Hoy

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Para ti, Lucía.
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Buzalén | 24-02-2017 | 06:07| 0

Hoy versionamos de nuevo al gran Joan Manuel Serrat que arrancó su carrera en la Nova Cançó Catalana. Serrat encontró problemas con la censura muchas veces, sin embargo, siguió creando canciones que exploran temas políticos y sociales, usó sus experiencias en una manera creativa para expresar sentimientos sobre la vida real, sobre España, su gente, y sus líderes. En el estilo musical de Serrat encontramos una combinación de ironía, pura honestidad, y una habilidad por presentar la vida como es.

El texto lírico de «Lucía», de verso libre, tiene la forma de una carta, escrita con tremenda intensidad emotiva, pero casi a fondo perdido, sin certeza alguna —y más bien sin esperanzas— de que llegue a su destinataria: «es una carta de amor, que se lleva el viento pintado en mi voz, a ninguna parte, a ningún buzón». El autor casi no habla de Lucía en el poema, no la describe, no da señas sobre ella, ni ensalza directamente sus características. La letra está centrada en lo que Lucía ha producido en él («si alguna vez fui bello y fui bueno, fue enredado en tu cuello y tus senos»). Lucía es esencialmente maravillosa por cómo lo hizo sentir a él y por la huella imborrable que le ha dejado de esos sentimientos sublimes.

Muchas veces le han preguntado a Serrat en entrevistas por la existencia real de Lucía, pero el artista elude aportar detalles: «no hay mucho que contar. Como dice el bolero, es lo que pudo haber sido y no fue. Pero también fue lo que fue y, a fin de cuentas, en la vida lo que queda es lo que cuenta». Sin embargo, hay versiones periodísticas que señalan que Serrat habría confesado que su canción relata una historia real, de modo que Lucía, según esta fuente, habría sido un viejo amor a quien el cantautor jamás pudo olvidar, llegando incluso a llamarla el día de su boda para recordarle que la seguía amando...

El cantautor cubano Santiago Feliú confirmó en 2011 la versión acerca de la boda de Lucía, revelando que habría escuchado esto directamente de Serrat en 1997. La anécdota aparece en un artículo de prensa en el que Feliú se refiere a la gran influencia que ejerció esta canción en su propia formación como compositor. Relata que muchas veces cantó «Lucía» y siempre sostenía que «esta es la mejor canción de amor que existe». Le parecía perfecta porque reunía todas las características deseables para un tema musical de amor: «una melodía ingeniosamente elegante que se podía manejar con la guitarra (aunque la conocí ya orquestada), un texto que combinaba líneas muy directas y otras más metafóricas, y el tema del amor perdido, la nostalgia, cierto desamor por tanto amor». Además de confesarle que le parecía una maldad haber llamado a Lucía en el día de su boda, Serrat le habría dicho a Feliú en esa oportunidad que ya no recordaba si había escrito esta canción antes o después de la boda de Lucía, un olvido que a Feliú le pareció muy gracioso.
René León —quien ha mantenido una extensa relación de colaboración y amistad con Serrat durante casi medio siglo, siendo promotor y productor de sus giras en México— se ha referido en entrevistas a la canción «Lucía», señalando que sería una de las canciones más solicitadas por el público en los conciertos y presentaciones en vivo del artista. También él aporta su versión sobre una «Lucía real», relatando que la canción habría sido compuesta para una azafata de Iberia de quien Serrat habría estado enamorado en aquella época, señala además que por aquellos tiempos el artista era «un auténtico galán conquistador, impactante para el género femenino». El propio autor solo dice que aunque quedó inmediatamente satisfecho con el resultado de su composición en cuanto acabó de escribirla, hubiese preferido no tener que escribir jamás nada como esa canción «porque eso significaría que no habría sufrido por amor».

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Siempre Carlos
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Buzalén | 06-02-2017 | 05:59| 1

Hoy nuestra guitarra y nuestra voz recuerdan a Carlos Cano, maravilloso cantautor y poeta andaluz que recuperó estilos tradicionales, y muy especialmente la copla andaluza, género que contemporaneizó para liberarla de la apropiación que el franquismo había hecho de la misma. Su versatilidad como compositor, capaz de escribir cuecas, tangos, boleros, rumbas, sambas, nanas, coplas, murgas carnavaleras o temas intimistas acompañado por tan sólo su voz y su guitarra o por una orquesta, unida a la calidad y emotividad de sus textos, hacen de Carlos Cano un personaje destacado dentro del panorama musical iberoamericano.

Compositor muy prolífico, entre sus temas más conocidos caben destacar “Verde, blanca y verde“, “María la Portuguesa“, “La murga de los currelantes“, “Tango de las madres locas“, que hoy recuperamos,“Que desespero“, “Habaneras de Cádiz“, “Un vaso de té verde” o “La metamorfosis“, entre otros. En su juventud, como tantos miles de andaluces, emigró a Suiza y Alemania buscando trabajo, experiencia que le marcaría profundamente y que se vería reflejada en su obra posterior en temas como “La miseria” o “El Salustiano“, donde reflejó la pobreza y la tristeza por tener que abandonar su tierra para cambiarla por los grises paisajes industriales del norte de Europa más favorecido económicamente.

En 1969, junto con Juan de Loxa, Enrique Moratalla y Antonio Mata, crea el Manifiesto Canción del Sur y comienza a cantar en la Universidad, acompañado por su guitarra y su característica voz trémula, que se convertiría en una de sus señas de identidad. Lo hace teniendo como referente una memoria familiar republicana, ya que su abuelo había sido fusilado al comienzo de la Guerra Civil Española, en 1936, siendo acusado de socialista radical y fusilado en Granada dónde era capitán de la fábrica de pólvora de El Fargue. Sus primeros discos durante la etapa de la Transición Española y el tardofranquismo, son marcadamente políticos y sus canciones se unen a la reivindicación general de una España democrática y al resurgimiento de la identidad andaluza y la consecución de su Autonomía, “ser andaluz es la forma que yo tengo de ser persona”, decía inspirado en las palabras de Blas Infante.

