Hoy

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Juan Vázquez: extremeño universal.
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Buzalén | 03-09-2016 | 18:27| 0


Acercándose el día de Extremadura queríamos recordar hoy a Juan Vázquez, nacido en Badajoz hacia 1500, es uno de los máximos representantes de la composición de villancicos renacentistas, hasta el punto de que numerosas de sus piezas fueron adaptadas a cifra y publicadas en cancioneros por grandes vihuelistas de la época. Esta, la versión para voz y vihuela, es la que compartimos hoy. Estuvo unido al grupo andaluz de músicos renacentistas (Guerrero, Morales, etc.). Sus obras más conocidas son las composiciones profanas, de las que destacan los villancicos, las canciones y los madrigales.

Se trata de un autor sobradamente conocido para los amantes de la polifonía de cualquier rincón del mundo, pero en el caso de Badajoz es de justicia recordar los constantes esfuerzos de Don Carmelo Solís por difundir su figura y su obra al frente del Coro del Conservatorio, tarea a la que fantásticas agrupaciones vocales se han ido sumando en el tiempo; y muy especialmente durante este último año el Instituto Extremeño de Canto y Dirección Coral con un ciclo repleto de actividades y conciertos centrados en nuestro compositor pacense.

Con qué la lavaré“, la obra que nos ocupa, es un villancico, canción que se asocia tradicionalmente a la música religiosa que se canta en Navidad, pero lo cierto es que es una forma musical que aparece en España en la segunda mitad del siglo XV. Eran canciones profanas cantadas por los ‘villanos‘, habitantes de las villas, de ahí el nombre de villancico. Se compone de un estribillo y unas coplas o mudanza. Se cantaba en las fiestas de los pueblos. Posteriormente, empezó a cantarse en los templos y se fue asociando a la Navidad, por lo que fueron prohibidos los villancicos con letras profanas y en su lugar se cantaron villancicos con letras religiosas sobre el Nacimiento de Jesús. De aquí proceden los villancicos actuales.

La letra es aparentemente simple, como todas las de esa época. Pero, también, como casi todas, tiene una pequeña trampa, un mensaje oculto, que se nos hace más oscuro, quizá, por los casi 500 años transcurridos desde su composición, y, probablemente, porque alguna de las palabras que se utilizan han caído en desuso.
La canción es como la reflexión íntima de una mujer que contempla el futuro que se abre ante ella y, ante lo que ve, se siente impotente. Además del lamento por un amor desgraciado, había otro mensaje: El horror de una mujer que ha perdido su honra, porque su amante no quiere “redimirla”, haciéndola su esposa. No sólo su dolor, sino también su desvalimiento.

El claro riesgo de repudio social, de expulsión directa hacia la marginación en una época en que la mujer debía procurarse el sustento estando bajo la protección del varón (padre, esposo…)
Cabe hacer por tanto esta doble lectura de la obra: O como el lamento de una muchacha que, al haber sido deshonrada, ya no podrá acudir al río a lavarse, cómo cualquier mujer de bien, pues será señalada y rechazada por las demás, teniendo que recurrir al agua de limones como lo hacen las llamadas”galanas”. El tono lánguido de la pieza nos hace pensar en esta interpretación. Estamos ante una pieza cercana al madrigal italiano.

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Malagueña salerosa
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Buzalén | 27-08-2016 | 07:43| 0


Aunque se llama malagueña a un palo del flamenco tradicional de Málaga que procede de los antiguos fandangos malagueños, la canción que hoy nos ocupa es en realidad un son huasteco o huapango, canción de México compuesta en 1947, atribuible a Elpidio Ramírez, que participó en la Revolución mexicana, logrando obtener el grado de capitán primero de caballería en el Ejército mexicano y Pedro Galindo Galarza.


Lo curioso es que esta canción, profundamente local acaba expandiéndose y alcanzando casi cualquier tipo de música.

La canción se transforma también en el sexto movimiento de la Suite Andalucía (1933) compuesta por Ernesto Lecuona (1895-1963). Se ha adaptado desde entonces a géneros pop, jazz y bandas musicales (militar y de cornetas y tambores) y le han sido compuestas letras en varios idiomas.
Una versión alemana, cantada por Caterina Valente, con la Orquesta de Werner Müller, se hizo muy popular en los Estados Unidos alcanzando la posición 42º en la lista de éxitos de la revista musical Cash Box en febrero de 1955. La versión inglesa fue compuesta por Marion Banks. Una versión posterior fue grabada por Connie Francis en 1960, alcanzando una buena posición en la lista de la revista musical Billboard. El arreglo de Bill Holman para la Orquesta Stan Kenton en el disco Adventures in Jazz de 1961 hacía a Malagueña pasar de pieza del flamenco a joya de una fiera big band.

