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Zorongo Gitano; a vueltas con Lorca
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Buzalén | 26-08-2016 | 10:57| 0

El zorongo era baile muy usado en la época de la tonadilla del Siglo XVIII de la que formó parte, derivado quizás de la zarabanda y el zarandillo, y su nombre se debe a que en una de sus letras más populares aparece a modo de estribillo la palabra zorongo; “zorongo, zorongo, zorongo, que mi madre me lo compra me lo pongo, y que me compraba una camisita que llena de encajes que por las manguitas, que toma zorongo”. Al parecer  fué uno de los bailes originales de las agrupaciones zámbricas del Sacromonte de Granada.  Lorca lo rescató en sus ‘Canciones populares españolas’, trabajo que hemos abordado en entradas anteriores.

Toda la obra literaria de Federico está impregnada por la cultura popular del mundo rural en que se crió y, muy particularmente, por la música tradicional. En la primera etapa de su creación literaria hay una clara asimilación de elementos musicales y poéticos tradicionales, sobre todo a través de las canciones y juegos infantiles. Esa época de la niñez, vivida en un medio rural y en un ambiente familiar en que la música, tanto la popular como la culta, tiene una presencia notable en su obra. En su familia paterna, los García, había habido varios músicos aficionados. Su madre era gran amante de la música clásica e inculcó esta inclinación a todos sus hijos. “Mi infancia es aprender letras y canciones con mi madre, ser un niño rico en el pueblo, un mandón”, recordaría años después el propio Federico.

Viene después una segunda etapa, ya de adolescencia, en que las influencias de la música popular dan paso a las de la música culta. La familia se ha trasladado a Granada y todos los hermanos estudian música y piano sistemáticamente, con buenos profesores . De ellos, Antonio Segura ejercerá gran influencia sobre Federico y , vistas las aptitudes musicales del joven, recomienda a sus padres que sea enviado a París para ampliar estudios. La muerte del músico en 1917, terminó por enfriar el asunto; de lo contrario, Federico podría haber iniciado una carrera musical que a saber si no le hubiera apartado definitivamente de la literatura.

Llegamos así a la última y decisiva etapa, marcada por la relación con Manuel de Falla. Establecido en Granada desde el año 1920, don Manuel no tardará en convertirse en ídolo y maestro del joven García Lorca: “Falla es un santo…Un místico…Yo no venero a nadie como a Falla…”. Cuando Don Manuel fue a Granada a vivir, Lorca —que había estudiado varias obras suyas— se acercó a su casa a presentarse y decirle que estaba muy interesado en conocerlo. Falla era muy estricto con sus alumnos y no cogía a cualquiera, pero este chico le cayó en gracia, quizá porque lo vio como el hijo que nunca tuvo.
Estuvo muy pendiente de él y cuando se fue a estudiar a la Residencia, se preocupó de que no se juntara con algunas compañías que consideraba perjudiciales para él, que fuera más pausado en las entrevistas.  Falla vio el torrente literario que tenía Lorca y le incitó a que dejara un poco de lado la música, aunque siguiera estudiándola. Gracias a Falla, Lorca amplió sus estudios musicales y conoció todas las vanguardias que venían de Europa, y Lorca recitaba sus obras a Falla y le daba a conocer lo que hacían otros literatos. También es crucial la relación que Lorca y Falla establecieron en torno al flamenco que culminó en la organización del concurso del Cante Jondo en Granada en 1922, que cayó bastante mal en aquellos ambientes culturales porque no se admitía a cantantes profesionales, sino a la gente de los pueblos”.

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Zamba del grillo: la nueva canción.
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Buzalén | 16-07-2016 | 09:29| 0

La nueva canción fue un movimiento musical de América Latina y España que apareció más o menos al mismo tiempo ,a mediados de la década de los años sesenta, en varios países del continente. Se trataba de una canción que poseía un fuerte compromiso social. Este movimiento reconoce antecedentes como Violeta Parra en Chile y Atahualpa Yupanqui en Argentina como grandes impulsores del movimiento musical en la región, como ejemplo esta preciosa zamba del maestro Atahualpa que compartimos hoy.  Entre las obras paradigmáticas de la nueva canción se encuentran “Canción con todos” (1969), la “Cantata Santa María de Iquique” (1970), “El pueblo unido jamás será vencido” (1973), ” Plegaria a un labrador” (1969), “Todavía cantamos” (1983)etc  .Entre sus principales exponentes solistas figuran: Soledad Bravo en Venezuela; Facundo Cabral, Jorge Cafrune, Mercedes Sosa, Piero, José Carbajal el Sabalero, León Gieco en Argentina; Chico Buarque, Gilberto Gil, Milton Nascimento, Caetano Veloso en Brasil; Horacio Guaraní, Víctor Heredia, Eduardo Meana, César Isella, Víctor Jara; Rubén Blades, los hermanos Carlos Mejía Godoy y Luis Enrique Mejía Godoy en Nicaragua; Por sus vínculos con la canción latinoamericana también suele incluirse en el movimiento al catalán Joan Manuel Serrat.

