Hoy

img
Lo que no se da se pierde
img
Buzalén | 14-06-2017 | 15:50| 0


Hemos compuesto esta canción  “dar para dar” reivindicando la existencia de otra clase de riqueza superior al dinero, al poder, a lo material…. Hay otra clase de verdad que sobrepasa las fronteras de lo sensible, de lo científico, de lo que podemos palpar. Hay algo más allá del porqué de las cosas y del sentido común de las personas, algo que se conoce como el AMOR. “No sin los demás” podría ser el cimiento que sostiene nuestra vida.
Consumimos nuestro día a día rodeados de personas, desde que nos levantamos hasta que vuelve a salir el sol. Nos relacionamos con ellas, conversamos, negociamos, intercambiamos opiniones, las escuchamos. Nos cruzamos con cientos y cientos diariamente, a cada minuto, y de pocas, muy pocas de ellas, sabemos algo más que el color de la camisa que llevaba puesta, y a veces ni siquiera eso.

Decía Hobbes que el ser humano es egoísta por naturaleza, que sólo piensa en su beneficio propio, que la sociedad está compuesta por una multiplicidad de seres individuales conducidos por sus propias pasiones. De alguna manera nuestra vida la integran las cosas que nos gustan, lo que se nos da bien hacer, a lo que estamos acostumbrados pero, ¿ por qué no no hacer precisamente del “ser con los demás” una de nuestras pasiones?

Siempre hemos escuchado que cada persona es un mundo, pero esos mundos, cada uno de esos mundos que componen este desmesurado y frágil globo en el que nos ha tocado vivir, tienen mucho que ver, y se necesitan para poder seguir hacia delante. Es verdad que no todas las personas son iguales, pero hay algo que acerca a todo el mundo, y es la capacidad de amar…Hay tantas maneras de amar y tan pocas que sean auténticas.

El voluntariado es una de ellas. Es uno de los caminos que cientos de personas han emprendido y han prensado hasta el último momento, quizás de los que más se acercan a la realidad. Palpar con tus propias manos los problemas de los demás, secar sus lágrimas, escuchar palabras en las que no hay oquedad, devolver una mirada con sentimiento, y que con una sonrisa se pueda conseguir hacer el día de alguien.

Vamos con la idea de intentar dar lo que podamos de nosotros mismos, solemos pensar que no seremos capaces, que se nos quedará grande. Pero es que sólo el hecho de llegar con las manos vacías, y volver con las manos a rebosar de miradas, personas, historias…Eso, eso no sabes lo que se siente hasta que no lo vives en tu propia piel. Al fin y al cabo, todo lo que tenemos en esta vida, material o no, termina desprendiéndose de nosotros, por lo que cabría apoyarse en un proverbio Indio que sabiamente dice así: “Todo lo que no se da, se pierde”. Verdaderamente, vuelven a ser simples y ligeras palabras que no pasan a ser más que eso, palabras, y lo seguirán siendo hasta que estemos lúcidos ante la POSIBILIDAD de amar, porque hasta que no seamos conscientes de que ese más allá en el que creemos, o por lo menos que queremos alcanzar, es posible, no daremos ese paso hacia los demás.Tenemos muy presentes a todos aquellos que entregan su vida para que los demás puedan ser más felices; Nemesio, Rubén, Hermana Carmen …conjugando el verbo amar en presente.
Recordamos hoy con nuestra canción también a Dominique Lapierre, un escritor francés, que entre 1954 y 1967 trabajó como reportero para la revista Paris Match. Su libro más importante y conocido, “La ciudad de la alegría”, se desarrolla en Calcuta y cuenta la historia de los habitantes de un miserable barrio de chabolas. Allí, el autor pasó dos años investigando y documentando la vida de sus vecinos, conviviendo con afectados por la desigualdad social, desempleo, la enfermedad y la miseria. El libro vendió millones de ejemplares en más de treinta idiomas. Cumpliendo con una promesa, el autor destinó la mitad de las ganancias a los habitantes del barrio de chabolas. A continuación, dio conferencias y organizó colectas cuyo traspaso a la India él mismo supervisó, lo mismo que el cumplimiento de las obras. Además de obras destinadas a mejorar la salud de los habitantes, realizó obras de irrigación en los terrenos de las aldeas de campesinos de pocos recursos. Basada en su libro, en 1992 se filmó la película La ciudad de la alegría, dirigida por Roland Joffé.

