Desde Marzo del 2020 empecé a desarrollar todos esos cambios mentales que nos impuso la pandemia: agorafobia, alteración de la percepción espacio-temporal y miedo, entre otros.

Armándome de valor he vuelto a cruzar las fronteras pacenses, diecinueve meses después, animado por el programa que el Festival de Música de Cine de Málaga– al que nunca había asistido- había preparado. Además estaba el aliciente de esos maravillosos museos que han convertido a la ciudad mediterránea de nuevo en la capital del Imperio Bizantino de Occidente que se presume fue en tiempos de Justiniano. Para mí tiene más atractivo cultural y artístico que cualquier ciudad andaluza. Y eso que ni he pisado la playa.

El primer concierto era el más popular en cuanto a bandas sonoras comerciales se refiere. El director Arturo Díez Boscovich se puso al frente de la Orquesta Filarmónica de Málaga y del coro Zyryab de Córdoba para ofrecernos grandes versiones de temas conocidos de Williams, Goldsmith, Morricone, etc, Sonido y arreglos inmejorables.

El segundo concierto tuvo lugar en un preciosista salón romántico, la sala  María Cristina, que albergó lujosos bailes y eventos a finales del XIX y que ahora patrocina Unicaja. La joven directora Isabel Rubio dirigió con eficacia al Movie Score Málaga Assemble en un repertorio bajo el título “Música de mujeres”, en el que algunas compositoras presentaron sus obras y y se interpretaron otras de películas de temática de género como “Una joven prometedora” o “Gambito de dama”,

El tercer concierto era un poco freaky; “Tributo a la música de vídeojuegos”, en el que jóvenes compositores españoles homenajeaban con excesiva ampulosidad juegos arcaicos como Tetris o Space Invaders, que en realidad no tenían música sino efectos de sonido en aquellas primeras máquinas recreativas. El resto se trataba de juegos españoles poco conocidos, como “Blasphemous”, aquel polémico del nazareno asesino. En fín, que hubiera sido mejor hacer un repertorio con las obras maestras del vídeo juego actual. con óperas sinfónicas como “Call of Duty”, “Medal of Honour” o “Assassins Creed”.

Todos estos conciertos por tanto tenían un “leit motiv”: el primero con películas sobre superación personal como Rocky, Hossiers o Forrest Gump. El segundo, obviamente. el de la temática de género y el tercero los vídeojuegos como nostalgia infantil.

Pero llegó el último y más grande, el de Gustavo Santaolalla, en el que había de todo y mucho más. La mitad era música de cine, con inolvidables arreglos de Brokeback Mountain- en la onda nostálgica country de “Sin perdón”- la poesía existencial de las peliculas de González Iñarritu o la inspiración panamericana de “Diarios de una motocicleta”. La otra mitad fue un recorrido por canciones e instrumentales que proceden de la larga trayectoria del maestro como compositor y productor para intérpretes como Mercedes Sosa o Julieta Benegas. Es sorprendente cómo un hombre con evidentes dificultades motrices y bastantes años a sus espaldas puede conseguir tales modulaciones de voz y tocar todo tipo de guitarras y charangos al recordar su larga andadura con el grupo Bajofondo y su “tango rock”.

Me traigo de Málaga también el impulso de poder salir de mi provincia, de conocer la historia de Rusia a través de su pintura histórica en el imprescindible Museo Ruso y de descubrir la obra de un pintor local fallecido en 2019, Eugenio Chicano, ilustrador de la revista Litoral y autor de una serie “pop” muy cinematográfica con una antológica en el Museo de Bellas Artes de la ciudad. Mientras tanto una colas kilométricas de turistas trataban de entrar en el Museo Picasso, El mismo tipo de gente que se hacen fotos con La Gioconda.

No sé si he hecho bien en perder el miedo pero creo que voy a volver a una sala de cine cuando pongan “Dune”. Me han dicho que las películas ya son en colores.

He desarrollado en estos últimos meses otra actitud frente al espacio y el tiempo. Frente al espacio, pisar sobre seguro, si es que ello es posible en el Bronx de Badajoz; frente al tiempo, escepticismo y “adagio má non troppo”.

En Agosto, como siempre, vuelvo a recordar a Jean Louis Tritignant estudiando las oposiciones y a Vittorio Gassman tocando la bocina en las calles romanas vacías por el Ferragosto. https://www.youtube.com/watch?v=BWfg0yvrUrA

No voy a intentar llegar hasta el final de esa escapada que siempre acaba en una curva imprevista.Ya pueden sonar las trompetas de Jericó en versión John Barry u ofrecerme “haigas” rojos con chicas sentadas en el capó parecidas a Ann Margret o a Pamela Tiffin.