Con el paso de los años, Malagueña ha sido interpretada en numerosas ocasiones por la Banda de la Universidad de Massachusetts Amherst y, como tal, se ha convertido en una de las canciones más identificativas del grupo. La banda de hockey de la Universidad de Minnesota también interpreta el tema tras cada victoria en casa del equipo de hockey masculino. La Banda de Cornetas y Tambores de los Scouts de Madison también interpretan la canción a menudo y ganaron el Campeonato Mundial de la Internacional de Bandas de Percusión con un programa que incluía la pieza. Otras bandas que interpretan la pieza son los Crusaders de Boston, Los Cadets de Allentown, los Caballeros de Hawthorne y los Lancer de Hanover. Una las más destacables interpretaciones de esta pieza en los últimos años se produjo en el musical de Broadway Blast!.

Algunas versiones roqueras han incluido una versión instrumental de Bill Haley & His Comets grabada en Suecia en 1968 que nutrió sus espectáculos en directo en los 60 y 70 llevados a cabo normalmente por el guitarrista Nick Nastos. Una versión instrumental de Ritchie Valens fue lanzada años después de su muerte. Otras versiones instrumentales de estilo surf fueron interpretadas por las bandas The Trashmen en los años 60, y The Bambi Molesters en 2004, al igual que en la parte de un arreglo de Misirlou.

El grupo Chingon fue formado por el director de cine Robert Rodríguez para grabar canciones para su película de 2003 Érase una vez en México en 2004. El nombre del grupo proviene de un término del argot mexicano, chingón , vagamente, pero lo suficientemente cerca que significa “rudo” y / o “impresionante”.Chingon también contribuyó la canción ” Malagueña Salerosa “de Quentin Tarantino ‘s Kill Bill 2.

Para ilustrar la canción hemos rescatado imágenes de la inolvidable María Félix, además de una gran actriz fue una mujer de carácter fuerte que vale la pena recordar. Estas son algunas de las frases que se le atribuyen a la famosa mexicana:

-“No me gusta que me ayuden, puedo equivocarme sola”.

-“El dinero no da la felicidad, ah, pero como calma los nervios”.

-“Yo nunca he criticado a las lesbianas ni a los gays. Lo que hacen las gentes de la cintura para abajo son sus historias, no las mías”.

-“No es suficiente ser bonita, hay que saberlo ser”.
-“Dejen a los muertos en paz, si los que están adentro no pueden salir y los que estamos afuera no queremos entrar”.

-“Yo seré para ti una mujer más en tu vida, pero tú un hombre menos en la mía”.

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Aunque tú no lo sepas
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Buzalén | 13-08-2016 | 08:57| 0


Quique González compuso esta canción para Enrique Urquijo con el que compartía actuaciones en “El rincón del arte nuevo”, un pequeño local de Madrid. El tema vio la luz en 1998 y lamentablemente Enrique Urquijo murió una noche de noviembre de 1999, en un oscuro portal del barrio de Malasaña que hubiera podido protagonizar cualquiera de sus canciones. Murió el músico, pero había nacido el mito. No fue una sobredosis como suele decirse. En plena cura de desintoxicación sufrió una crisis y no solo imprudentemente le dejaron salir, sin avisar a ningún familiar ni amigo, sino que le despidieron con las doscientas mil pesetas de entonces que había dejado de fianza. Una negligencia médica en toda regla que desencadenó un cóctel explosivo de sustancias no excesivas, sino contraindicadas. Se fue sin tener que irse, aunque hay que reconocer que muchas de sus canciones eran la crónica de un suicidio anunciado. De hecho como se afirma en la biografía Adios Tristeza, Enrique fue escribiendo su biografía a través de sus canciones: auténticos himnos a la tristeza, la mala suerte, el abandono, desgarrados cantos a la soledad, al desamor, y al refugio en el alcohol… Letras surgidas de un corazón sensible que le unían con su público como pocos artistas del pop han conseguido.