La nueva canción latinoamericana se caracteriza por recurrir al folklore musical tal como se presenta en cada región del subcontinente, arraigado a su vez en tradiciones afroamericanas, indígenas e ibéricas, pero con un espíritu abierto hacia la fusión y el desarrollo de nuevas formas .La nueva canción también ha recibido la influencia de la música popular española moderna, principalmente a través de la obra de Joan Manuel Serrat; del folklore “blanco” estadounidense, a través de figuras como Bob Dylan y Pete Seeger y Joan Báez; y del jazz y el rock, tomando contacto cercano, en este último sentido con las formas progresivas del rock en español, como en el caso del rock nacional argentino.
Ideológicamente, la nueva canción se ha llegado a identificar con la música de protesta porque en sus letras, generalmente, se manifiesta un profundo rechazo por la intervención extranjera (militar, política o económica) en los países americanos; sin embargo, lo ideológico no se queda en esta posición de rechazo a lo extranjero, sino que se extiende a un profundo respeto por la vida de los obreros, los campesinos y los indígenas, todo esto a la par de un claro rechazo al imperialismo estadounidense y europeo,  y la desigualdad social. En Argentina el movimiento tomó forma en 1963 como una propuesta cultural que se denominó Nuevo Cancionero, liderado entre otros por Mercedes Sosa y Armando Tejada Gómez. En Cuba, la nueva canción se llamó nueva trova y estuvo respaldada por el gobierno de la Revolución Cubana. En Chile, el presidente Salvador Allende incluso llegó a decir antes de su derrocamiento que no podía haber revolución sin canciones. A veces era común que algunos se refirieran a la nueva canción latinoamericana simplemente como canción latinoamericana. . Víctor Jara definió “Nuestra canción no es una canción de protesta. Es una canción de amor.”

 

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En el Café de Chinitas
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Buzalén | 25-08-2016 | 15:14| 0

El Café de Chinitas fue un teatrillo o café cantante que existió en la ciudad de Málaga entre 1857 y 1937. Era un local de pequeñas dimensiones con un pequeño escenario famoso por sus espectáculos flamencos. En esta canción Lorca recoge un episodio protagonizado por el famoso torero gaditano “Paquiro”. Ya nos hemos aproximado en entradas anteriores a la vocación musical del poeta, en la que tuvieron especial importancia las canciones que escuchó desde niño, originarias de distintas regiones de España.

Federico García Lorca realizó una importante labor como folklorista, preservando parte de la memoria musical de otros tiempos, y fue autor de la recopilación “Colección de Canciones Populares Antiguas”, armonizadas y recopiladas por él mismo. En la primavera de 1931, acompañada al piano por el propio Federico García Lorca,Encarnación López Júlvez; La Argentinita graba diez temas de esta  colección.

Estos versos recogen un hecho del famoso torero gaditano Francisco Montes, “Paquiro”, (1805-1851) en pleno Siglo XIX en el Café de Chinitas de Málaga,aunque al propio Feredico García Lorca ya le llegaron algo “adulterados” por la tradición oral que acaba modificando las palabras. Parece ser que el “hermano” al que Paquiro decide enfrentarse bien podría ser un “germano” (pequeño delincuente) lo desafía a pelear. El Café de Chinitas estaba muy frecuentado por extranjeros y especialmente alemanes (germano), además Paquiro no tenía hermanos. El torero cita al “germano” en la calle para pelear; pero el rival no se presenta, Paquiro sale airoso como torero de renombre (venció como el Cid con su sola presencia).

El Café de Chinitas original‚ el que Lorca citaba en su poesía‚ era una casa en Málaga que ya no existe‚ se derribó durante la construcción del paseo de la Alameda. Se llamaba de Chinitas probablemente haciendo referencia a que estaba decorado con chinitas‚ pequeños cantos rodados de río, otros comentan por la actuación de un personaje llamado Chinitas.