He perdido el rumbo, la noción del tiempo, como cantan los Estopa.

Este año no hay viajes cortos, ni movimientos imprecisos. No hay amistades casuales, ni el cine de los viernes.

Se me aparece la imagen obsesiva de Onofre, el premio que damos en el Festival Ibérico de Cine. Una estatuilla que en su época protohistórica representó a alguien o algo con poder social y mágico, junto con los ídolos-placa y estelas que nacieron bajo el calor infernal que a duras penas soportamos los habitantes de este confín de la civilización occidental. Esos ídolos del calcolítico son la esencia telúrica de la que procedemos, aunque los romanos y los árabes luego nos enseñaran a leer, a escribir y a echar cuentas. Así que este verano me sigo acordando de Onofre, que no es otro que el llamado “ídolo de Rena”, de la colección del Museo Arqueológico de Badajoz.

Su versión gigante, creada por Arturo Lucas, ha estado en el Jardín del Meiac, como un Gólem al servicio del sistema de seguridad del FIC. En el concierto y gala de entrega de premios se sentía a sus anchas porque fué situado al lado de la percusión de la Orquesta de Extremadura, que es lo que más le gusta, habida cuenta de sus pretensiones teocráticas y su megalomanía. Se crece con los “peplums” de Cinecittá y los malos ratos que pasa el equipo de producción.

A Onofre hay que tratarlo bien, porque su maldición cae cada año sobre alguien de la organización. Al principio sólo fueron enfermedades leves, defunciones de parientes políticos, luxaciones… pero luego han sido dolorosas bajas letales que han diezmado nuestras fuerzas y nuestra moral de combate. Y en esta edición su venganza ha sido bíblica.

Creo que el sitio donde lo ubicamos el año pasado no le hizo mucha gracia.

Se ha escrito a menudo que la música de cine es la ópera de nuestro tiempo. Existe una música para imágenes que se muestra recatada, acechando en su aparente discreción entre las imágenes; es a menudo inapreciable, pero aporta un valor adicional al discurso audiovisual. Le dicen música discreta o “de mobiliario”, como un elemento más de la dirección de arte, pero siempre llega más lejos. De esto Visconti entendía un rato. La gran música del cine español -José Nieto, Angel Illarramendi o Alberto Iglesias- está llena de ejemplos, así como la de otros europeos como Philippe Sarde, Zbignew Preiszner o Stanley Myers.

La música que llena conciertos de bandas sonoras es la operística, esa en la que John Williams hereda las estructuras de Wagner para crear “space operas” como las de la ahora decadente, pero es su momento radiante, saga de Star Wars. No hay orquesta, ni banda municipal, que no haya hecho uno o varios conciertos dedicados al maestro en los últimos años, asegurándose así el éxito entre el público familiar. Compositores jóvenes como Michael Giacchino o Fernando Velazquez, siguen con maestría los postulados de dicho estilo.

Pero el premio Príncipe de Asturias también es para Ennio Morricone.

Hans Zimmer, el de “Gladiator” o “Piratas del Caribe”, junto con su escudería de pupilos, trabaja una mezcla entre Williams y Morricone. Orquestaciones y estructuras del americano y melodías del italiano. De hecho, si querías ver a Zimmer cabreado en una rueda de prensa sólo había que preguntarle qué influencia (por usar un eufemismo) tenía de Morricone en su obra. A Zimmer a veces le salen las cosas bien y otras regular, pero controla la ingeniería de sonido e incluso el montaje. Es el primer músico de cine con poder absoluto.

El maestro Morricone también tiene su mal genio en lo que respecta a preguntas de periodistas indocumentados. Esa acritud nunca la mostraba con los que conocíamos y admirábamos su obra. Compartimos con él buenos momentos en Valencia, paseando después de comer junto con otros ponentes y organizadores por el entonces deteriorado casco antiguo (la famosa plaza circular) de la ciudad, luego ya restaurada, y después en pleno corazón turístico. Bueno, ahora de momento, no creo.

Ni a él ni a Nicola Piovani, pareció extrañarles el mal rollo de aquel refugio de yonquis. A fín de cuentas vivían en una Roma, llena de barrios céntricos como ese que tanto atraían a Passolini o Fellini, aunque por distintos motivos.

