para los motivos ascendentes y el modo frigio, que es el modo más característico de la música andaluza, para los motivos descendentes, lo que genera un acompañamiento armónico basado en la cadencia andaluza. El vito se canta con diferentes letras, jocosas o serias. La adaptación de esta canción popular para canto y piano, realizada por Fernando J. Obradors (1897-1945) y recogida en sus Canciones Clásicas Españolas, es la versión más interpretada en los círculos académicos. El violinista y compositor Pablo de Sarasate utilizó una variación sobre el tema melódico de El vito en su Danza española n.º 7, Op. 26, n.º 1 – “el vito”. Durante la Guerra Civil Española, entre el bando republicano se usó la melodía de El vito para cantar un texto en honor del Quinto Regimiento. La nueva versión se hizo muy popular incluso entre la población no combatiente: “Con el Quinto, Quinto, Quinto,con el Quinto Regimiento.Madre, yo me voy p’al frente para las líneas de fuego, Madre, yo me voy p’al frente para las líneas de fuego”.

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John Dowland, las lágrimas del exilio.
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Buzalén | 26-08-2016 | 10:52| 0


Flow my Tears (fluyan mis lágrimas) es una pieza musical para laúd compuesta por John Dowland en 1596 y muy probablemente se trate de la canción inglesa más conocida de principios del siglo XVII. Aborda el tema del exilio interior que experimenta el enamorado que no consigue acercarse a la persona que desea pero constituye una expresión certera del dolor y el exílio que por desgracia han herido a la humanidad una y otra vez.  Los de Dowland fueron unos años convulsos para la Corte inglesa ya que la conversión religiosa impuesta a toda Inglaterra generó un ambiente político y religioso totalmente único. Muchas de las decisiones tomadas en la corte estaban relacionadas con esta reforma y no se podían admitir en el país a traidores a los designios del Reino de Inglaterra.

John Dowland tuvo la desgracia de convertirse al catolicismo durante su estancia en París estando al servicio de un diplomático inglés. A través de éste, se vio envuelto en una trama de conjura política contra la reina Isabel I de Inglaterra y ello hizo que nuestro músico no pudiese regresar a su país por estar considerado como un traidor a su patria. Vivió en el exilio con la máxima aspiración de que se le reconociera su valía y prestigio en su país natal, desgraciadamente todas sus iniciativas para conseguirlo se vieron frustradas. Este error influyó en su vida y como no, también en su música. El tema de la melancolía y la dolencia imperaba dentro de todo este período isabelino en las expresiones artísticas del momento. Igualmente esta temática estará más que presente en la mayoría de la obra de Dowland, no en vano dio a una de sus pavanas el título de “Semper Dowland, Semper Dolens” (Siempre Dowland, siempre doliente).
La muerte en marzo de 1603 de la reina Isabel I provoca una situación de desamparo en Dowland y ve que a las lágrimas que derramó el compositor por las esperanzas perdidas hay que añadir otras lágrimas que anuncian nuevas ilusiones. El compositor crea una de las obras más importantes e influyentes de su época: la colección de siete pavanas conocidas con el título genérico de “Lachrimae, or Seaven Teares” escritas para conjunto instrumental. Estos llantos debían llegar al corazón de la persona a quien estaba dedicada la obra: la princesa Ana, la hermana de su real patrón y esposa de Jacobo I de Inglaterra. En la dedicatoria del libro, Dowland escribió las siguiente palabras: “Aunque el título prometa lágrimas, esas invitadas indeseables en estos tiempos de alegría, no hay duda de que las lágrimas que se vierten por la música son agradables. Las lágrimas no nacen siempre de la pena, a veces también nacen de la alegría y la felicidad”.

Curiosamente esta obra sobre el exilio coincide en el tiempo con el exilio impuesto por la Corona Española a los últimos moriscos extremeños, los de nuestra localidad natal de Hornachos, que fueron encadenados y conducidos al tribunal de la Inquisición de Llerena y desde allí al norte de África donde fundarían la ciudad de Rabat. Este otro exílio, más físico y tangible, es el que ha inspirado las imágenes que ilustran nuestro vídeo.

El dolor que produce el amor es uno de los temas recurrentes en la poesía y la música amorosa, como ejemplo bien conocido “Plaisir d’amour” (placer de amor) es una canción de amor escrita en 1784 por Jean Paul Égide Martini con texto una poesía de Jean-Pierre Claris de Florian: “El placer de amor sólo dura un instante la pena de amor dura toda la vida”, o como recoge nuestra Jota cuadrada… “mi suegra, porque la quiera, me ha regalado un rosario, teniendo yo con su hijo, corona, cruz y calvario”.

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Sobre el autor Buzalén
Antonio Javier Calero (guitarra) y Javier Gómez (voz), dos hornachegos formados en conservatorios de nuestra Comunidad, apasionados por la corriente musical que nace en el S.XVI con la vihuela y llega hasta nuestros días, rescatando temas de autores extremeños poco conocidos para el gran público como Hernando de Franco o Juan Vázquez. Nuestro disco “Caminando” es el resultado de todo este trabajo conjunto, las canciones han sido compuestas entre los dos y en él se percibe la influencia de algunos de nuestros referentes artísticos como la bossa-nova, las canciones tradicionales e infantiles, la preocupación por el medio ambiente, la fugacidad de las cosas, los derechos de la infancia... un trabajo humilde que pretende compartir lo que somos. Llevamos a cabo de forma quincenal un espacio divulgativo en Canal Extremadura Radio dentro del programa "el sol dale por el Oeste" en el que interpretamos en directo una canción de nuestro repertorio y explicamos la conexión cultural que tiene con Extremadura.