Un artista que ha marcado para siempre el devenir de los que amamos la música tradicional con su talento y sensibilidad. En la obra que recuperamos hoy realiza un homenaje sentido y honesto a las madres de la Plaza de Mayo, asociación argentina formada durante la dictadura de Videla con el fin de recuperar con vida a los detenidos desaparecidos, inicialmente, y luego establecer quiénes fueron los responsables de los crímenes de la humanidad y promover su enjuiciamiento.
La cifra de personas detenidas-desaparecidas se estima en unas 30.000. Es el número que obtuvieron los organismos de derechos humanos a partir de las denuncias y la estimación de casos no denunciados. Según el libro Nunca Más, informe de la CONADEP (Comisión Nacional sobre la Desaparición de Personas), las víctimas del terrorismo de Estado fueron unas 9.000 personas, porque sólo cuentan los denunciados hasta 1983.
Sobre este hecho tan tremendo para la historia mundial, y en particular para la Argentina, Cano compuso la canción con música y letra para dejar constancia de los hechos y denunciarlos.
Los perseguidos, las víctimas, iban a desaparecer. No iban a estar más: secuestrados y esfumados de la noche a la mañana. Los militares creían que al no haber cuerpos, al no haber pruebas ni quedar en evidencia, nadie podría acusarlos de crimen alguno. Eso es el terrorismo de Estado. Las Fuerzas Armadas se dedicaron a la muerte clandestina, mientras en público sus jefes iban a misa a ser bendecidos, a comulgar, y a la salida sonreían. En sus discursos hablaban de la ley, el orden, la paz y el progreso. Empezó la cacería. Zonas liberadas, gritos en la noche, secuestros de gente indefensa, la absoluta desaparición de la justicia.

En esa noche, hubo un parto. En medio de la oscuridad, un alumbramiento. Nació una historia. Muchas madres y padres salieron a buscar a sus hijos. Salieron de sus casas, salieron del útero de su rutina habitual a enfrentar al aparato represivo más imponente de la historia del país. Llevaban impresas en la piel la desesperación y el amor, y de allí les nació el coraje. Recorrieron hospitales, caminaron juzgados, se atrevieron a ir a comisarías y cuarteles. Buscaron a las morgues. Nadie sabía nada. La ley del silencio. Cada día era la esperanza de una noticia. Cada noche era la frustración del silencio.
Los padres, poco a poco, volvieron a sus trabajos… ellas esperaban.

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Acuarela Extremeña
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Buzalén | 22-01-2017 | 09:41| 0

Hoy compartimos esta entrañable canción de Toquinho que hemos interpretado en Canal Extremadura televisión para el programa Extra tarde. Hijo de Diva Bondeolli y Antonio Pecci, comenzó temprano su interés por la guitarra. En su infancia su madre lo llamaba «toquinho da gente» (‘toquecito mío’). Seguiría entonces con el apodo Toquinho. Su tema más popular es Acuarela y “por increíble que parezca, fue hecho en diez minutos. “El músico italiano Maurizio Fabrizio fue para Sao Paulo a trabajar conmigo para una serie de canciones que serían grabadas en italiano. Y la primera que hicimos fue esa. La letra original es de Guido Morra, yo la traduje al portugués”. Acuarela fue el título del álbum que publicó el guitarrista y cantante brasileño Toquinho (Antonio Pecci) en 1983 en versiones para los mercados brasileño, español e italiano. El otrora compañero del poeta y letrista Vinicius de Moraes (1913-1980) no tuvo suerte en su propia tierra, pero cosechó un gran éxito en España e Italia. Estas dos versiones incluían tres temas cantados en portugués, cinco en el idioma del país y dos instrumentales.
Toquinho comenzó su carrera a los 17 años, trabajando para Chico Buarque. En 1968, en compañía de Jorge Ben grabó su primer gran éxito “Qué maravilha”. Esa grabación lo llevó a París donde realizó un gira por toda Francia al lado de Joshephine Baker y Buarque. A su regreso se encontró con el poeta Vinicius de Moraes. Una cita histórica que transformó la música brasileña. Fue Toquinho quien interpretó la guitarra en la canción más famosa del bossanova: La chica de Ipanema. En 1980 se unió a María Creuza, con quien realizó un gira de más de cincuenta presentaciones. Al final de es año participó en una gira por Argentina donde presentó el que sería su último disco con Vinicius, Un poco de ilusao.

A comienzos de 1982 realizó varias presentaciones en Colombia y el segundo semestre de ese año se trasladó a Italia, donde trabajó con el compositor Maurizio Fabrizio, con quien compuso Acuarela, una de sus canciones más conocidas. El disco fue lanzado en el Festival de San Remo de 1983 y obtuvo un disco de oro en Italia, convirtiéndose en el primer artista brasileño que logra esta distinción en ese país. Otro trabajo memorable de Toquinho es Luz do solo, disco acústico en el que interpreta solo melodías de los Beatles. El último trabajo discográfico de Toquinho data de 1992 cuando grabó O viajante de sonho. María Creuza, la mujer que lo acompañará, es originaria de Salvador, capital del estado de Bahía. Fue descubierta en un concurso de aficionados por Vinicius De Moraes quien la llevó a Rio de Janeiro y la bautizó la chica de Bahía , todo un honor viniendo del autor de La chica de Ipanema.