Lo de Morricone también es ópera pero de otro tipo. Mucho que ver con Verdi- “Novecento”- , pero también con la ópera “buffa” o los apasionados leitmotivs del tema de Jill en “Hasta que llegó su hora “ o “Amistad” en “Erase una vez en America”, por no hablar del olvidado estribillo “Sean, Sean, Sean…”, de “Agáchate maldito” o la alegre flauta de “Mi nombre es ninguno”. Tuvo mucho que ver con el despegue del erotismo con clase en la trilogía de Passolini , y del “giallo” con títulos tan rebuscados como “Una lagartija con piel de mujer” o “Cuatro moscas sobre terciopelo gris”. Si quieren conocer el libro definitivo y más reciente sobre la obra, el talante y el estilo Morricone, lean “En busca de aquel sonido” ( Alessandro de Rosa . Malpaso Ediciones).

En cuanto a los conciertos en directo , de Morricone sólo se interpreta el 0’1 por ciento de su filmografía: la suite de la trilogía del dólar, algo de “La Misión” y pare usted de contar. He asistido a diversos conciertos suyos en distintas épocas. En el del Teatro Romano de Mérida dirigió la orquesta y coros su hijo Andrea y Dulce Pontes cantó “Sostiene Pereira”. En Sevilla el propio maestro asumió en varias ocasiones la batuta de la orquesta titular en el operístico teatro Lope de Vega y, años después, en el moderno y perfecto auditorio de La Maestranza. Aquí fue donde un amigo de Badajoz, auténtico “freak” de la banda sonora, se disfrazó de cura para poder entrar en camerinos y que el maestro le firmara un montón de discos. Mi amigo freak, uno de los más apasionados, pioneros y radicales coleccionistas de música de cine que conozco (estamos hablando de un señor que ahora debe andar cerca de cumplir ochenta, si no los tiene ya) es “morriconesco”, como muchos pueden ser del Atleti o del Madrid . A muerte.

Porque Morricone, con todo ese bagaje a su espalda, aúna los dos tipos de música de cine, la intimista y de ambientes y la operística.

Operas dirigidas por Sergio Leone o Giuseppe Tornatore, pero también experimentos como las incursiones en el terror y la ciencia ficción o himnos políticos como “Sacco e Vanzetti”, “La batalla de Argel” o “Queimada” y por supuesto sus obras maestras para los grandes estudios : “Erase una vez en América”, “Los intocables” o los emocionantes tramos líricos de “Orca”  o “Giro al infierno”. Me seguirán hasta el final sus “obras menores”; canciones como “Metti una sera, a cena”, “El profesional”, “Libera, amore mío”, “Love Affair” o “Lolita” y tantas, tantas otras. Oigan el tema de Lilly y Frank de “En la línea de fuego” para comprobarlo: 

https://www.youtube.com/watch?v=3inQ64Vv5Uk

Morricone es toda la música de cine, y una gran parte de la banda sonora de nuestras vidas.

Hubo un antes y un después en el Festival Ibérico de Cine con la llegada de Jesús. Su homenaje como personalidad del audiovisual nacido en Extremadura , presentado en rueda de prensa en la SGAE, supuso una larga colaboración y amistad con nosotros, que se materializó en tres libros : sus propias y entretenidas memorias, las de Juan Luís Galiardo y el exhaustivo estudio sobre otro extremeño internacional: José Gutiérrez Maesso, el descubridor de Almería como tierra de westerns. Todos ellos y algunos más nos han ido dejando, de ahí la importancia de la colección de libros del Festival Ibérico y la Diputación de Badajoz como huella indeleble del talento de estos extremeños universales. Creo que lo que más ha hecho el Festival por la región es dejar esa colección de textos y documentos que, de otra manera, nunca hubieran existido o lo harían de forma fragmentaria o poco rigurosa.