El café alcanza su máxima expresión en los años treinta del siglo pasado, en su escenario las actuaciones de los colosos Juan Breva y Antonio Chacón, rivales en el cante por malagueñas; otras figuras como La Macarena, La Juana, La Trini, El Petrolo o El Porrilla, Hermanas Navarro, Estrellita Castro, Lucrecia Torralba, Isabelita Ruiz, Luisa Albéniz , Manuel Torres, Pastora y Tomás Pavón, Vallejo, Manolo Caracol, Canalejas de Puerto Real, Cojo de Málaga, Palanca, Marchena, Juanito Valderrama… pero históricamente las coplillas que recoge Lorca no tienen asiento; Francisco Montes Reina “Paquiro” falleció en Chiclana el 4 de abril de 1851 a consecuencia de unas fiebres tercianas malignas (el paludismo). Por tanto, Paquiro no pudo conocer el Café de Chinitas. Y en cuanto al otro posible personaje histórico, Salvador Sánchez Povedano más conocido como “Frascuelo“, nació en Churriana (Granada) el día 21 de diciembre de 1842, por lo que a la muerte de Paquiro contaba con nueve años de edad, sería demasiado pensar que un niño de esa edad se enfrentara dialécticamente con tal rival en una taberna. La tradición oral se encarga de engrandecer, adornar y repensar la realidad que nos rodea, haciendo que llegue hasta nosotros envuelta en misterio… como este episodio del Café de Chinitas.

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Üsküdara :Amor frente a la barbarie
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Buzalén | 04-07-2016 | 18:48| 0


Hoy rescatamos esta hermosa canción turca solidarizándonos con este pueblo azotado por la barbarie terrorista. Esta es una melodía que se puede rastrear toda la zona del Mediterráneo , Oriente Medio , el Cáucaso , Asia Central , el Lejano Oriente y América del Norte . Tenemos una versión de la canción en albanés, árabe, armenio , bosnio , búlgaro , griego , iraní , escocés, sefardí ( ladino ) , serbio y, por supuesto turco … la letra en turco hace referencia a un conocido barrio de Estambul (Üsküdara) que tomó fuerza al final del imperio otomano durante la guerra de Crimea es muy probable que la melodía tenga origen sefardí, aquellos judíos que se vieron obligados a abandonar Sefarad (España) tras la expulsión de los Reyes Católicos. Sus tradiciones, poemas y melodías se fueron divulgando por aquellos países en los que se asentaban por lo que esta canción tiene infinitas versiones alrededor del mundo.

Se dice que la melodía sirvió a los jenízaros otomanos en la conquista a de Constantinopla ( 1453 ) o el asedio ruso de la ciudad búlgara de Pleven . Entonces Üsküdar era una ciudad de cierta importancia , fue la sede de las operaciones militares y fue el punto final de las caravanas que llegaban de Siria y Asia. Pero la canción nos sitúa principalmente en la guerra de Crimea 1853-1856 entre el Imperio Otomano y Rusia .Los soldados del Reino Unido, Francia, Piamonte y Cerdeña, se había alojado en el cuartel militar de Úsküdara con una división de soldados escoceses… para los turcos resultaban exóticos aquellos uniformes, tal vez sea aquí donde arranque esta canción de amor.

Úsküdara está en la parte asiática del Bósforo  distrito podría ser alcanzado en ese momento sólo un ferry … en el que podemos recitar la canción del pirata de Espronceda; La luna en el mar riela,  en la lona gime el viento,  y alza en blando movimiento  olas de plata y azul;  y ve el capitán pirata,  cantando alegre en la popa, Asia a un lado, al otro Europa  y allá en su frente Estambul.

La señora lleva un pañuelo y lo llena con el lokum (delicias turcas), lo que representa un símbolo del deseo de un matrimonio feliz y buena suerte en el futuro. En Üsküdar se encuentra con su amante, un Katip que en el Imperio Otomano era un secretario o un funcionario. La dama regresa  con “su” Katip y alaba su amante , su aspecto y su ropa con orgullo mientras desafía chismes de la gente. El Amor no entiende de guerras ni de convencionalismos…

En Olivenza se suena,
que nos queremos los dos.
Niégalo tú, vida mía,
que también lo niego yo. (jota de la Uva)

Como curiosidad, la melodía central de la canción fue utilizada por Bonnie M en su hit “Rasputin” Apareció por primera vez el 7 de junio de 1978 en el álbum Nightflight to Venus. Esta canción es una balada sobre la figura histórica de Grigori Rasputín, amigo y consejero del zar Nicolás II de Rusia y de la familia real a principios del siglo XX. La canción toma el estereotipo semilegendario de Rasputin como amante, curandero místico y demiurgo político.