Los Secretos nada tenían que ver con la rutilancia estética de los 80 y eran ninguneados, injustamente calificados en las llamadas “guerras estéticas” como sensibleros e incluso como niños bien -que no lo eran-. Hijos de un empleado de una empresa constructora de origen vasco, vivían de alquiler en una calle secundaria del barrio de Argüelles, no tenían nada que ver con la Banca Urquijo como se corría por Madrid. No tenían el favor de la prensa y la radio, ni siquiera las compañías les hacían demasiado caso pese a que su primer LP con las inolvidables Déjame, Ojos de Perdida, Vidrio Mojado siempre figure entre las antológicas del pop español.
Eran chicos sencillos de aspecto normal que no estaban muy presentes en los garitos de moda, pero sí en las habitaciones de aquellos que eran tan jóvenes como ellos y oían sus canciones en el recogimiento, mientras estudiaban, compartían vivencias en bares tranquilos o cuando sufrían momentos de bajón… Y así era, porque el líder de Los Secretos, junto a su hermano Álvaro, pasó la mitad de su vida sumido en un círculo vicioso que le llevaba de la depresión a las drogas, y de las drogas a la depresión: «Cuando sentía el hormigueo de la desesperación, recurría al alcohol, la heroína, la cocaína o los tranquilizantes (en ocasiones, todo a la vez) para conseguir una especie de muerte efímera», recogía Miguel Ángel Bargueño en «Adiós tristeza», la biografía de este poeta maldito del pop, que publicó en 2005.«Enrique aparecía por aquí -contaba Joaquín Sabina, con el que mantenía una estrecha relación- de madrugada y me pareció siempre el ser más dulce, más tímido, más sensible del mundo. Era para comérselo. Aquí venía y se podía quedar cuarenta y ocho horas. Hablaba poco, fumaba mucho, bebía mucho; yo también».
Poco antes de morir, su novia Pía había ido a buscarle a casa de su «camello», a donde acudía en demasiadas ocasiones tras abandonar la clínica donde estaba ingresado, una vez más, para dejar su adicción a las drogas. Era el final de una pesadilla que se había iniciado 20 años antes, cuando Enrique y sus hermanos comenzaron a coquetear con la heroína. «Había caballo en todas las fiestas. Si eras músico y no te metías, era como si fueras gilipollas», decían.
El mayor de los hermanos Urquijo, muerto a los 39 años, empezó pronto a recorrer las consultas de psiquiatras que no supieron cómo solucionar su problema, el mismo que arrastró hasta el mismo día de su muerte, y que se dejaban ver en casi todas sus canciones: «Por supuesto que Los Secretos y su grupo de ahora, Los Problemas, eran dos bandas tristes, acorazadas detrás de su desesperanza, pero en sus canciones un buen puñado de aficionados encontró un pañuelo para sus lágrimas del día a día», comentaba de la Fuente en la columna «Vuelves a ser un niño».
Odiaba la fama, la industria, las entrevistas y pretendía ser alguien anónimo, pero no lo consiguió. Con Los Secretos grabó nueve discos y dio miles y miles de conciertos, tras los que muchas veces se escapaba sin dar noticias. Su último disco, un recopilatorio de grandes éxitos, vendió 300.000 copias.
El último proyecto que tenía en mente, grabar un disco para niños basado en poemas de Gloria Fuertes, que nunca vio la luz. Posiblemente los mismos niños que ahora ya entrados en la adolescencia estén descubriendo sus canciones. pero que ya no se cruzarán con él en cualquier recoveco de Malasaña.

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La curiosa historia del baile de San Vito
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Buzalén | 06-08-2016 | 06:53| 0


El vito es un baile tradicional de Andalucía, cuyo nombre hace alusión a la enfermedad llamada “baile de San Vito”, por el carácter animado y vivo de esta danza. según relata la tradición San Vito apenas tenía doce años cuando murió mártir en el año 303. Hijo, según algunos, de un hombre rico de Sicilia llamado Hylas, fue torturado hasta la muerte junto a su nodriza Crescencia y a su tutor Modesto, ambos cristianos, por negarse a renegar de su fe. La iconografía representa al santo con una caldera al hombro, aludiendo a la muerte en aceite hirviendo que Diocleciano le había preparado como premio al haber curado a su propio hijo de unos horribles ataques epilépticos que padecía desde niño (esos premios cariñosos de los emperadores romanos). Pero cuando todos esperaban verle morir achicharrado como un boquerón, lo que vieron fue que el santo se arremangó la capa y empezó a bailar una especie de rock-and-roll que contagió a toda la corte imperial empezando por el emperador.

Posteriormente en Estraburgo en julio de 1518 una mujer conocida como Frau Troffea comenzó a bailar sin parar en una calle de esta ciudad francesa y así continuó sin descanso entre cuatro y seis días, mientras decenas de personas se sumaban a ella en una semana en una plaga de baile que afectó a 400 personas en un mes. En su pico la epidemia se cobró la vida de hasta 15 personas al día que bailaban hasta la muerte. No era el primer brote compulsivo de baile en Europa. El primero había tenido lugar en la Nochebuena de 1021 en la ciudad de Kölbigk (Alemania) y hay noticias de otras en 1237, 1247, 1278, 1374, 1438, aunque el de 1518 es el mejor documentado de esta extraña epidemia que se conoció durante siglos como «el baile de San Vito» o el «baile de la peste», entre otros numerosos nombres. El envenenamiento humano debido al consumo de centeno infestado por un hongo llamado cornezuelo. Incluso se especula que los juicios de las brujas de Salem pudieron ser desencadenados por algunas jóvenes que habían consumido centeno contaminado.