Conocía a Jesús a partir de los Congresos de la Asociación Española de Historiadores del Cine, y luego por su colaboración con nosotros. Era un tipo divertido, sagaz, elegante y con un estilo literario en el que aunaba la entrevista periodística con la investigación bibliográfica que, en muchas ocasiones no necesitaba, porque el formaba parte de ese cine español que ya pasó. Era la memoria ambulante de los primeros tiempos de la Escuela Oficial de Cine. Sus críticas y reportajes de Festivales en la emblemática revista Triunfo; su labor como realizador en TVE y su su faceta docente en la Universidad de Alcalá eran complementados con un conocimiento en vivo y en directo de las noches de Madrid, de los personajes de un pasado cinematográfico en decadencia, de unos tiempos pletóricos y bien aprovechados. Ganador de prestigiosos galardones (dos premios “Muñoz Suay” a la mejor publicación de cine, entre otros muchos) sus libros culminan para mí en uno de mis textos de cine favoritos, “El imperio Bronston”, imprescindible para conocer ese momento dorado de la industria de las superproducciones en nuestro país y para todo aquellos que, más jóvenes que él, coleccionábamos por entonces los cromos de “El Cid” o “55 días en Pekín”. Jesús conoció a las mejores estrellas y realizadores que andaban por Madrid en los años sesenta y en cualquier reportaje que se ha hecho sobre la cultura en aquellos años aparecía él, incluso dando fé de su asistencia al concierto de los Beatles en España. Conocía las mejores anécdotas y tenía muchísimos amigos, entre los cuáles figuró el personal de nuesto festival. Incluso compartí reparto con él en un cortometraje titulado “El coto”, en el que nos reíamos muy seriamente de nuestra supuesta erudición. Con la muerte de Jesús García de Dueñas sigue desapareciendo la gran generación de escritores, realizadores y guionistas de mediados del siglo pasado. Una forma de escribir y vivir el cine que ya no volverá.

Esta película de ahora no tiene efectos especiales, ni música de John Williams; se aproxima más a un título de animación británico llamado “Cuando el viento sopla” (Jimmy Murakami, 1986), en el que un matrimonio de mayores que vive en el campo soporta con resignación las secuelas de un ataque nuclear sobre Gran Bretaña.

He perdido las dos o tres horas diarías fuera de casa, pero podría ser peor. Por ejemplo, que la cuarentena hubiera sido al revés: no dejar a la gente entrar en sus domicilios y tener que estar siempre rodeado de personas, animales y niños y al aire libre. En la soledad y el enclaustramiento residiría el virus y la vida social sería obligatoria para combatir la pandemia. Padeceríamos una inacabable romería sin fín con música de regetón , chistes andaluces y barbacoas, con decenas de cuñaos y suegras postizas. Gente por todas partes y un buen rollito que a la larga cansa.

Como no me saca nadie a pasear, pese a mi apellido, y formando parte de un grupo de riesgo, me entretengo con mis juegos, mis lecturas y mis películas . Mientras tanto, y siempre que nadie de mi pequeña familia caiga en esta lucha, me refugio si hace falta debajo de la cama, esperando que el profeta “Piter Pa” nos levante el castigo y ningún monstruo venga a vernos. Stephen King está harto de advertirnos.

Hará unos 15 años que intenté cubrir a paso ligero el cortísimo trayecto entre la orilla de Omaha Beach, en Normandía, y la primera línea de bunkers alemanes. Vestido de turista, sin peso adicional de equipo de combate. Tampoco llovía, era un día radiante de primavera. No había proyectiles de mortero cayendo a mi alrededor ni ráfagas de ametralladora Spandau. Aún así llegué al borde del colapso a las primeras pequeñas dunas preguntándome la cantidad de adrenalina que necesita un ser humano para enfrentarse a eso, por muy joven y en forma que esté.

Viendo la espectacular, aunque también intimista, “1917”, he vuelto a cuestionarme lo mismo, tras tantas películas bélicas llenas de propaganda política y de efectos digitales como la reciente “Midway”, que no es más que un video juego en el que ni siquiera tienes mandos con los que jugar. En el título que nos ocupa hay que hablar de “fisicidad”, autenticidad y sublimación del acontecimiento histórico sin importar la época, sino los seres humanos, sus heridas físicas, sus miedos y dudas.

Por supuesto que el plano secuencia que conforma el armazón estilístico de la película de Sam Mendes posibilita la inmersión emocional del espectador, pero tras la primera media hora se te olvida buscar dónde está el truco, dónde el fundido a negro o cómo logran las cámaras moverse entre angostas trincheras y aglomeraciones de soldados, sin extras digitalizados. Estás ahí, en medio de la guerra que acabaría con todas las guerras, en ese frente francés del que ya conocíamos el barro y los cráteres de los obuses llenos de ratas a través de títulos como “Senderos de gloria”, “La gran guerra” o “War horse”. Pero aquí hay más horror e infierno porque incluye las alucinaciones nocturnas de ruinas entre llamas y explosiones como en “Apocalypse now” o la “La chaqueta metálica”, y también las masacres de reclutas novatos de “Gallípolli” o el escepticismo de Sam Fuller en “The big Red One”. Si nos pareció un prodigio el plano secuencia de “Expiación” (Joe Whrigt, 2007) con la potente música de Dario Marianelli sobre una casi felliniana playa de Dunkerque, lo que hacen Mendes, la banda sonora de Newman y la dirección de fotografía de Roger Deakins con esta misma sintáxis es de antología.