( Compartimos aquí el extracto de una entrevista publicada en Chile en el 2006)

-Referente a tu relación con Vinicius, dijiste que tuviste un matrimonio sin sexo con el poeta durante esa época…
-(Risas). Es que era exactamente así. Él era una persona increíble, pero muy celoso de la “parcería”. Estábamos como casados, porque estábamos siempre juntos, trabajando y viajando. Yo no podía hacer canciones con Chico Buarque u otro artista porque él se quedaba muy mal. Una vez se enteró de que estábamos creando una canción con Chico y llegó con una frase para que la incluyéramos. Insistió mucho, sólo para estar en medio.
-Pero le compusiste una canción con Buarque…
-Sí, pero esa vez no le quedó otra que comerse los celos. Lo que pasó es que yo le había hecho una melodía sin palabras. Me pareció que era para Vinicius porque se asemejaba mucho al canto de un gato que se pierde en las calles oscuras de la noche y el poeta era un poco así. Llegué a su casa y le conté: Hey, hice una canción para ti. Él la escuchó cinco o seis veces y después me dijo con mucha simplicidad: “Mira, Toquinho, como no tiene palabras la melodía, ¿por qué no la regalas a todos los poetas brasileños para que me hagan un homenaje?”. A mí me pareció un poco exagerado, pero le di a Chico Buarque la canción y terminó haciéndole las palabras de una manera muy dulce. A Vinicius le gustó tanto que dijo: “Basta, no se la den a nadie más”. Y así nació ‘Samba para Vinicius’. (Risas).
-Difícil el carácter de tu marido…
-Sí, era muy vanidoso pero a la vez muy divertido. Vivía de una forma tan natural e irresponsable que los cuentos nacían cotidianamente. Como el de su pantalón, que con la borrachera y la panza que escondía debajo de ellos, siempre se caía por tierra. Un día en medio del restaurante se cayó y salió todo el culito blanquito del poeta, lo gracioso es que todos lo aplaudieron mucho, a lo que él respondió: “El culo de un poeta nunca es sucio”. Fue una risotada colectiva.

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La “saudade” del Emperador
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Buzalén | 10-01-2017 | 10:06| 0


Mille Regretz (mil pesares) más conocida como “La canción del Emperador” es una canción polifónica en francés creada por el compositor franco-flamenco Josquin des Prez . Aquí interpretamos su famosa variación para vihuela española del maestro Luis de Narváez (se cree que la canción recibió este sobrenombre por ser la favorita de Carlos V).
Es una de las canciones profanas que logró una gran difusión por toda Europa durante el s. XVI, la versión instrumental de
Narváez que adorna discretamente la polifonía original con glosas, figura entre las piezas más conocidas del repertorio de la vihuela. La posible debilidad del emperador por esta canción se puede relacionar con el ciclo de canciones sobre el tema de “regretz” que aparecen en los cancioneros de su tía Margarita de Austria en cuya casa se crió hasta ascender al trono español en 1516. Es posible que fuera una de las chansons nouvelles que Josquin presentó a Carlos V en su encuentro en 1520. Se supone también que la misa que compuso Morales sobre la misma canción se deba a la afición de Carlos V y que fuera compuesta para cantar delante de él durante una de sus estancias en Italia.

A pesar de su imagen de hombre activo, guerrero, decidido y mundano, Carlos V tenía un trasfondo melancólico que no escapaba a los ojos de los buenos observadores. Su biógrafo, Alonso de Santa Cruz, le dedica estos párrafos:Era más reflexivo que idóneo y a esta causa fue amigo de soledad y enemigo de reír, siendo ya casado. Enemigo de hablar mucho, tanto que por muy largo tiempo a los negociantes de sus negocios les venía a responder en breve sonido […] En el tiempo de su comida casi no hablaba palabra y tampoco en la sala donde estaba […] En el vicio de la carne fue a su mocedad mozo, porque tuvo en Flandes una hija bastarda y en Castilla otra […] Muy pocas veces cabalgaba para pasearse por los pueblos donde estaba, sino siempre se holgaba de estar retraído o recogido en su cámara.
El embajador veneciano Gasparo Contarini precisa más su diagnóstico:El César es de pocas palabras y de carácter muy moderado;. Verdad es que siente más la tristeza que la alegría, conforme a la cualidad de su carácter, que es melancólico.
La melancolía (mille regret) podrían deberse a algún amorío juvenil que quedara allá en tierra flamenca o —si queremos cargar aún más las tintas del guión— la mismísima reina Germana de Foix, por la que, a pesar de ser la viuda de su abuelo Fernando el Católico (su abuelastra) el joven Carlos sintió tan repentina pasión, que no tuvo empacho en hacerle una hija nada más llegar a España y ocupar el trono, según afirman algunos historiadores. Después de todo, la chanson de la que hablamos está en francés.
Además de todas estas posibilidades y aun tratándose de un Austria con varios hijos naturales, en este caso no se debe descartar a la mujer legítima, la emperatriz Isabel, como la causante de las nostalgias y pesares imperiales. En una carta desde Nápoles Carlos intentaba justificar la prolongación de su ya larga ausencia con estas palabras: Y por eso, Señora, no son menester aquí soledades ni requiebros. (regrets)
En el año 1556 Carlos I de España y V del Sacro Imperio Romano Germánico decidió retirarse a algún convento para hacer en él vida monástica, eligiendo para ello el Monasterio de Yuste. Por esta razón tuvieron que realizarse numerosas obras para ampliar las escasas dependencias con las que el monasterio contaba en ese momento y que eran insuficientes para albergar al emperador y a las 60 o 70 personas con las que contaba su séquito personal. Las habitaciones del emperador estaban ubicadas junto al coro de la iglesia, de modo que le permitían asistir a los oficios religiosos desde su propio dormitorio, sentado en su litera, donde permanecía postrado debido a la grave afección de gota que le aquejaba. Durante la estancia del emperador en Yuste, numerosos personajes de la corte pasaron por allí para visitarle, entre ellos su propio hijo, el rey Felipe II de España o Don Juan de Austria, su hijo natural (escena que recoge la imagen del cuadro).