La melodía del vito se ejecuta en compás de 3/8. Usa la escala menor armónica para los motivos ascendentes y el modo frigio, que es el modo más característico de la música andaluza, para los motivos descendentes, lo que genera un acompañamiento armónico basado en la cadencia andaluza. El vito se canta con diferentes letras, jocosas o serias. La adaptación de esta canción popular para canto y piano, realizada por Fernando J. Obradors (1897-1945) y recogida en sus Canciones Clásicas Españolas, es la versión más interpretada en los círculos académicos. El violinista y compositor Pablo de Sarasate utilizó una variación sobre el tema melódico de El vito en su Danza española n.º 7, Op. 26, n.º 1 – “el vito”. Durante la Guerra Civil Española, entre el bando republicano se usó la melodía de El vito para cantar un texto en honor del Quinto Regimiento. La nueva versión se hizo muy popular incluso entre la población no combatiente: “Con el Quinto, Quinto, Quinto,con el Quinto Regimiento.Madre, yo me voy p’al frente para las líneas de fuego, Madre, yo me voy p’al frente para las líneas de fuego”.

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John Dowland, las lágrimas del exilio.
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Buzalén | 30-07-2016 | 07:37| 0


Flow my Tears (fluyan mis lágrimas) es una pieza musical para laúd compuesta por John Dowland en 1596 y muy probablemente se trate de la canción inglesa más conocida de principios del siglo XVII. Aborda el tema del exilio interior que experimenta el enamorado que no consigue acercarse a la persona que desea pero constituye una expresión certera del dolor y el exílio que por desgracia han herido a la humanidad una y otra vez.  Los de Dowland fueron unos años convulsos para la Corte inglesa ya que la conversión religiosa impuesta a toda Inglaterra generó un ambiente político y religioso totalmente único. Muchas de las decisiones tomadas en la corte estaban relacionadas con esta reforma y no se podían admitir en el país a traidores a los designios del Reino de Inglaterra.

John Dowland tuvo la desgracia de convertirse al catolicismo durante su estancia en París estando al servicio de un diplomático inglés. A través de éste, se vio envuelto en una trama de conjura política contra la reina Isabel I de Inglaterra y ello hizo que nuestro músico no pudiese regresar a su país por estar considerado como un traidor a su patria. Vivió en el exilio con la máxima aspiración de que se le reconociera su valía y prestigio en su país natal, desgraciadamente todas sus iniciativas para conseguirlo se vieron frustradas. Este error influyó en su vida y como no, también en su música. El tema de la melancolía y la dolencia imperaba dentro de todo este período isabelino en las expresiones artísticas del momento. Igualmente esta temática estará más que presente en la mayoría de la obra de Dowland, no en vano dio a una de sus pavanas el título de “Semper Dowland, Semper Dolens” (Siempre Dowland, siempre doliente).
La muerte en marzo de 1603 de la reina Isabel I provoca una situación de desamparo en Dowland y ve que a las lágrimas que derramó el compositor por las esperanzas perdidas hay que añadir otras lágrimas que anuncian nuevas ilusiones. El compositor crea una de las obras más importantes e influyentes de su época: la colección de siete pavanas conocidas con el título genérico de “Lachrimae, or Seaven Teares” escritas para conjunto instrumental. Estos llantos debían llegar al corazón de la persona a quien estaba dedicada la obra: la princesa Ana, la hermana de su real patrón y esposa de Jacobo I de Inglaterra. En la dedicatoria del libro, Dowland escribió las siguiente palabras: “Aunque el título prometa lágrimas, esas invitadas indeseables en estos tiempos de alegría, no hay duda de que las lágrimas que se vierten por la música son agradables. Las lágrimas no nacen siempre de la pena, a veces también nacen de la alegría y la felicidad”.

Curiosamente esta obra sobre el exilio coincide en el tiempo con el exilio impuesto por la Corona Española a los últimos moriscos extremeños, los de nuestra localidad natal de Hornachos, que fueron encadenados y conducidos al tribunal de la Inquisición de Llerena y desde allí al norte de África donde fundarían la ciudad de Rabat. Este otro exílio, más físico y tangible, es el que ha inspirado las imágenes que ilustran nuestro vídeo.

El dolor que produce el amor es uno de los temas recurrentes en la poesía y la música amorosa, como ejemplo bien conocido “Plaisir d’amour” (placer de amor) es una canción de amor escrita en 1784 por Jean Paul Égide Martini con texto una poesía de Jean-Pierre Claris de Florian: “El placer de amor sólo dura un instante la pena de amor dura toda la vida”, o como recoge nuestra Jota cuadrada… “mi suegra, porque la quiera, me ha regalado un rosario, teniendo yo con su hijo, corona, cruz y calvario”.