“1917” no trata sólo de la primera guerra mundial, sino que es un desafío audiovisual y un compendio técnico de hasta dónde se puede llegar en el cine sin necesidad de confiarlo todo a la postproducción. 

Le caerán bastantes premios a la película si el mundo es justo pero deberían inventarse otros nuevos, como el premio a la mejor forma física de uno de los actores principales, corriendo en transversal al ejército que carga mientras tropieza y cae entre explosiones filmado en un perfecto trávellin o arrastrado por las aguas en una turbia madrugada.

En cuanto a la resurrección del músico Thomas Newman – aunque siempre ha estado ahí- es impecable. Su doble juego combinando los efectos sonoros con la elegía final va más allá de los convencionalismos del cine bélico al uso. Los aficionados al género esperamos que ésta no sea la película de guerra que acabe con todas las películas de guerra, que , junto con “Joker” y “Erase una vez en Hollywood”, son los tres títulos imprescindibles de la temporada.

Por cierto, ¿qué pintan Almodóvar y Antonio Banderas jugando en esta liga?

He estado en muchos de los grandes festivales de música de cine, participando, escribiendo catálogos o como espectador; he conocido la época dorada  en la que había dinero para traer a Morricone o Goldsmith a Sevilla o cenar junto a Maurice Jarre en el Hotel Alfonso XIII o los Encuentros de Valencia con Armando Trovajoli o Gabriel Yared .
Los Festivales de Música y Cine , las dos cosas que más me gustan y sobre las que más he trabajado, son caros y complicados de organizar, pero en Tenerife han conseguido lo impensable: programar seis conciertos a lo largo de dos semanas, junto con talleres de composición, homenajes, proyecciones, premios a las mejores bandas sonoras y actividades para escolares.
Sería exhaustivo comentar toda la programación y describir las emociones que me ha provocado  la 13ª edición de FIMUCITE. Lo único que lamento es no haber ido en ocasiones anteriores. Cada edición ha ido a más así que  tan sólo destacaré algunos momentos:

El concierto íntimo de Randy Edelman  (coautor de “El último mohicano”, entre otras bandas sonoras) que organizó el programa como una especie de autobiografía comentada, mientras que interpretaba canciones y temas instrumentales con el apoyo de un sexteto de cuerdas. Desde los tiempos en que éxitos suyos como “You”  (https://www.youtube.com/watch?v=BrIWKNqJYG0) le hicieron famoso gracias a los Carpenters, hasta  decepciones y desencuentros con editores y colegas del soundtrack. Interpretó , por supuesto, el tema de “Gettysburg” y el del “remake” de “Las diabólicas”. Entre compás y compás, citas a clásicos como el tema de amor de Espartaco. Me acordé de esa buena persona que era Alex North.

Como el 13 era el número de la edición, la cita obligada era el terror y no pudo ser más rotunda. “Mis terrores favoritos”se titulaba el concierto y obviamente sonaron las piezas de Waldo de los Ríos para Chicho Ibáñez Serrador https://www.youtube.com/watch?v=CG0mSmWFRok. También la nana de “La semilla del diablo”, o el “Ave Satani” de Goldsmith para “La profecía”. Orquesta y coros al máximo, dirigidos por Christian Schumann. Luego apareció un viejo conocido, el divertido y genial Cristopher Young para dirigir su suite “Arrástrame al infierno” y “Hellraiser”. Al día siguiente andaba por el cóctel de clasura con sus sempiternas botas tejanas y una bufanda de la selección española al cuello. En público y en privado afirmó que en USA no interesaba tanto la música de cine como en España.
Para cerrar la sangrienta y suculenta tarta de sustos y emociones, Harry Manfredini dirigió su suite de “Viernes 13” en la que descubrí un tema romántico impresionante y un movimiento en torno a un solo de batería que rebatían cualquier acusación que se le pudiera hacer de imitador de Bernard Herrmann.