Ver Post >
En el despertar del dolor
img
Buzalén | 29-05-2017 | 21:26| 0

Van pasando los días y crece la angustia del pueblo de Hornachos ante la ausencia de noticias sobre el paradero de nuestra vecina Francisca Cadenas que desapareció el pasado 9 de Mayo. Toda su familia, sus amigos y vecinos la buscan incesantemente y desde este humilde espacio reclamamos a las autoridades competentes que no escatimen medios ni recursos en su búsqueda, que se pongan por un momento en la piel de esta familia y recapaciten.

En estas circunstancias se hace especialmente difícil hacer música pero hemos rescatado esta obra para guitarra del maestro Andrew York titulada “en el despertar del dolor” (in sorrow’s wake) que describe muy bien la situación emocional que vive nuestra comunidad, la angustia que nos embarga pensando en Francisca y su familia. Es una pieza para  que la guitarra hable… a nosotros pocas palabras nos quedan.
Gracias a María Teresa Expósito por compartir con todos estos cielos espectaculares de nuestro pueblo que aguardan, como el pueblo entero, que Francisca esté pronto entre nosotros sana y salva.

Ver Post >
Siempre te voy a esperar
img
Buzalén | 21-05-2017 | 16:41| 1

El pueblo de Hornachos aguanta la respiración desde que el pasado 9 de Mayo nuestra vecina Francisca Cadenas desapareciera de forma inexplicable, dejando a su familia y a todos los que la conocíamos sin saber qué hacer, más allá de seguir buscándola por las cercanías, compartir su imagen en los medios de comunicación, enviar carteles e intentar implicar en su búsqueda a todos aquellos que puedan dar alguna pista sobre su paradero.

Hoy nuestra canción es prácticamente una oración a la que todo el pueblo de Hornachos se une… “siempre te voy a esperar”, solidarizándonos con la impotencia que siente esta familia destrozada que ve pasar con angustia los días sin recibir noticia alguna;¿de dónde se sacan fuerzas para seguir luchando, para seguir buscando, para seguir aguantando?

Esperar, como una prueba de amor, firmes en la convicción de que vas a volver, de que vamos a encontrarte… en esta espera, en esta búsqueda, cada uno arrima el hombro como puede, nosotros desde la música, el respeto y la esperanza.

Ver Post >
la Allemade, la danza melancólica
img
Buzalén | 04-05-2017 | 21:09| 0

En nuestros conciertos, además de temas propios, nos gusta presentar piezas para guitarra que nos acerquen a la grandeza y sonoridad de este instrumento que tanto amamos. Tal es el caso de esta “Allemande” (danza alemana) de J.S.Bach perteneciente a una composición muy popular en la música barroca denominada “suite”.
Una suite (del francés: suite) es una composición musical compuesta por varios movimientos breves cuyo origen son distintos tipos de danza barroca. La suite está considerada como una de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno. Para que se mantuviera la unidad interna, todos los pasajes de una suite se componían en la misma tonalidad, o en su relativo menor. Otras veces se presentaba un tema musical en diferentes danzas. Por ello se ha considerado este género un antecedente de la forma sonata que se origina en el siglo XVII.
Las danzas tenían una forma binaria simple, es decir, dos secciones más o menos iguales. Una suite constaba de unos diez movimientos. Solía comenzar con un preludio. La primera danza podía ser una alemanda, de ritmo rápido; luego una corrente y una zarabanda; una bourrée, de tiempo moderado, y así sucesivamente, para finalizar con una danza viva, como la giga. Al finalizar el barroco, la suite fue una forma musical sofisticada que mezclaba distintas tonalidades, contrastaba materiales temáticos presentándolos al inicio de la pieza y reexponiéndolos en su final. Anuncia, en definitiva, el origen de la sonata, que reemplazará a la suite como género instrumental en la segunda mitad del siglo XVIII. En resumen, la suite es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter y ritmo, con el que consigue dar el sentido dramático de «contraposición», típico del Barroco.