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Zorongo Gitano; a vueltas con Lorca
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Buzalén | 23-07-2016 | 08:49| 0

El zorongo era baile muy usado en la época de la tonadilla del Siglo XVIII de la que formó parte, derivado quizás de la zarabanda y el zarandillo, y su nombre se debe a que en una de sus letras más populares aparece a modo de estribillo la palabra zorongo; “zorongo, zorongo, zorongo, que mi madre me lo compra me lo pongo, y que me compraba una camisita que llena de encajes que por las manguitas, que toma zorongo”. Al parecer  fué uno de los bailes originales de las agrupaciones zámbricas del Sacromonte de Granada.  Lorca lo rescató en sus ‘Canciones populares españolas’, trabajo que hemos abordado en entradas anteriores.

Toda la obra literaria de Federico está impregnada por la cultura popular del mundo rural en que se crió y, muy particularmente, por la música tradicional. En la primera etapa de su creación literaria hay una clara asimilación de elementos musicales y poéticos tradicionales, sobre todo a través de las canciones y juegos infantiles. Esa época de la niñez, vivida en un medio rural y en un ambiente familiar en que la música, tanto la popular como la culta, tiene una presencia notable en su obra. En su familia paterna, los García, había habido varios músicos aficionados. Su madre era gran amante de la música clásica e inculcó esta inclinación a todos sus hijos. “Mi infancia es aprender letras y canciones con mi madre, ser un niño rico en el pueblo, un mandón”, recordaría años después el propio Federico.

Viene después una segunda etapa, ya de adolescencia, en que las influencias de la música popular dan paso a las de la música culta. La familia se ha trasladado a Granada y todos los hermanos estudian música y piano sistemáticamente, con buenos profesores . De ellos, Antonio Segura ejercerá gran influencia sobre Federico y , vistas las aptitudes musicales del joven, recomienda a sus padres que sea enviado a París para ampliar estudios. La muerte del músico en 1917, terminó por enfriar el asunto; de lo contrario, Federico podría haber iniciado una carrera musical que a saber si no le hubiera apartado definitivamente de la literatura.

Llegamos así a la última y decisiva etapa, marcada por la relación con Manuel de Falla. Establecido en Granada desde el año 1920, don Manuel no tardará en convertirse en ídolo y maestro del joven García Lorca: “Falla es un santo…Un místico…Yo no venero a nadie como a Falla…”. Cuando Don Manuel fue a Granada a vivir, Lorca —que había estudiado varias obras suyas— se acercó a su casa a presentarse y decirle que estaba muy interesado en conocerlo. Falla era muy estricto con sus alumnos y no cogía a cualquiera, pero este chico le cayó en gracia, quizá porque lo vio como el hijo que nunca tuvo.
Estuvo muy pendiente de él y cuando se fue a estudiar a la Residencia, se preocupó de que no se juntara con algunas compañías que consideraba perjudiciales para él, que fuera más pausado en las entrevistas.  Falla vio el torrente literario que tenía Lorca y le incitó a que dejara un poco de lado la música, aunque siguiera estudiándola. Gracias a Falla, Lorca amplió sus estudios musicales y conoció todas las vanguardias que venían de Europa, y Lorca recitaba sus obras a Falla y le daba a conocer lo que hacían otros literatos. También es crucial la relación que Lorca y Falla establecieron en torno al flamenco que culminó en la organización del concurso del Cante Jondo en Granada en 1922, que cayó bastante mal en aquellos ambientes culturales porque no se admitía a cantantes profesionales, sino a la gente de los pueblos”.

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Zamba del grillo: la nueva canción.
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Buzalén | 16-07-2016 | 09:13| 0

La nueva canción fue un movimiento musical de América Latina y España que apareció más o menos al mismo tiempo ,a mediados de la década de los años sesenta, en varios países del continente. Se trataba de una canción que poseía un fuerte compromiso social. Este movimiento reconoce antecedentes como Violeta Parra en Chile y Atahualpa Yupanqui en Argentina como grandes impulsores del movimiento musical en la región, como ejemplo esta preciosa zamba del maestro Atahualpa que compartimos hoy.  Entre las obras paradigmáticas de la nueva canción se encuentran “Canción con todos” (1969), la “Cantata Santa María de Iquique” (1970), “El pueblo unido jamás será vencido” (1973), ” Plegaria a un labrador” (1969), “Todavía cantamos” (1983)etc  .Entre sus principales exponentes solistas figuran: Soledad Bravo en Venezuela; Facundo Cabral, Jorge Cafrune, Mercedes Sosa, Piero, José Carbajal el Sabalero, León Gieco en Argentina; Chico Buarque, Gilberto Gil, Milton Nascimento, Caetano Veloso en Brasil; Horacio Guaraní, Víctor Heredia, Eduardo Meana, César Isella, Víctor Jara; Rubén Blades, los hermanos Carlos Mejía Godoy y Luis Enrique Mejía Godoy en Nicaragua; Por sus vínculos con la canción latinoamericana también suele incluirse en el movimiento al catalán Joan Manuel Serrat.