La “piéce de force” de esta 13 edición ha sido el Drácula de Coppola, “live in concert”, con la película completa apoyada por la inmortal banda sonora de Kylar. Una coproducción con la Orquesta de Cracovia que ha eliminado cualquier reticencia que pudiera haber hacia lo pertinente de musicalizar una película moderna y con diálogos. La orquesta confiere al film una quinta dimensión imposible de conseguir con una reproducción digital por buena que sea; pero sobre todo demuestra el arte y la artesanía de un gran maestro, el compositor y director del Festival y de la Orquesta de Tenerife Diego Navarro, sincronizando música e imágenes  al estilo clásico, atendiendo por un lado a la partitura y por otro a un monitor que le da los “temp tracks”, las señales de entrada y salida de la música y el volumen de la orquesta para no tapar diálogos. El trabajo de restauración de la partitura y sincronización les ha llevado casi un año. Se estrenó en Cracovia y después en este Festival, hermano del anterior, y entrará en gira próximamente por la península . No se lo pierdan. La emoción era palpable en los rostros de las 1600 personas que llenaron el espectacular auditorio Adán Martín. Incluso se interpretó la conocida canción de los títulos de crédito finales. https://www.youtube.com/watch?v=UXTOGfHFkqM

El último día, con el programa “Campeones de la Gran Pantalla”, música para cine deportivo, me acordé de mi hijo ya que interpretaron “Oliver y Benji” y la pieza del “Street Fighther” para máquinas recreativas que tanto le gustaban cuando era pequeño. Tras temas míticos como “Hoosiers. Más que ídolos ” o “Rudy”-de nuevo Jerry Goldsmith-se sube al escenario Vince DiCola, el heredero de Bill Conti, ya que ha continuado la saga “Rocky”, con sintetizadores y efectos sonoros y apoyado por un excelente guitarra solista de la Orquesta Joven, así como de la orquesta en pleno. Temas adrenalínicos y con una par de canciones muy bien interpretadas por vocalistas locales. https://www.youtube.com/watch?v=ingPbmcNlkQ

Pepa y yo salimos casi levitando del auditorio de Tenerife, una gigantesca concha de Nautilus, obra de Calatrava, que parece flotar sobre el mar y con una enorme y espectacular terraza abierta a modo de ambigú. La emoción compartida, la perfección acústica y el buen gusto, así como el exquisito trato y puntualidad de la organización, me hacen añorar, ya en estas tierras aún sin lluvia, los dulces vientos del Atlántico con sabor a buena música. No me preguntéis por el Teide ni por las playas, porque no he ido esta vez. No hacia ninguna falta. Si el cuerpo lo permite volveré en la edición 14 e igual entonces me doy un bañito.

Muchas de las grandes películas del Oeste fueron en su momento obras de vanguardia: “Johnny Guitar”, de Nicholas Ray, “Grupo salvaje”, de Sam Peckinpah  o “Dead man”, de Jim Jarmusch

Ultimamente hemos visto excelentes neo-westerns ambientados en paisajes de diversas partes del mundo e inspirados en los clásicos. Rodados en Escandinavia o Australia, en Canadá o Sudamérica, mantienen la esencia del clasicismo aportando temas actuales (el papel de la mujer, el ecologismo, el racismo…) pero sin renunciar a los duelos, las cabalgadas o la venganza.

Ahora nos llegan dos títulos que utilizan el Oeste como escenario, pero cuyo lenguaje visual y su innovación en lo que respecta a modelos de producción y elegancia literaria los hacen vanguardistas. Una “nouvelle vague” del género que oscila entre los arquetipos del western y el cine de autor.

Uno de los títulos es para Netflix televisión :  “La balada de Buster Scroogs”, dirigida por los hermanos Coen. Con un formato de de episodios de muy distintos tonos y contenidos, son varias leyendas cortas sacadas de un libro ilustrado que oscilan entre el humor y el expresionismo. Un mosaico hecho de sombras y luces  que, sin ocultar sus referencias  a Leone, Huston, Pollack y Tarantino, su aparentemente arbitrario mestizaje culmina  en la historia final de la diligencia en la que pillamos de qué va la cosa. Una divertida mezcla entre Gene Autry, el vaquero cantante, y relatos que recuerdan a Ambrose Bierce, Jack London o Zane Grey. Uno se ríe en bastantes momentos de la película, pero al final la niebla congela esa sonrisa.