Johann Sebastian Bach conocía la música francesa de su época, incluida la de François Couperin. Tuvo acceso a ella por primera vez al escuchar a la orquesta de la corte francófila de Celle durante sus años escolares de Lüneburgo (1700—1702).
El término alemanda proviene del francés allemande, y se utiliza para denominar esta danza alemana barroca. Todo el conjunto de testimonios y las piezas musicales que han llegado hasta nosotros no ofrecen pruebas de ningún acento de alegría vivaz, por el contrario, la belleza de la alemanda reside en su gracia más bien lenta y fluente, sobre todo de los brazos, y en la principal de sus características, o sea, que las parejas permanecen unidas de las manos a lo largo de todas las “vueltas y evoluciones de la danza”. Praetorius (en Syntagma musicum, 1619) escribe: “Allemande designa una breve canción o danza germana, porque Alemagna significa “Alemania”, y Alemand, un “alemán”. Pero esta danza no es tan ágil y diestra como la gallarda, sino por el contrario algo melancólica y más lenta.” Al abandonar su primitiva herencia de pesadez germana, adquirió características más atrayentes de sentimiento y ternura.

Ver Post >
Volver a la tierra
img
Buzalén | 09-04-2017 | 16:37| 0

Desde tiempos inmemoriales los pueblos de la antigüedad reverenciaron el enorme poder que provenía de la Madre Tierra. Esta reverencia se reflejaba en el respeto por todo lo sagrado, las montañas moradas de lo divino, los bosques, ríos y manantiales. Este respeto por la naturaleza se ha ido perdiendo y con él, hemos ido perdiendo el rumbo; desviándonos hacia un hambre ciega, sin sentido, derrochadora de recursos.

Imposible no recordar el texto del Jefe indio Seattle al presidente de los Estados Unidos “¿Cómo se puede comprar o vender el cielo o el calor de la tierra? Esa es para nosotros una idea extraña. Si nadie puede poseer la frescura del viento ni el fulgor del agua, ¿cómo es posible que usted se proponga comprarlos? Cada pedazo de esta tierra es sagrado para mi pueblo. Cada rama brillante de un pino, cada puñado de arena de las playas, la penumbra de la densa selva, cada rayo de luz y el zumbar de los insectos son sagrados en la memoria y vida de mi pueblo. La savia que recorre el cuerpo de los árboles lleva consigo la historia del piel roja. El agua que se escurre por los riachuelos y corre por los ríos no es apenas agua, sino la sangre de nuestros antepasados. Si les vendemos la tierra,  deberán recordar que es sagrada, y deberán enseñar a sus niños que es sagrada y que cada reflejo sobre las aguas limpias de los lagos hablan de acontecimientos y recuerdos de la vida de mi pueblo. El murmullo de los ríos es la voz de mis antepasados”.

Incluso en el relato de la Creación del Génesis el primer hombre recibe el nombre de “Adán” porque Dios lo había formado del polvo de la tierra, la “adamah”, de manera que los dos términos y sus detinos quedarán unidos para siempre, lo que le ocurra a uno le pasará factura al otro y el daño que le ocasione se volverá en su contra.

En palabras de uno de los grandes poetas de nuestro tiempo, Joan Baptista Humet, “hacer del sol nuestro aliado, pintar el horno ajado y volver a respirar”. O como diría Raimon poner la cara “al viento” en una canción que está a punto de cumplir sesenta años y que nació un día que iba de paquete en la vespa de un amigo hacia Valencia y le daba el viento en la cara. Todo lo demás hervía en su cabeza a sus diecinueve años. Al final del trayecto la canción estaba hecha. Se trataba de un himno tan potente que agrietó la costra que apresaba a varias generaciones.

Desde nuestra Extremadura, uno de los últimos paraisos que quedan, queremos aferrarnos a la tierra y defender lo que constituye nuestra esencia y nuestro futuro.