Üsküdara ha sido hasta hace muy poco la música de la carta de ajuste en la televisión turca.

 

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“Mangas verdes”, la canción del primer Brexit.
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Buzalén | 25-06-2016 | 08:14| 0


La tradición atribuye esta conocida canción al Rey Enrique VIII de Inglaterra (1491-1547) . Estaba dedicada a su amante y futura reina consorte, Ana Bolena, a la que el rey se refiere en secreto como ”greensleeves” (mangas verdes) por un vestido que la dama solía llevar en la corte, ocultando de esta manera el romance a su esposa.

Ana, que era la hija más joven de Tomás Bolena, primer conde de Wiltshire, rechazaba los intentos de Enrique de seducirla. A este rechazo aparentemente se alude en la canción, cuando el autor escribe «cast me off discourteously» («me repudias descortésmente»). No se sabe si la leyenda es cierta, pero la canción todavía se asocia comúnmente a dicha dama. Probablemente circuló en forma de manuscrito, como mucha música de uso social, mucho antes de que fuera impresa.

Enrique VIII fue el segundo monarca de la casa Tudor. Se casó seis veces y ejerció el poder más absoluto entre todos los monarcas ingleses. Entre los hechos más notables de su reinado se incluyen la ruptura con la Iglesia católica romana ( y por lo tanto con el Sacro Imperio Romano Germánico), primer gran “Brexit” de la historia,  el establecimiento del monarca como jefe supremo de la Iglesia de Inglaterra (Iglesia anglicana), la disolución de los monasterios y la unión de Inglaterra con Gales.
Su primera esposa fue Catalina de Aragón, hija menor de los Reyes Católicos, que tenía tan sólo 12 años cuando se quedó viuda del hermano de Enrique, Arturo. Cuando Enrique cumplió 18 años, se casó con ella. En total, tuvieron seis hijos: dos abortos, otros tres de sus hijos que murieron a las pocas horas de nacer y su hija María Tudor, conocida en el futuro como “bloody Mary”, la única que sobrevivió. A pesar de las corrientes infidelidades por parte del rey, su matrimonio duró 18 años pero Enrique se impacientó, preocupado por la necesidad de tener un sucesor varón y enamorado de Ana Bolena, solicitó la nulidad con el pretexto de la ilicitud del matrimonio celebrado entre cuñados. La reina defendió la validez del enlace por el hecho de que su matrimonio con Arturo no había sido consumado. Ante la imposibilidad de lograr la nulidad del matrimonio (el papa no podía enfrentarse al todopoderoso Carlos V) se autoproclamó jefe de la Iglesia Anglicana, se autoconcedió el divorcio y se casó con Ana Bolena (mangas verdes) que ya estaba embarazada de la que sería Isabel I de Inglaterra .Catalina fue trasladada al castillo de Kimbolton, donde murió el 7 de enero de 1536, a la edad de 50 años.
Poco duró la felicidad de Ana, tras la muerte de Catalina, daba a luz a un niño muerto. Enrique no se dignó a acudir al lecho de su esposa a consolarla. Ya había encontrado consuelo en otra dama, Jane Seymour. La reina fue acusada de adulterio por haber mantenido relaciones con distintos caballeros de la corte que confesaron bajo tortura y haber tenido relaciones incestuosas con su propio hermano. Ana Bolena fue trasladada a la Torre de Londres donde fue decapitada el 19 de mayo de 1536. Fue llamada “Ana de los mil días” porque ésa fue la duración de su reinado. Jane, que dio al rey su único heredero varón, (Eduardo VI que falleció a los quince años) murió de fiebres tras el parto. La siguiente sería Ana de Cléveris que la cuarta esposa, durante sólo seis meses, su matrimonio nunca se consumó, no llegó a ser coronada Reina de Inglaterra, lo que facilitó la anulación del mismo. Catalina Howard fue la quinta esposa, prima de Ana Bolena, también fue decapitada en la Torre de Londres. Catalina Parr fue la sexta y última esposa de Enrique VIII, y la única que lo sobrevivió. Ha pasado a la historia como la Reina de Inglaterra que estuvo casada más veces, ya que tuvo cuatro maridos en total, de los cuales Enrique VIII fue el tercero.