La nueva canción latinoamericana se caracteriza por recurrir al folklore musical tal como se presenta en cada región del subcontinente, arraigado a su vez en tradiciones afroamericanas, indígenas e ibéricas, pero con un espíritu abierto hacia la fusión y el desarrollo de nuevas formas .La nueva canción también ha recibido la influencia de la música popular española moderna, principalmente a través de la obra de Joan Manuel Serrat; del folklore “blanco” estadounidense, a través de figuras como Bob Dylan y Pete Seeger y Joan Báez; y del jazz y el rock, tomando contacto cercano, en este último sentido con las formas progresivas del rock en español, como en el caso del rock nacional argentino.
Ideológicamente, la nueva canción se ha llegado a identificar con la música de protesta porque en sus letras, generalmente, se manifiesta un profundo rechazo por la intervención extranjera (militar, política o económica) en los países americanos; sin embargo, lo ideológico no se queda en esta posición de rechazo a lo extranjero, sino que se extiende a un profundo respeto por la vida de los obreros, los campesinos y los indígenas, todo esto a la par de un claro rechazo al imperialismo estadounidense y europeo,  y la desigualdad social. En Argentina el movimiento tomó forma en 1963 como una propuesta cultural que se denominó Nuevo Cancionero, liderado entre otros por Mercedes Sosa y Armando Tejada Gómez. En Cuba, la nueva canción se llamó nueva trova y estuvo respaldada por el gobierno de la Revolución Cubana. En Chile, el presidente Salvador Allende incluso llegó a decir antes de su derrocamiento que no podía haber revolución sin canciones. A veces era común que algunos se refirieran a la nueva canción latinoamericana simplemente como canción latinoamericana. . Víctor Jara definió “Nuestra canción no es una canción de protesta. Es una canción de amor.”

 

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En el Café de Chinitas
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Buzalén | 09-07-2016 | 07:03| 0

El Café de Chinitas fue un teatrillo o café cantante que existió en la ciudad de Málaga entre 1857 y 1937. Era un local de pequeñas dimensiones con un pequeño escenario famoso por sus espectáculos flamencos. En esta canción Lorca recoge un episodio protagonizado por el famoso torero gaditano “Paquiro”. Ya nos hemos aproximado en entradas anteriores a la vocación musical del poeta, en la que tuvieron especial importancia las canciones que escuchó desde niño, originarias de distintas regiones de España.

Federico García Lorca realizó una importante labor como folklorista, preservando parte de la memoria musical de otros tiempos, y fue autor de la recopilación “Colección de Canciones Populares Antiguas”, armonizadas y recopiladas por él mismo. En la primavera de 1931, acompañada al piano por el propio Federico García Lorca,Encarnación López Júlvez; La Argentinita graba diez temas de esta  colección.

Estos versos recogen un hecho del famoso torero gaditano Francisco Montes, “Paquiro”, (1805-1851) en pleno Siglo XIX en el Café de Chinitas de Málaga,aunque al propio Feredico García Lorca ya le llegaron algo “adulterados” por la tradición oral que acaba modificando las palabras. Parece ser que el “hermano” al que Paquiro decide enfrentarse bien podría ser un “germano” (pequeño delincuente) lo desafía a pelear. El Café de Chinitas estaba muy frecuentado por extranjeros y especialmente alemanes (germano), además Paquiro no tenía hermanos. El torero cita al “germano” en la calle para pelear; pero el rival no se presenta, Paquiro sale airoso como torero de renombre (venció como el Cid con su sola presencia).

El Café de Chinitas original‚ el que Lorca citaba en su poesía‚ era una casa en Málaga que ya no existe‚ se derribó durante la construcción del paseo de la Alameda. Se llamaba de Chinitas probablemente haciendo referencia a que estaba decorado con chinitas‚ pequeños cantos rodados de río, otros comentan por la actuación de un personaje llamado Chinitas.