“Los hermanos Sister” es una multiproducción europea para salas de cine, dirigida por uno de los realizadores franceses que más me interesan de los últimos años, Jacques Audiard, (“De óxido y hueso”), rodada en España e interpretada por actores norteamericanos. De hecho es un encargo de uno de los actores principales, John C. Relly, y aparentemente es una historia de pistoleros a sueldo y buscadores de oro. Digo aparentemente porque aunque la acción transcurra a mediados del XIX y haya algún tiroteo, no es un western en el sentido canónico del término, pese a las armas y la importancia de la naturaleza y los animales. Creo que es una  metáfora del viaje errático de Ulises hasta volver a casa. Algo que, por cierto, hicieron los Coen también en O Brother

El “tempo narrativo” y la alternancia de secuencias cortas y largas, es cine de autor así como una fotografía que huye del esteticismo del paisaje para utilizarlo  como un personaje más, sin resaltar la belleza. Audiard ha subvertido de nuevo un género, tal como hizo con el carcelario en “El profeta”, para elaborar un discurso moral y simbólico en el que una serie de personajes lacónicos se expresan a través de sus actos y unos cuidados diálogos.

Alexander Desplat de nuevo toma las riendas de una original banda sonora basada en las danzas bárbaras de los hombres de la frontera y el lirismo nostálgico. Un auténtico placer para degustadores del mejor cine.      

Lejos quedan los tiempos en los que podías ver dirigir a Ennio Morricone o a Jerry Goldsmith en Sevilla o Valencia en escenarios como el Teatro Lope de Vega, el auditorio de la Maestranza o el Palau de la Música reservando entradas con algo de tiempo, pero sin demasiados problemas y a precios razonables. Se trata de salas con aforos en torno a 1000 espectadores y acústicamente diseñadas para música sinfónica.

Llama la atención cómo hoy día esos acontecimientos han alcanzado un poder de convocatoria similar a las actuaciones de famosos grupos internacionales y solistas de música ligera. Hans Zimmer ha vendido todo desde hace meses en sus actuaciones programadas en el Wizink Center de Madrid (antiguo Palacio de Deportes) y en el Altice Arena de Lisboa con aforos de entre 15.000 a 20.000 espectadores. Me explico lo de Zimmer, a fín de cuentas hay bastante música electrónica en su formación orquestal y muchos temas conocidos por el gran público (“Gladiator”, “Piratas del Caribe”, etc…), pero lo del concierto de Ennio Morricone en el citado Wizink de Madrid, me resulta más difícil de entender. Me imagino que tiene que ver con el hecho de que el maestro se retira, pero su música es más intimista, con menos efectos y fanfarrias. La mayoría  del público, teniendo en cuenta que Morricone tiene más de doscientas bandas sonoras acreditadas, conoce una mínima parte de su obra, esto es: la trilogía del dólar y “La misión”. Su repertorio en directo no ha variado mucho desde que vimos dirigir a su hijo Andrea Morricone en el el Teatro Romano de Mérida hace unos años, incluyendo la participación de Dulce Pontes.

El precio de las entradas para estos eventos oscila entre los 70 euros (localidades en las que me imagino que se verá y escuchará regular, habida cuenta de la magnitud de los recintos) y los 200 euros. Y está todo vendido, “sold out”, como en una gran final de fútbol.

Esperemos que estos éxitos animen a que siga la racha de grandes conciertos de música de cine.

John Williams, el compositor de cine más conocido de la historia, tuvo que suspender algunas actuaciones el otoño pasado en su gira por Europa por problemas de salud, así que yo me he conformado con ir a Salamanca, a su magnífico auditorio del Palacio de Congresos, para asistir al concierto homenaje de la Film Symphony Orchestra  en gira con dos programas dedicados a la obra del autor de “Star Wars”. En dicha gira ofrecen más de 60 conciertos en España y Portugal.

Mis expectativas se han visto colmadas. Esta orquesta, de origen valenciano, se ha ganado un merecido éxito, llenando en todas las ciudades gracias a una sabia elección del repertorio en el que alternan los grandes éxitos del músico de Spielberg y Lucas con cosas menos conocidas como la fanfarria de los Juegos Olímpicos de Los Angeles o los arreglos que hizo para “El violinista en el tejado” y, sobre todo a una gran maestría en instrumentación y dirección.