Triste trasfondo para una hermosa canción de amor.

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El sitio de mi recreo
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Buzalén | 18-06-2016 | 05:34| 0

Si hay un motivo por el que la música es grande, es sin duda por las sensaciones y sentimientos que es capaz de provocar en nosotros; tristeza, alegría, melancolía, esperanza… a veces una u otra según el momento, o a veces todas juntas. Para algunas personas la música se convierte en un recurso para volver a encontrar la ilusión o la seguridad perdida, un lugar íntimo donde ahuyentar nuestros miedos y coger fuerzas para empezar de nuevo, el sitio de nuestro recreo.
En nuestro caso, como puede verse en el vídeo, ese sitio es sin duda alguna Hornachos, el pueblo que nos vio nacer y crecer como artistas, aunque Extremadura entera es la referencia afectiva que permanece más allá del tiempo y la distancia para tantas y tantas personas que aquí nacieron o aquí descubrieron la belleza en su estado más puro.

Esta canción es un claro ejemplo de como, en el arte, lo particular puede convertirse en universal. En palabras de su autor, Antonio Vega;“se trata de una canción paisajística, responde a un momento de inspiración en el que encuentras una secuencia que te lleva por un camino. Habla de los lugares donde uno se encuentra a gusto física y espiritualmente. Más que un lugar es un estado de consenso contigo mismo, un lugar no conflictivo.”Una canción de apariencia simple y frágil, dotada de una especial sensibilidad en la que la desnuda voz de Antonio y los finos acordes de guitarra son capaces de sacudir profundamente tu alma, de sumergirte en tus sueños y de evadirte de tu cuerpo mientras una ligera brisa te acaricia en infinitos campos que solo pueden ser vistos con los ojos cerrados .
Antonio Vega fue el tercero de seis hermanos de una familia de clase media-alta madrileña; su padre era un afamado médico traumatólogo. De carácter inquieto, destacó pronto en casi cualquier disciplina, tanto en las físicas como en las intelectuales. En unas pruebas psicológicas puntuó 168 de cociente intelectual. Estudió en el Liceo Francés de Madrid, donde actuó por primera vez a los 14 años .Inició diferentes estudios, que no llegó a terminar: arquitectura, sociología, pilotaje de aviones. En 1977 cumplió su servicio militar en Valencia, durante el cual compuso su canción más conocida, Chica de ayer. Finalmente, en 1978 entraba a formar parte de Nacha Pop, que se formaba entonces con exmiembros de Uhu-helicopter, la banda de Nacho García Vega con la que Antonio ya tocaba ocasionalmente antes de irse a la mili.
Fue un compositor y cantante muy especial, con una capacidad casi única para tocar la fibra sensible del oyente gracias a su habilidad melódica y aliento poético. Y es que Antonio vivió muchos años de prestado. Su tortuosa relación con la heroína desde los años 80 creó en los últimos años de su vida una crónica de muerte anunciada. En este sentido, muchos piensan  que tal vez sin la droga, y por consiguiente sin las penurias, desolación e incluso el desvarío que ella conllevan, no hubiera nunca compuesto esta y otras canciones como Lucha de gigantes o Se dejaba llevar (que precisamente habla de la heroína). A finales de los 80 Vega comienza una etapa en solitario mucho más intimista. El sitio de mi recreo fue escrita a toda prisa una tarde en Ibiza e incluida en el álbum homónimo, compuesto por una selección de canciones de Nacha Pop y de su primer trabajo en solitario, no hay duda es de que se trata de una de las cimas creativas de la música española.
El 20 de abril de 2009 fue ingresado en el Hospital Puerta de Hierro de Madrid debido a una neumonía aguda que le obligó a suspender su gira.12 Falleció el 12 de Mayo siguiente, a los 51 años de edad, a consecuencia de un cáncer de pulmón que le habían diagnosticado meses antes .En su etapa final llegó a estar secuestrado en su propio apartamento de la calle Ferrocarril por macarras que reclamaban una deuda.  El propio Antonio solía presumir de sus correrías ante los periodistas musicales: “Un día duermo en un hotel de cinco estrellas y al siguiente estoy pillando en un poblado con Manolo de la UVI“, te soltaba con un punto presumido. Se le ha calificado de genio hipersensible. Oficialmente, Vega era “ese chico triste y solitario“, expresión que incluso sirvió de título a uno de sus numerosos recopilatorios.