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Tararán… historia del Villancico
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Buzalén | 22-12-2016 | 07:33| 0

A Extremadura llegó este hermoso villancico con la trashumancia, en ocasiones se sustituía el “tararán” del estribillo por “rabadán” del árabe hispánico rább aḍḍán o señor de ovejas. El rabadán era el jefe de pastores y zagales, una persona imponente y con autoridad ante humanos y animales, y es que entre los pastores de antaño existía una férrea jerarquía; después del mayoral estaba él, que era el responsable del rebaño, al que cuidaba de sol a sol con la colaboración de pastores y zagales, pernoctaba en la choza y vigilaba incansable, especialmente en situaciones en las que el hato era más vulnerable frente a los diferentes peligros. Además, el rabadán organizaba el suministro de víveres, ocupándose de los calderos, sartenes, redes… también debía cuidar de los animales -yeguas o mulas- que se encargaban del transporte.

Las primeras composiciones que pueden denominarse propiamente villancicos surgieron hacia la segunda mitad del siglo XV, durante el Renacimiento, como una evolución de formas musicales populares mucho más antiguas. Formas similares eran llamadas hasta el siglo XV cantigas o canciones .Su nombre tiene probablemente su origen en que se trata de composiciones de naturaleza popular, cantadas por los villanos o habitantes de las villas, generalmente campesinos u otros habitantes del medio rural. Eran cantados en fiestas populares, originariamente sin temática específicamente religiosa, y los principales temas eran los acontecimientos recientes del pueblo o la región. El género se amplió posteriormente hasta incluir temas de diverso tipo.

La forma poética está influida por composiciones tradicionales de origen mozárabe, tales como el zéjel, que alternaba estrofas cantadas por un solista con un estribillo a coro. Éste dio paso a otras formas como la cantiga de estribillo o la cantiga de refram galaicoportuguesa.La estructura básica del villancico la forman dos elementos: el estribillo y las coplas. Principales compositores; Juan del Enzina ,Francisco Guerrero, Gaspar Fernandes y Juan Gutiérrez de Padilla (Cancionero de Upsala y Cancionero de Palacio)

Esta estructura se aprecia por ejemplo en este villancico, atribuido a Mateo Flecha el Viejo: Riu, riu, chiu ,La guarda ribera ,Dios guardó el lobo de nuestra cordera. El lobo rabioso La quiso morder ,Mas Dios poderoso La supo defender ,Quizole hazer que no pudiesse pecar ,Ni aun original Esta virgen no tuviera. Riu, riu, chiu, La guarda ribera, Dios guarde el lobo de nuestra cordera.

La tradición navideña de pedir el aguinaldo también está muy extendida. El aguinaldo es un regalo en especie o en dinero que se da durante el ciclo festivo navideño. En Albalá (Cáceres) la costumbre del aguinaldo da lugar a la llamada “Fiesta de las Tablas”, que se inicia el día 24 y continúa hasta el 27, en la que seis mujeres “pedideras” ofrecen unas tablas adornadas para la ocasión con cintas y pañuelos de colores, sobre las que el pueblo deposita panes, roscas y otros alimentos que luego serán subastados. Cada “pedidera” va acompañada de dos descargadores que sujetan las tablas para que pueda danzar. En otros casos, el aguinaldo es solicitado por pandillas de jóvenes, niños o, incluso, hermandades o cofradías, como la del “Niño Dios” de Galisteo, integrada por 33 personas. Mientras se visitan los domicilios o se recorren las calles de los pueblos, se interpretan villancicos, rondas o alboradas al son de los instrumentos típicos de estas fechas: zambombas, panderos, panderetas, sonajas, calderos, almireces, botellas de anís, rascas, carracas, etc. Las pandillas son obsequiadas con dulces, licores y otros productos típicos de la época navideña. Son numerosas las localidades donde aparece la tradición de la petición del aguinaldo navideño: Trujillo, Madroñera, Casar de Cáceres, Piornal, Tornavacas, Jerte, Cabrero, Serradilla, Galisteo, Ahigal… Extremadura entera.

En las plazas o en los atrios o interiores de las iglesias de algunas localidades extremeñas se celebran representaciones teatrales donde se recogen distintos momentos del nacimiento de Jesús. En Palomero se representa la “Pastorela”: un ángel anuncia a cuatro pastores el nacimiento del Niño Jesús en la puerta de la iglesia; uno de los pastores, el mayoral, realiza ante el portal instalado en el altar mayor la ofrenda, consistente en un cordero, cuatro roscas de pan y cuatro velas adornadas. En Torrejoncillo se escenifican “Las Jornadas”, dramatización en la que la Virgen y San José recorren nueve escenarios, con ambientación evangélica, que representan las distintas etapas de su camino hacia Belén. En el Día de Reyes tienen lugar también representaciones teatrales. Entre ellas podemos citar el “Auto los Reyes Magos” en Ahigal y Castilblanco, y la “Danza de los pastores” en tres localidades de la Siberia extremeña: Helechosa, Villarta de los Montes y Valdecaballeros.

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My way…. mi propio camino
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Buzalén | 15-12-2016 | 09:59| 0


Probablemente es una de las canciones más versionadas de la música melódica… nos hemos permitido la licencia de volver a traducirla al castellano acercando más el texto al original y,como se trata de hacerlo “a mi manera”, ilustrarla con imágenes de nuestra tierra.
«My Way» («A mi manera») es una canción popular adaptada al inglés por Paul Anka, basada en la canción francesa «Comme d’habitude», escrita por Claude François y Jacques Revaux, con letra en francés de Claude François y Gilles Thibaut, compuesta por Claude pensando en su reciente ruptura sentimental con la también cantante France Gall.La versión en inglés solo mantiene la melodía de la canción, ya que la letra fue reescrita por Paul Anka y es totalmente diferente de la original en francés. Su primera interpretación fue realizada por Frank Sinatra en el disco My Way del año 1969. La canción «My Way» se convirtió en la pieza principal por la cual es reconocido Frank Sinatra, aunque en el momento de su estreno Sinatra no logró una buena posición en las listas de éxitos.La identificación de la canción con Sinatra se fortaleció muchísimo con el paso de los años, hasta que la canción se tranformó en un símbolo musical y cultural en todo el mundo. Inclusive en 1989 el régimen de Mijaíl Gorbachov se refería a su política de no-intervencionismo en los asuntos internos de los demás países firmantes del Pacto de Varsovia como la «Doctrina Sinatra», debido a que la URSS reconocería a tales países el derecho de implementar políticas «a su propia manera» aludiendo a la línea I did it my way del tema de Sinatra.