El objetivo del concierto es el de llegar a público de todas las edades y formación mediante efectos visuales (en un momento determinado los arcos de violines y cellos se convierten en espadas láser) y en las explicaciones que da el director Constantino Martínez Orts antes de cada pieza. Los arreglos en forma de breves suites y la excelente sonoridad dan un gran dinamismo a las dos horas y media de música. También incluyen una brevísima pieza de 30 segundos en la que suenan diez famosos fragmentos de música de cine que hay que identificar para participar en un concurso. Un estimulante y ameno show al que aún pueden asistir en algún sitio próximo. El más cercano geográficamente es el 4 de Mayo en Lisboa. Para la temporada que viene anuncian como tema monográfico “La mejor música de cine en clave de jazz”.

Sigo frecuentando el cine comercial y, si está relacionado con el mundo del cómic, como buen coleccionista que me considero, más aún. Sin embargo nunca me llamó la atención el género “manga”, aunque la película “Akira” se puede considerar un clásico, así como “Gosth in the Shell” o “Perfect blue”, pero no he leído los cómics en los que estaban basados. Aún así sigo admirando la capacidad expresiva del “anime” japonés y su aportación a la estética actual de la ciencia ficción, de ahí que no tenga más remedio que afirmar que “Alita. Angel de combate” suponga la aparición de una nueva etapa dentro del género. Una etapa –imagen real y buenos efectos especiales- que inauguró Guillermo del Toro en “Pacific Rims” y que ahora otro mexicano, Robert Rodríguez, convierte en un subgénero con muchas posibilidades. Supongo que para los chavales que se hicieron adictos a los “manga” en los ochenta, esta película debe ser clasicismo puro. Imagino también que desconocen un antiguo título que tiene bastante que ver con el argumento de esta película:  “Rollerball”, la versión protagonizada por James Caan. “Alita” puede ser una piedra angular para futuros proyectos, similar a lo que supusieron las primeras producciones sobre superhéroes Marvel.

He disfrutado, pese a que por edad no debería formar parte del público habitual, con ese universo neonazi y apocalíptico que se nos ofrece, con momentos sentimentales previsibles, pero con muy buenos hallazgos visuales. Incluso hay una secuencia en la que Jenniffer Connelly, inolvidable Deborah de “Erase una vez en América”, muestra que la madurez es una gran aliada de la sensualidad elegante.

Espero que, cuando los jóvenes consumidores actuales tengan mi edad, no despotriquen del cine (si es que sigue existiendo) que se haga en su vejez, y digan que los superhéroes de ahora sí que eran grandes clásicos y lo demás basura. Esto viene a cuento de un artículo publicado recientemente en el que se alaban las virtudes de las películas de Samuel Bronston y John Ford a través de iconos de la pantalla como Charlton Heston (el “homo históricus” por excelencia) o John Wayne, “El Duque”. Películas que he visto y sigo viendo y escribiendo sobre ellas ya que han forjado la historia del siglo XX en sus personajes y actitudes. Obras maestras.

Pero de eso a decir que el cine actual está lleno de títulos (y cito textualmente) “procaces, violentos y cochinos”, hay un abismo. Afortunadamente el cine no es como el fútbol, en el que uno es forofo de un club y lo defiende pese a que el rival juegue mejor. Lo clásico tampoco es lo opuesto a lo moderno ni a lo actual. Hay clasicismo hoy, al igual que había productos decadentes o innovadores en el siglo pasado. Cuando daba clase en la Universidad de los Mayores y los alumnos me salían con este argumento de que las películas actuales eran violentas y casi porno, les recordaba que el momento en el que el cine fue más agresivo, más lleno de sexo y de violencia fue en los setenta, cuando éramos jóvenes, y  Eloy de la Iglesia, Sam Peckinpah y epígonos o las comedias sexuales reventaban las taquillas, por no hablar de Passolini, el cine clasificado “S” o los seudo documentales como “Holocausto caníbal”.

Ni las películas, ni las obras de arte en general se descartan unas a otras como los hinchas del Real Madrid a los del Barcelona. Yo soy de Rembrandt y tú de Velázquez. Yo de Ken Follet y tú de Stephen King.

Conceptos como clásico, barroco, vanguardismo o modernidad suelen aplicarse de tan mala manera que tienden a privar al arte de unos de sus factores fundamentales: el dinamismo histórico, la intertextualidad, los valores y las nuevas lecturas que el tiempo les da y les quita.

Así que seguiré esperando la próxima de Los Vengadores, pero también que sigan sacando buenas copias remasterizadas del gran cine de nuestra adolescencia.