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Hava Naguila (Alegrémonos)
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Buzalén | 11-06-2016 | 06:56| 0


Hava nagila (הבה נגילה) es una canción tradicional hebrea, cuyo título significa “Alegrémonos”. Se trata de una canción de celebración, especialmente popular entre las comunidades seculares y un elemento básico del repertorio de las bandas en festivales de música judía. Hava Nagila es la canción judía más famosa del mundo. Cuentan que en una academia rabínica de Jerusalén, un maestro tarareó una melodía y les dio a los niños la tarea de escribir un verso que se adaptase a ella. Moshé Nathanson, de 12 años, ganó el concurso con su poema Hava Nagila. El niño se inspiró en el Salmo 118, versículo 24, “Zeh hayom asah Adonai; nagila ve nismeja bo,” “Éste es el día que hizo el señor, gocémonos y alegrémonos en Él”.

הבה נגילה Hava nagila Alegrémonos
הבה נגילה ונשמחהHava nagila venismejá Alegrémonos y seamos felices
הבה נרננה Hava neranená Cantemos
הבה נרננה ונשמחהHava neranená venismejá Cantemos y seamos felices
עורו אחים Uru, Uru ajim!¡Despertad, despertad, hermanos!
עורו אחים בלב שמח Belev sameaj con un corazón feliz.

Aunque la canción nació en Israel es de raíz yasídica, es decir, que llegó a Palestina a principios del siglo XX de manos de los inmigrantes europeos. La letra de algunas canciones fueron traducidas del yidis al hebreo. El yidis es una lengua milenaria, se desarrolló tanto en Europa Central como en Europa del Este a partir del siglo X y fue desde evolucionado en cada una de estas regiones junto a las lenguas locales. Tras la emigración de la población judía hacia el continente americano, y particularmente debido a los devastadores efectos del Holocausto, la población que hablaba yidis fue reducida de 13 millones en 1930 a 3 millones de personas en 2005.Los judíos ortodoxos emplean a diario esta lengua para comunicarse entre ellos, ya que consideran que la lengua hebrea propia de la Antigüedad es sagrada y sólo debe ser empleada en las plegarias o para el estudio de la Torá (el núcleo central de la biblia judía).

La otra gran corriente dentro de la música hebrea es la música sefaradí es distintiva de la comunidad judía proveniente en la Península Ibérica. Hay tres tipos de canciones sefaradíes: las canciones de actualidad y entretenimiento, el romance y las canciones espirituales o ceremoniales. Sus letras pueden estar escritas en hebreo (sobre todo las religiosas) y en judeoespañol. Tras la expulsión de los judíos de España y Portugal, esta música se propagó desde la Península Ibérica por Marruecos y a varias partes del Imperio otomano, como Turquía, Grecia, Jerusalén, los Balcanes y Egipto. También por parte de Hispanoamérica, como en Argentina. La música sefaradí se adaptó a cada uno de estos lugares.  Partiendo de comunidades como la de Hervás asimiló los tonos agudos del norte de África, incluyendo su típico ulular, los ritmos de los Balcanes, por ejemplo en compás de 9/8 y el modo turco maqam. Música y poesía nacida en las juderías de Extremadura y resto de comunidades de Sefarad (nombre hebreo para la península ibérica) para el mundo.

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Somos polvo en el viento
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Buzalén | 04-06-2016 | 06:21| 0


«Dust in The Wind» es una canción de Kansas que ofrece una reflexión sobre el sentido de la vida haciéndose eco de la máxima de Virgilio “tempus fugit” (el tiempo se escapa) y de un antiguo poema de los indios nativos americanos “pues todo lo que somos es polvo en el viento”. Es el séptimo tema del álbum “Point of Know Return” lanzado en 1977 por esta banda estadounidense de rock progresivo, escrita por Kerry Livgren, es una de sus primeras piezas acústicas.  Nos hace recordar que no somos nada en realidad si nos comparamos con el universo.
Según la tradición judeocristiana el término hebreo para nombrar al primer hombre (Adán) es justo la mitad de la palabra tierra (adamah) expresando así la unión inexorable entre el ser humano y el suelo que lo vio nacer, o como también recoge en el libro del Génesis “con el sudor de tu frente comerás pan hasta que vuelvas al suelo, porque de él fuiste tomado, porque polvo eres y a polvo volverás”. El simple hecho de hablar del asunto nos puede parecer deprimente, pero la canción parece tener justo el sentido contrario y fomentar una conciencia clara de vivir el presente, de cuidar y no atentar con lo que de por si no es eterno, llámese planeta tierra, naturaleza, familia, amigos o uno mismo, y al mismo tiempo recordarnos que la arrogancia no tiene cabida en nuestra existencia, que el poder y el dinero no nos hacen eternos.