El café alcanza su máxima expresión en los años treinta del siglo pasado, en su escenario las actuaciones de los colosos Juan Breva y Antonio Chacón, rivales en el cante por malagueñas; otras figuras como La Macarena, La Juana, La Trini, El Petrolo o El Porrilla, Hermanas Navarro, Estrellita Castro, Lucrecia Torralba, Isabelita Ruiz, Luisa Albéniz , Manuel Torres, Pastora y Tomás Pavón, Vallejo, Manolo Caracol, Canalejas de Puerto Real, Cojo de Málaga, Palanca, Marchena, Juanito Valderrama… pero históricamente las coplillas que recoge Lorca no tienen asiento; Francisco Montes Reina “Paquiro” falleció en Chiclana el 4 de abril de 1851 a consecuencia de unas fiebres tercianas malignas (el paludismo). Por tanto, Paquiro no pudo conocer el Café de Chinitas. Y en cuanto al otro posible personaje histórico, Salvador Sánchez Povedano más conocido como “Frascuelo“, nació en Churriana (Granada) el día 21 de diciembre de 1842, por lo que a la muerte de Paquiro contaba con nueve años de edad, sería demasiado pensar que un niño de esa edad se enfrentara dialécticamente con tal rival en una taberna. La tradición oral se encarga de engrandecer, adornar y repensar la realidad que nos rodea, haciendo que llegue hasta nosotros envuelta en misterio… como este episodio del Café de Chinitas.

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Üsküdara :Amor frente a la barbarie
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Buzalén | 02-07-2016 | 07:56| 0


Hoy rescatamos esta hermosa canción turca solidarizándonos con este pueblo azotado por la barbarie terrorista. Esta es una melodía que se puede rastrear toda la zona del Mediterráneo , Oriente Medio , el Cáucaso , Asia Central , el Lejano Oriente y América del Norte . Tenemos una versión de la canción en albanés, árabe, armenio , bosnio , búlgaro , griego , iraní , escocés, sefardí ( ladino ) , serbio y, por supuesto turco … la letra en turco hace referencia a un conocido barrio de Estambul (Üsküdara) que tomó fuerza al final del imperio otomano durante la guerra de Crimea es muy probable que la melodía tenga origen sefardí, aquellos judíos que se vieron obligados a abandonar Sefarad (España) tras la expulsión de los Reyes Católicos. Sus tradiciones, poemas y melodías se fueron divulgando por aquellos países en los que se asentaban por lo que esta canción tiene infinitas versiones alrededor del mundo.

Se dice que la melodía sirvió a los jenízaros otomanos en la conquista a de Constantinopla ( 1453 ) o el asedio ruso de la ciudad búlgara de Pleven . Entonces Üsküdar era una ciudad de cierta importancia , fue la sede de las operaciones militares y fue el punto final de las caravanas que llegaban de Siria y Asia. Pero la canción nos sitúa principalmente en la guerra de Crimea 1853-1856 entre el Imperio Otomano y Rusia .Los soldados del Reino Unido, Francia, Piamonte y Cerdeña, se había alojado en el cuartel militar de Úsküdara con una división de soldados escoceses… para los turcos resultaban exóticos aquellos uniformes, tal vez sea aquí donde arranque esta canción de amor.

Úsküdara está en la parte asiática del Bósforo  distrito podría ser alcanzado en ese momento sólo un ferry … en el que podemos recitar la canción del pirata de Espronceda; La luna en el mar riela,  en la lona gime el viento,  y alza en blando movimiento  olas de plata y azul;  y ve el capitán pirata,  cantando alegre en la popa, Asia a un lado, al otro Europa  y allá en su frente Estambul.

La señora lleva un pañuelo y lo llena con el lokum (delicias turcas), lo que representa un símbolo del deseo de un matrimonio feliz y buena suerte en el futuro. En Üsküdar se encuentra con su amante, un Katip que en el Imperio Otomano era un secretario o un funcionario. La dama regresa  con “su” Katip y alaba su amante , su aspecto y su ropa con orgullo mientras desafía chismes de la gente. El Amor no entiende de guerras ni de convencionalismos…

En Olivenza se suena,
que nos queremos los dos.
Niégalo tú, vida mía,
que también lo niego yo. (jota de la Uva)

Como curiosidad, la melodía central de la canción fue utilizada por Bonnie M en su hit “Rasputin” Apareció por primera vez el 7 de junio de 1978 en el álbum Nightflight to Venus. Esta canción es una balada sobre la figura histórica de Grigori Rasputín, amigo y consejero del zar Nicolás II de Rusia y de la familia real a principios del siglo XX. La canción toma el estereotipo semilegendario de Rasputin como amante, curandero místico y demiurgo político.

Üsküdara ha sido hasta hace muy poco la música de la carta de ajuste en la televisión turca.

 

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“Mangas verdes”, la canción del primer Brexit.
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Buzalén | 25-06-2016 | 08:09| 0


La tradición atribuye esta conocida canción al Rey Enrique VIII de Inglaterra (1491-1547) . Estaba dedicada a su amante y futura reina consorte, Ana Bolena, a la que el rey se refiere en secreto como “greensleeves” (mangas verdes) por un vestido que la dama solía llevar en la corte, ocultando de esta manera el romance a su esposa.