La canción habla de alguien de avanzada edad, ya cercano a la muerte, que mira el acontecer de su vida, mientras relata algunos de los aspectos más relevantes de ésta a un amigo, que lo escucha atentamente sentado a su lado.Es alguien que no depende de otros para progresar, que hace lo que siente y dice lo que piensa, que no se atemoriza con los desafíos que la vida le ha presentado y que, cuando estos parecieron superarlo, ha sabido resolverlos a mi manera (I did it my way, en inglés), expresión que se repite en el coro de la canción.Al final del día, al ver su vida transcurrir, está feliz de cómo vivió, del curso que tomó su vida y lo que logró de ella, no obstante reconoce que se arrepiente de ciertas cosas y de haber sufrido grandes tristezas.Termina con una actitud optimista de su existencia:
“And now, as tears subside, I find it all so amusing” (Y, ahora que cesan las lágrimas, encuentro todo tan divertido)”To think, I did all that, and may I say, not in a shy way” (Pensar que yo hice todo eso y, permítanme decirlo, sin timidez)”Oh no, oh no not me, I did it my way” (Oh no, oh no yo no, yo lo hice a mi manera)
Una curiosidad es que en el Reino Unido hubo varios intentos de traducir Comme d’habitude. Entre los que recibieron el encargo estaba David Bowie, un aspirante entonces todavía en busca de dirección. La versión de Bowie se tituló Even a fool learns to love y presenta a un personaje extrovertido, un gran bromista que oculta su amor por la bella de la pandilla. Existe una grabación casera donde se le oye cantarla sobre el disco de Claude François. Incluso, Bowie quiso que Even a fool learns to love fuera su siguiente single, pero los franceses se negaron: querían un intérprete mucho más reconocido
Aunque intercambiaron cumplidos, Claude François nunca llegó a conocer a Sinatra. El cantante francés le precedió en morir: tras superar misteriosos intentos de asesinato, falleció tontamente en 1978, electrocutado mientras cambiaba una bombilla en el baño. François no pudo disfrutar de las asombrosas metamorfosis de su canción: Joan Baez y los Gipsy Kings se juntaron para pasarla por rumba flamenca, con una letra en castellano que retomaba el conflicto amoroso. Patty Pravo triunfó con ella en Italia, también con historia de desamor. Hasta Khaled, Rachid Taha y Faudel, el “trio calaveras” del raï argelino, se atrevieron. En España, volvió a pegar en inglés gracias a Los Piratas.
Según Warner Chappell, la editorial que controla sus apabullantes ingresos, es la canción más radiada de la historia y la que más versiones tiene. No hay manera de comprobar la veracidad de tan tajantes afirmaciones, pero es cierto que muchos millones de seres humanos han interiorizado My way. Basta con escuchar la interpretación en directo de Robbie Williams, donde consigue que decenas de miles de personas le acompañen, como si el triunfo del ex Take That sobre los obstáculos sea una hazaña colectiva. La última utilización de My way reafirma su universalidad: se trata de una campaña publicitaria de Viagra donde diversos caballeros entonan la canción a todo pulmón.
La primera versión en español de la canción fue grabada por Estela Raval (los cinco latinos) en su primer disco solista, llamado Estela Raval en el año 1970. En ese disco la canción se llamó A mi modo.

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Berimbau
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Buzalén | 24-11-2016 | 10:35| 0

Vinicius de Moraes, cuyo nombre completo es Marcus Vinícius Da Cruz De Melo Moraes, nació en Gavea el 19 de octubre de 1913. Su padre Clodoaldo Pereira da Silva Moraes, recitaba versos y su madre Lidia, tocaba el violín en las reuniones familiares. Vinicius estudiaba en el Colegio cuando hizo sus primeras composiciones. Estando en la Facultad de Derecho de Río de Janeiro publicó su primer libro “O Caminho para a Distancia” (1933), todavía inmerso en la metafísica. Después de licenciarse, ejerció la abogacía, aunque manteniendo siempre un especial interés en el cine. Posteriormente viajó a Europa y estudió literatura inglesa en Oxford. En 1950 fue nombrado vicecónsul en Los Ángeles, donde tiene la oportunidad de acercarse a la poesía anglosajona, al jazz, de fundar, junto con Tom Jobim y João Gilberto, la bossa nova, así como afianzar su amistad con Orson Welles . También fue cónsul de su país en París y Montevideo.
En 1956 escribe Orfeu da Conceição, obra de teatro sobre la comunidad negra que, llevada al cine por Marcel Camus con el título de Orfeu negro, gana la Palma de Oro en Cannes (1958) y el Óscar (1959) a la mejor película extranjera.A su primer libro “O Caminho para a Distancia” le siguieron otros: Forma y Exegese, Ariana, a Mulher, Nuevos poemas y Cinco elegías. Con la publicación en 1946 de Poemas, Sonetos y Baladas y Patria puso de manifiesto su nueva orientación, más realista; dentro de ella continuó con Nuevos Poemas II, que contiene algunas de sus mejores poesías y el libro en prosa y verso Para vivir un grande Amor de 1962.
La vida múltiple y contradictoria de Vinicius le permite a la vez pertenecer al partido comunista, ser amigo de Jorge Amado (su padrino de matrimonio), Manuel Bandeira, Carlos Drummond de Andrade y Pablo Neruda. Gustar por igual del fútbol y la cocina. Casarse nueve veces. Ser capaz a los cincuenta y cinco años de irse a una comunidad hippy en Bahía. Su anarquía creadora lo lleva a aplaudir en 1968 su expulsión del ministerio de Relaciones Exteriores.