Existe también un cierto paralelismo con la frase más conocida del Eclesiastés , el más breve de los escritos sapienciales, “vanidad de vanidades y todas las cosas son vanidad”, un libro con un tono marcadamente existencial. Uno de los temas principales del Eclesiastés es el conocido precepto del “carpe diem” (disfruta del día, disfruta del momento, aprovecha lo que la vida te ofrece);

“Todo tiene su tiempo, y todo lo que se quiere debajo del cielo tiene su hora. Tiempo de nacer, y tiempo de morir; tiempo de plantar, y tiempo de arrancar lo plantado; tiempo de matar, y tiempo de curar;tiempo de destruir y tiempo de edificar;tiempo de llorar, y tiempo de reír; tiempo de lamentarse y tiempo de bailar; tiempo de esparcir piedras, y tiempo de juntar piedras;tiempo de abrazar, y tiempo de abstenerse de abrazar; tiempo de buscar, y tiempo de perder; tiempo de guardar, y tiempo de desechar tiempo de romper, y tiempo de coser; tiempo de callar, y tiempo de hablar; tiempo de amar, y tiempo de aborrecer;tiempo de guerra, y tiempo de paz.¿Qué provecho tiene el que trabaja de aquello en que se afana? Yo he visto el trabajo que Dios ha dado a los hijos de los hombres para que se ocupen en él. Todo va a un mismo lugar; todo es hecho del polvo, y todo volverá al mismo polvo”. El texto íntegro se convirtió nuevamente en canción con “Turn! Turn! Turn!”, composición original de Pete Seeger grabada por The Byrds en septiembre de 1965 alcanzando el éxito de inmediato y llegando al número 1 de las listas de éxitos. La sesión de grabación duró una semana y se necesitaron 78 tomas para completarla. El éxito del tema convirtió a The Byrds en pioneros del sonido folk-rock norteamericano y supuso la consolidación del género como tendencia musical.

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El acorde secreto
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Buzalén | 28-05-2016 | 17:53| 0


“He escuchado que existe un acorde secreto que toca David y complace al Señor”… así comienza este Hallelujah de Leonard Cohen que se hizo presente para las nuevas generaciones en la banda sonora de la película Shrek. El texto es un poema basado en historias bíblicas, que el propio Cohen conocía muy bien desde la infancia, y en él rescata al primer gran músico de la historia, el rey David. “La viste bañándose en el tejado, su belleza bajo la luz de la luna te superó” es una clara referencia al momento en que, en lugar de ir a la guerra, el rey se quedó en su palacio en Jerusalén y desde el balcón de su habitación vio en un edificio vecino a una hermosa mujer bañándose a la luz de la luna. Se enamoró de Betsabé para siempre y quiso conocerla. En el devenir de esta historia de amor aparece también una referencia a la de  Sansón y Dalila, “te cortó el pelo” y perdiste toda tu fuerza. La canción expresa la fe y las inseguridades que el amor aporta al ser humano, en el que  coexisten al mismo tiempo la grandeza y la contradicción, como ocurre con la propia historia de David.

Según la tradición el rey David se destacó por ser tanto músico como poeta. Más de la mitad de los salmos se le atribuyen a él. De joven tocaba el arpa tan bien que su fama llegó a oídos del rey Saúl, y éste le dio el encargo de tocar en su casa. Cuando Saúl se sentía muy angustiado, David interpretaba con su arpa hermosas melodías que calmaban el corazón del rey, convirtiendo a David en el precursor de la música terapéutica. Los malos pensamientos que asaltaban a Saúl desaparecían junto con sus angustias. Sus canciones incluyen tanto salmos contemplativos como pastorales y abarcan desde expresiones de alabanza hasta relatos históricos, desde el regocijo de la época de la vendimia hasta el esplendor de la inauguración del palacio. Leonard Cohen en esta canción nos muestra como David tenía una vida feliz hasta que Betsabé le mostró que existía otro mundo en el que el amor era aún más grande. Un descubrimiento que también trae dolor, pero a pesar de las lágrimas, de la inseguridad y hasta de la dependencia, sigue cantando aleluya porque, para él, es preferible arriesgarse a vivir en este mundo complicado que existir en un paraíso cerrado y sin ilusión por muy perfecto que sea.