Ana, que era la hija más joven de Tomás Bolena, primer conde de Wiltshire, rechazaba los intentos de Enrique de seducirla. A este rechazo aparentemente se alude en la canción, cuando el autor escribe «cast me off discourteously» («me repudias descortésmente»). No se sabe si la leyenda es cierta, pero la canción todavía se asocia comúnmente a dicha dama. Probablemente circuló en forma de manuscrito, como mucha música de uso social, mucho antes de que fuera impresa.

Enrique VIII fue el segundo monarca de la casa Tudor. Se casó seis veces y ejerció el poder más absoluto entre todos los monarcas ingleses. Entre los hechos más notables de su reinado se incluyen la ruptura con la Iglesia católica romana ( y por lo tanto con el Sacro Imperio Romano Germánico), primer gran “Brexit” de la historia,  el establecimiento del monarca como jefe supremo de la Iglesia de Inglaterra (Iglesia anglicana), la disolución de los monasterios y la unión de Inglaterra con Gales.
Su primera esposa fue Catalina de Aragón, hija menor de los Reyes Católicos, que tenía tan sólo 12 años cuando se quedó viuda del hermano de Enrique, Arturo. Cuando Enrique cumplió 18 años, se casó con ella. En total, tuvieron seis hijos: dos abortos, otros tres de sus hijos que murieron a las pocas horas de nacer y su hija María Tudor, conocida en el futuro como “bloody Mary”, la única que sobrevivió. A pesar de las corrientes infidelidades por parte del rey, su matrimonio duró 18 años pero Enrique se impacientó, preocupado por la necesidad de tener un sucesor varón y enamorado de Ana Bolena, solicitó la nulidad con el pretexto de la ilicitud del matrimonio celebrado entre cuñados. La reina defendió la validez del enlace por el hecho de que su matrimonio con Arturo no había sido consumado. Ante la imposibilidad de lograr la nulidad del matrimonio (el papa no podía enfrentarse al todopoderoso Carlos V) se autoproclamó jefe de la Iglesia Anglicana, se autoconcedió el divorcio y se casó con Ana Bolena (mangas verdes) que ya estaba embarazada de la que sería Isabel I de Inglaterra .Catalina fue trasladada al castillo de Kimbolton, donde murió el 7 de enero de 1536, a la edad de 50 años.
Poco duró la felicidad de Ana, tras la muerte de Catalina, daba a luz a un niño muerto. Enrique no se dignó a acudir al lecho de su esposa a consolarla. Ya había encontrado consuelo en otra dama, Jane Seymour. La reina fue acusada de adulterio por haber mantenido relaciones con distintos caballeros de la corte que confesaron bajo tortura y haber tenido relaciones incestuosas con su propio hermano. Ana Bolena fue trasladada a la Torre de Londres donde fue decapitada el 19 de mayo de 1536. Fue llamada “Ana de los mil días” porque ésa fue la duración de su reinado. Jane, que dio al rey su único heredero varón, (Eduardo VI que falleció a los quince años) murió de fiebres tras el parto. La siguiente sería Ana de Cléveris que la cuarta esposa, durante sólo seis meses, su matrimonio nunca se consumó, no llegó a ser coronada Reina de Inglaterra, lo que facilitó la anulación del mismo. Catalina Howard fue la quinta esposa, prima de Ana Bolena, también fue decapitada en la Torre de Londres. Catalina Parr fue la sexta y última esposa de Enrique VIII, y la única que lo sobrevivió. Ha pasado a la historia como la Reina de Inglaterra que estuvo casada más veces, ya que tuvo cuatro maridos en total, de los cuales Enrique VIII fue el tercero.

Triste trasfondo para una hermosa canción de amor.

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Sobre el autor Buzalén
Antonio Javier Calero (guitarra) y Javier Gómez (voz), dos hornachegos formados en conservatorios de nuestra Comunidad, apasionados por la corriente musical que nace en el S.XVI con la vihuela y llega hasta nuestros días, rescatando temas de autores extremeños poco conocidos para el gran público como Hernando de Franco o Juan Vázquez. Nuestro disco “Caminando” es el resultado de todo este trabajo conjunto, las canciones han sido compuestas entre los dos y en él se percibe la influencia de algunos de nuestros referentes artísticos como la bossa-nova, las canciones tradicionales e infantiles, la preocupación por el medio ambiente, la fugacidad de las cosas, los derechos de la infancia... un trabajo humilde que pretende compartir lo que somos. Llevamos a cabo de forma quincenal un espacio divulgativo en Canal Extremadura Radio dentro del programa "el sol dale por el Oeste" en el que interpretamos en directo una canción de nuestro repertorio y explicamos la conexión cultural que tiene con Extremadura.