Ha sido más conocido como uno de los principales promotores de la Música Popular Brasileña, autor de letras de samba y pionero de la bossa nova. De poeta intimista a showman, de funcionario diplomático a artista bohemio. Obtuvo éxitos resonantes con sus canciones, como A garota de Ipanema y A felicidade, en colaboración casi siempre con grandes figuras de este género: María Creuza, Marilis Medalha, Chico Buarque y Toquinho, entre otras. Fue uno de los principales artífices de la aparición, y especialmente la internacionalización, de la bossa nova, y grabó más de treinta discos de larga duración.Fallece en Río de Janeiro el 9 de julio de 1980
Después del mambo y el calipso, le tocó el turno a la maravillosa bossa nova de conquistar el mundo entero con sus dulces cadencias. Surgida a fines de los años 50 en Río de Janeiro como una contrapartida juvenil a la samba tradicional, la bossa se inspiró en el jazz estadounidense, adoptando un ritmo suave y sofisticado. Sus letras celebran los momentos bellos de la vida, tomando plena conciencia de su brevedad.

El birimbao (en portugués berimbau) es un instrumento de cuerda percutida parecido al arco musical, hecho de una vara de madera flexible y un alambre, a los que se agrega una cashishi (pequeño cesto con semillas) y una calabaza, que hace las veces de caja de resonancia. También puede ser simulado con una goma la cual se toca desde una posición bucal. El birimbao es de origen africano. Su uso tradicional está documentado ampliamente en toda África subsahariana, recibiendo distintos nombres en las diferentes lenguas y culturas del vasto continente. Este instrumento fue llevado por los esclavos angolanos a Brasil, donde se utiliza para acompañar una lucha acrobática llamada capoeira.Algunos de los versos de Vinicius evocan la filosofía estoica de Epicteto y Marco Aurelio.

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La Zamba; “viene clareando”
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Buzalén | 10-11-2016 | 09:28| 0

Aunque esta zamba pertenece al maestro Atahualpa Yupanqui, del que ya hemos hablado en nuestro espacio, llegó a ser más conocida en España gracias a Alberto Cortés. Este argentino universal nació el 11 de marzo de 1940 en Rancul, un pueblo de la Pampa. Inicia estudios de piano a los seis años. A los once años de edad ya componía canciones como “Un Cigarrillo, La Lluvia y Tú“, composición que mucho más tarde interpretó el trío Los Panchos entre otros. Finalizó sus estudios en la escuela primaria y se traslada a San Rafael, Mendoza, para asistir a la escuela secundaria. Cuando finaliza el bachillerato viaja a Buenos Aires, con la intención de estudiar Derecho. Tan sólo permanece un año en la universidad, ya que decide dedicarse por completo a la música.A los veinte años, debía ingresar en el servicio militar obligatorio y lo invitan a ir a Europa con un grupo de música folklórica denominado “Argentine International Ballet and Show”.

Cantaba y tocaba la guitarra junto a Hugo Días y su esposa, Juan Carlos Montero, Waldo de los Ríos y un sexteto de bailarines.Su debut se produjo en un pueblo de Bélgica, y ese mismo día conoce a un productor de discos que lo invita a grabar un disco y continúan con su gira por Europa. Durante su permanencia en Alemania se quedan sin dinero y son abandonados por los empresarios.
Inicia la grabación de sus primeros discos en francés, alemán e italiano y en 1961 decide probar suerte en España. Es contratado por el sello Hispavox con el que permanecería veintiocho años. También comienza a interpretar a grandes compositores como Atahualpa Yupanqui, Eduardo Falú, Jaime Dávalos, Oscar Castro, Carlos Brito y P. Cladera. Viaja, en 1969 por primera vez a México y continúa su gira hasta Argentina, donde le comunican que debe cumplir con el servicio militar obligatorio después de diez años de ausencia.
Desde 1977 y a raíz de un comercial de TV el público argentino lo descubre y comienza a interesarse por su trabajo. El 5 de mayo de 1994 comienza una gira internacional, donde se presenta en conciertos junto a Facundo Cabral en “Lo Cortez no quita lo Cabral”.

Nos gustaría compartir con ustedes un extracto de una entrevista publicada en El país por Beatriz Rucabado el 7 de Abril:

P .Cuando un amigo se va… ¿Cuántos tizones tienes encendidos?
R .Muchísimos. Mucha gente ignora que el mejor amigo que tuve en mi vida fue mi padre. Él compartió, desde que yo era un niño, su vida conmigo y todo lo que un amigo puede compartir con otro. Y cuando él falleció, a mí me falleció el mundo. Recuerdo que aquella noche yo estaba actuando en Madrid en una sala. Y no sé si canté, lloré, grité o escupí. Lo que sí sé es que al terminar la actuación, salí a caminar por Madrid, que estaba en una noche límpida pero que a mí me pareció que estaba llena de bruma porque lo único que tenía eran lágrimas. Y cuando regresé al hotel escribí los versos de Cuando un amigo se va. Después ya me senté al piano cuando lo tuve muy cerca y terminé escribiendo la canción.
P .Facundo Cabral es uno de estos tizones…
R .Facundo fue un excelente amigo y sucede como siempre, que lo que uno quiere se va sin preguntar, sin que la vida te lo amenace. Y a Facundo Cabral no lo amenazó nadie, le pegaron dos tiros en la cabeza en un determinado lugar en el mundo (Guatemala), que evidentemente no iban dirigidos a él. Nunca hemos entendido sus amigos qué pudo haber pasado para que un sicario le dispare dos tiros en la cabeza. Lo que creemos es que querían al tipo que iba conduciendo el coche, que había sido el empresario que lo contrató para actuar allí y que se conoce que tenía algún tipo de relación con el narcotráfico o cualquiera de estas porquerías. Fue muy duro. Yo escribí unos versitos de homenaje. Por el inmenso respeto que nos repartíamos.
P .¿La poesía es un arma, o la mejor arma, para cambiar el mundo?
R .El mundo se lo han apropiado los políticos en todos lados, sin que nadie se lo regalara o sin que nadie al menos se lo reclamara. En consecuencia, son ellos los que son llamados a gobernarnos, a establecer las condiciones legales para vivir en paz con los demás. No creo que los políticos tengan que ver con la poesía. Algunos sí, son intelectuales y sensibles a la proposición poética que puedan llegar a percibir. Pero fundamentalmente son gente muy práctica, que tienen que tener practicidad para manejar países, posturas políticas, masas… Y tienen que utilizar sus armas para conseguir que los habitantes de un país tengamos la sensación de ser felices, o por lo menos razonablemente felices.