Curiosa y entrañable es también la relación de Leonard Cohen con los españoles. Leyendo la biografía de Simmons se tiene la impresión de que lo más importante que le pasó al joven Leonard provino de España ya que se inició en la música por un guitarrista español que tocaba flamenco en un parque cercano a su casa. Allí lo conoció y allí lo contrató para que le diera unas clases particulares que le ayudaran a arrancar música de unas cuerdas que se le resistían. Las lecciones sólo duraron unos días, el tiempo necesario para aprender seis acordes que, según el cantautor, “han sido la base de todas mis canciones, de toda mi obra”. Un día, aquel joven no se presentó a su cita. Cohen llamó a su pensión para saber qué había pasado: el guitarrista flamenco se había suicidado. Nunca supo quién era, de dónde procedía o qué le había pasado para tomar esa decisión fatídica.

  Hay otro español al que Cohen, premio Príncipe de Asturias de las Letras, admira y debe gratitud eterna. Esta vez es un nombre bien conocido: Federico García Lorca: “Tenía 15 años y vagaba por las librerías de Montreal cuando tropecé con uno de sus libros; lo abrí y mis ojos vieron estas palabras: ‘Por el arco de Elvira / voy a verte pasar / para sentir tus muslos / y ponerme a llorar’. Pensé: esto es lo que quiero para mí… Volví a leer Verde que te quiero verde. Sabía que había encontrado mi hogar. Así que hoy, con inmensa gratitud, puedo saldar mi deuda con Federico García, al menos una esquina, un fragmento, una migaja, un electrón de mi deuda, dedicándole esta canción”. “ Lorca fue el primer poeta que me invitó a vivir en su mundo”, ha asegurado este artista calificado por muchos como el “poeta de la soledad“.

 

 

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Romance de los mozos de Monleón
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Buzalén | 25-08-2016 | 15:12| 1

Parece ser que este romance está basado en un hecho real acaecido a mediados del siglo XIX durante la corrida de toros que tuvo lugar en la fiesta de algún lugar cercano, se ha hablado de Monsergal, ermita próxima al pueblo, y que se difundió, al principio, como un romance o cantar de ciego. Lentamente, como todo lo que altera la tradición oral, fue cambiando el tono del mismo, se modificaron las expresiones típicas de aquellos cantares más vulgares y fue adecuándose a la brevedad, intensidad y síntesis de los romances tradicionales, transformándose así en una pequeña joya de arte popular.

Es un romance sobrio, intenso y bronco, tal vez el más impresionante y el más bello de la zona. Su escueto e intenso dramatismo lo hace especialmente apto para una recitación expresiva. Tres son los protagonistas de esta “oscura tragedia ritual”: el mozo, su madre (la viuda) y el toro. Manuel Sánchez es el joven que quiere probar ante el pueblo su hombría en el rito iniciático de la lucha con el toro, animal totémico en la vida y en las fiestas de tantos de nuestros pueblos. De alguna manera citar al toro podría considerarse como un rito de transición a la edad adulta, dejando a un lado su vida anterior.  Es muy probable que la maldición de la madre no fuese un elemento real de la historia sino una aportación literaria añadida para enriquecerlo dramáticamente, haciendo aparecer el “fatum” o destino del que no se puede escapar, tan presente en las grandes tragedias clásicas.

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Sobre el autor Buzalén
Antonio Javier Calero (guitarra) y Javier Gómez (voz), dos hornachegos formados en conservatorios de nuestra Comunidad, apasionados por la corriente musical que nace en el S.XVI con la vihuela y llega hasta nuestros días, rescatando temas de autores extremeños poco conocidos para el gran público como Hernando de Franco o Juan Vázquez. Nuestro disco “Caminando” es el resultado de todo este trabajo conjunto, las canciones han sido compuestas entre los dos y en él se percibe la influencia de algunos de nuestros referentes artísticos como la bossa-nova, las canciones tradicionales e infantiles, la preocupación por el medio ambiente, la fugacidad de las cosas, los derechos de la infancia... un trabajo humilde que pretende compartir lo que somos. Llevamos a cabo de forma quincenal un espacio divulgativo en Canal Extremadura Radio dentro del programa "el sol dale por el Oeste" en el que interpretamos en directo una canción de nuestro repertorio y explicamos la conexión cultural que tiene con Extremadura.