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Soñar contigo; historia del bolero
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Buzalén | 27-10-2016 | 21:47| 0


Aunque existen diversas teorías sobre el origen del bolero, alguna de las cuales señala a Europa como la cuna del género, parece que Cuba es la indudable madre de este género musical que más tarde se extendió por Latino América.
Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886, aunque algunos difieren de la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos “clásico” (las guitarras y la percusión). La evolución del acompañamiento va de los tríos de guitarra, las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante casi treinta años (1935-1965) dominó, como género, el espectro musical latinoamericano.

Otro hecho que contribuirá al ascenso del bolero es la inesperada muerte del rey del tango, Carlos Gardel, en 1935, que dejó al afán por el tango tras la muerte de su mejor voz, y ese vacío provocó un mayor auge del bolero, sobre todo en el cono sur del continente americano.
Antonio Machín, nombre artístico de Antonio Lugo Machín, (Sagua la Grande, Cuba, 11 de Febrero de 1903 Madrid 4 de agosto de 1977) fue cantante cubano de boleros y de música popular en general. Basó su repertorio en la música cubana y la balada romántica .Interprete de reconocido prestigio en el ámbito hispanohablante, es famoso por sus recreaciones, entre otras, de temas como El Manisero, Dos Gardenias, Angelitos Negros. Su disco El Manisero, grabado en 1930 acompañado por la orquesta de Don Aspiazu para la compañía Víctor de Nueva York, constituyó el primer éxito millonario en ventas de la música cubana.
El Trío Los Panchos se formó en la ciudad de Nueva York en 1944, donde los mexicanos Alfredo Bojalil Gil mejor conocido como “El Güero” y José de Jesús Navarro Moreno, mejor conocido como “Chucho Navarro”, junto al puertorriqueño Herminio Avilés Negrón, de nombre artístico “Hernando Avilés”, decidieron unir sus talentos e innovar el género de los tríos cantando a tres voces y tres guitarras.
Isabel Vargas Lizano (San Joaquin de Flores-Costa Rica, 17 de abril de 1919) es una cantante nacida en Costa Rica nacionalizada mexicana. En México ha residido por más de siete décadas, donde es conocida artísticamente como Chavela Vargas.La canción ranchera es un género musical masculino y sensual, cantado generalmente por hombres. Chavela solía cantar canciones normalmente interpretadas por hombres sobre su deseo por las mujeres. Vestía como un hombre, fumaba tabaco, bebía mucho, llevaba pistola y era reconocida por su característico poncho rojo. Inolvidable su “Piensa en mí”.
Luis Enrique Gatica Silva (n. Rancagua1 11 de agosto de 1928), más conocido en el ambiente artístico como Lucho Gatica, es un famoso cantante chileno de boleros… La otra tarde vi llover
Moncho. Cantante de boleros, género musical en el que se le conoce popularmente como “El rey del bolero” o “El gitano del bolero”, apreciado por sus interpretaciones de este género en España y Latinoamerica, especialmente en Cuba.Mocho nace en el barrio de Grácia de Barcelona, hijo de una familia de gitanos catalanes, aprendió a cantar a ritmo de rumba catalana, rodeado de artistas como Peret o Antonio Gonzalez “El Pescaílla”, marido de Lola Flores, experimentando en su fusión con el bolero que acabó siendo su camino en la canción.
Entre 1950 al 60 se comienza en Cuba a experimentar con el bolero y sin crearse una nueva forma musical, sus intérpretes dan rienda suelta a su manera de interpretar su sentimiento, dramatizando y exagerando los gestos e inflexiones de la voz, y a toda esta descarga en que se enfatizaba los sentidos se le llamó Filin, que aunque es una palabra inglesa, feeling, que significa sentimiento, con base en el Jazz, sobre todo en la forma de liberar la voz, jugando con el tiempo y la armonía, es rítmicamente muy cubano. Su principal representante es Olga Guillot
En esta última corriente se enmarca nuestro Soñar Contigo de Toni Zenet, cantante, músico y actor malagueño hace una fusión preciosa del bolero, el tango, el flamenco, el jazz latino…

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Llanto al mar… Siempre Serrat
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Buzalén | 09-10-2016 | 17:51| 0

Hoy nos acercamos a esta canción de Serrat llamada “Plany al mar” (llanto al mar) también dedicada al Mediterraneo, mucho menos conocida que aquella primera con arreglos de Juan Carlos Calderón que se ha grabado a fuego en nuestra memoria colectiva. Una verdadera denuncia ante el abuso y el maltrato al que sometemos al “mare nostrum” aunque las palabras de Serrat se centran en el aspecto ecológico del problema hoy podríamos añadirle el humanitario.

Cuna de vida, caminos de sueños,
puente de culturas
(¡ay, quién lo diría…!)
ha sido el mar.
Miradlo hecho un basurero.
Miradlo ir y venir sin parar.
Parece mentira que en su vientre
se hiciera la vida.
¡Ay, quién lo diría sin rubor!
Miradlo hecho un basurero,
herido de muerte.
De la manera
que lo desvalijan
y lo envenenan,
¡ay, quién lo diría
que nos da el pan!
Miradlo hecho un basurero.
Miradlo ir y venir sin parar.
¿Dónde están los sabios y los poderosos
que se autodenominan
(¡ay, quién lo diría!)
conservadores?
Miradlo hecho un basurero, herido de muerte.
Cuánta abundancia, cuánta belleza,
cuánta energía
(¡ay, quién lo diría!) echada a perder.
Por ignorancia, por imprudencia,
por inconsciencia y por mala leche.
¡Yo que quería
que me enterrasen
entre la playa
(¡ay, quién lo diría!)
y el firmamento!
Y seremos nosotros
(¡ay, quién lo diría!)
los que te enterremos.

Joan Manuel Serrat nace el 27 de Diciembre de 1943 en el barrio obrero de Poble Sec .Su padre, Josep Serrat, fue un anarquista catalán afiliado a CNT y su madre, Ángeles Teresa, ama de casa originaria de Belchite (Zaragoza). El pequeño Juanito estudió desde los tres hasta los diez años en las escuelas Pías de San Antonio, de los Padres Escolapios. Posteriormente continuó sus estudios en Barcelona hasta los trece años, edad en la que se trasladaba como alumno interno a la Universidad Laboral de Terragona, lugar donde aprende el oficio de mecánico tornero y fresador. Al terminar, decide continuar los estudios como Perito Agrícola.
En aquella misma época, Radio Barcelona a través de Salvador Escamilla, mantenía el programa “Radioscope”.Así una mañana de 1964, presenta a un atemorizado Serrat. Aquella actuación logra gran interés y acogida por parte del público. Joan Manuel Serrat es animado a continuar en su recién estrenada carrera. El primer grupo promotor de la Nova Cançó fue (Los dieciséis jueces) que, como su nombre indica, fijaba un máximo de dieciséis cantantes en lengua catalana, Joan Manuel ocupó el puesto número trece de este grupo. En enero de 1968 los periódicos anunciaron que Joan Manuel Serrat representaría a España en el Festival de Eurovisión que se iba a celebrar en Londres, pensaron que él podía dar una imagen distinta, joven, inconformista, rebelde dentro de un orden. La bomba estalla el 25 de marzo, cuando Serrat -que ya había grabado su primer disco en castellano- renuncia a cantar en el Festival de Eurovisión si no lo hace en lengua catalana, ante su negativa se le acusa de “separatista”, en algunos titulares de los periódicos aparece -Serrat dice “no” a España-, a partir de ese momento es vetado en la Televisión Española.
Posteriormente la decisón de Serrat de cantar en castellano le trae problemas con su antiguo grupo de cantantes catalanes .“A unos les parezco separatista porque canto en catalán, para otros soy un vendido a Madrid por hacerlo en castellano”.Se ve obligado a quedarse en Méjico por su postura contra las últimas ejecuciones del régimen hasta que en agosto de 1976, gracias al decreto de amnistía que permitió el retorno de todos los exiliados políticos españoles desde la guerra civil, Serrat volvió a su Barcelona natal el viernes 20 de agosto de 1976 con una multitud esperándolo en el aeropuerto.En 1978 se casa en la intimidad con Candela Tiffón, con la cual tiene dos hijas , María y Candela .Poco después muere su padre , lo que supone un golpe muy duro para Joan Manuel.
La gira de 1984 queda inmortalizada gracias al elemento humano, (públicos masivos) y el técnico, siete toneladas de material, magnetófonos de 18/24 pistas, micrófonos de ambiente y 18 de sonido directo en cada escenario. Cronista de un tiempo, figura popular cuya permanencia lo ha situado por encima de los vaivenes de la moda o las fluctuaciones de un mercado , Joan Manuel Serrat continua siendo notario de su entorno, posee la misma capacidad de indignación, de entusiasmo y de ilusión que cuando tenía aquellos veinte años.
Ya en 2004, estando de gira se rumoreaba de que sufría de algún mal. Sin embargo, ante las consultas de la prensa, Serrat, con gran humor, señalaba “Si el doctor me pide que deje el vino, cambio de doctor”. Y es que ya llevaba, en silencio, un proceso de quimioterapia, para tratar de reducir un carcinoma en la vejiga. En 2005 se hace pública la noticia de la enfermedad. Pero Joan Manuel gana la batalla al cáncer y tras su recuperación emprendió una nueva gira . “Sentí la necesidad de que me iba a curar: ¿Por qué no iba a curarme?”
Serrat sigue componiendo y cantando, sus últimas giras, acompañado por otros cantantes ( Ana Belén, Víctor Manuel, Miguel Ríos o Sabina). Cantantes españoles y de otros paises han cantado con él y sin él sus canciones , en reconocido homenaje al que muchos consiferan su gran maestro. Todos estos años, Serrat ha sabido mantener al margen su vida privada de su vida pública.

“¿Qué por qué sigo cantando? Siempre quise escribir buenas canciones. He hecho algunas que no carecen de mérito, pero todavía busco aquellas canciones con las que soñaba cuando tomé la guitarra por primera vez”… comentó en una ocasión.

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Sobre el autor Buzalén
Antonio Javier Calero (guitarra) y Javier Gómez (voz), dos hornachegos formados en conservatorios de nuestra Comunidad, apasionados por la corriente musical que nace en el S.XVI con la vihuela y llega hasta nuestros días, rescatando temas de autores extremeños poco conocidos para el gran público como Hernando de Franco o Juan Vázquez. Nuestro disco “Caminando” es el resultado de todo este trabajo conjunto, las canciones han sido compuestas entre los dos y en él se percibe la influencia de algunos de nuestros referentes artísticos como la bossa-nova, las canciones tradicionales e infantiles, la preocupación por el medio ambiente, la fugacidad de las cosas, los derechos de la infancia... un trabajo humilde que pretende compartir lo que somos. Llevamos a cabo de forma quincenal un espacio divulgativo en Canal Extremadura Radio dentro del programa "el sol dale por el Oeste" en el que interpretamos en directo una canción de nuestro repertorio y explicamos la conexión cultural que tiene con Extremadura.