Ver Post >
Chanson de Primavera
img
Buzalén | 20-03-2017 | 08:32| 0

Hoy recreamos esta preciosa “chanson” francesa de principios del Siglo XVI, al que nos hemos acercado anteriormente con compositores como Juan Vázquez o Dowland. Se unen en esta pieza de amor cortés el talento musical de Claudin de Sermisy, que desarrolló su producción en la corte de Francisco I y los versos de Clement Maron que ya en 1515, ofrece a dicho monarca, un libro de versos titulado, El Templo de Cupido. El Rey lo recomienda a su hermana Margarita que lo convierte en secretario de su marido, el duque de Alençon, al que acompañará en sus campañas.

Al morir el Duque de Alençon en 1525, se venga de una enamorada suya, publicando Elegía primera para una Dama. Ésta, a su vez, se venga denunciándolo por haber comido tocino durante la Cuaresma. Es detenido, acusado de herejía y llevado a la cárcel de Châtelet. Consigue salir gracias a su amigo Lyon Jamet y al obispo de Chartres, Louis Guillard. Para dar las gracias a su amigo compone la Epístola a su amigo Lion. En esa misma época, escribe su poema El Infierno, inspirado en su estancia en prisión.
Finalmente es víctima de la persecución del rey contra los luteranos, se ve obligado a exiliarse y finalmente fallece en Turín. Tradujo a Virgilio, a Luciano (c. 1511-1514), a Ovidio (1533) y a Petrarca (1538). Es el autor del primer soneto en lengua francesa; además, escribió rondeles, baladas y otras formas estróficas, características de los grandes retóricos.
La parte musical corresponde a Claudin de Sermisy, como señalamos al principio, que fue uno de los más famosos compositores de chansons populares en francés a principios del siglo XVI, además fue un destacado compositor de música sacra. Su música influyó y se vio influida por los estilos contemporáneos italianos. Esta pieza es al mismo tiempo una canción de amor no correspondido (a qué viene esto, hermosa dama, os suplico….) y una oración atribuida a Rey David, el salmo X del libro de los salmos… Oh Señor, ¿por qué permaneces tan distante?¿Por qué te escondes cuando estoy en apuros?….También coexiste su versión para laúd/vihuela y voz, con la versión polifónica a 4 voces.

En su momento la pieza supuso todo un hit en la música europea, tanto en su versión profana como religiosa, en el contexto reformado se publica en Ginebra y Amberes y en el católico patrio tenemos la versión de Antonio de Cabezón para órgano (obras para tecla, arpa y vihuela) publicada por su hijo Hernando en 1578 en Madrid. Curiosamente la escribe como se pronuncia “duviansela“.

Ver Post >
Romance de Don Boyso
img
Buzalén | 08-03-2017 | 17:21| 0

Federico García Lorca grabó para “La Voz de su Amo”, en 1931, cinco discos gramofónicos con diez temas de su “Colección de Canciones Populares Antiguas”. El propio García Lorca tocó el piano, acompañando a “La Argentinita”, bailarina y cantante (tocando también las castañuelas). Estas grabaciones, están consideradas como los documentos sonoros más personales que se han conservado del artista granadino. Los discos de “La Voz de su Amo” salieron al mercado en la primavera de 1931 y tuvieron un gran éxito. Federico, quien además de intérprete, había recopilado y armonizado dichas canciones, se reveló una vez más como el artista polifacético que era, mientras que la interpretación de “la Argentinita” fue considerada todo un exponente de la sencillez, la gracia y el sentimiento que requiere el “canto popular” (desde el criterio intelectual del momento).
Los romances representan un compendio de sabiduría popular, muchos recordaremos a nuestras abuelas recitando romances que pasaban de padres a hijos, de generación en generación. Lorca recogió este “romance de Don Boyso o Romance de la cristiana cautiva” que vuelve a situarnos en la frontera medieval entre tierras de moros y de cristianos.

El Romance de Don Boyso, es uno de los legados orales más representativo de la Edad Media Leonesa que ha pasado por diferentes modificaciones a lo largo de la historia. En este romance han quedado recogidas diferentes versiones, muchas de ellas tomadas en Tradiciones Orales Leonesas II, Romancero General de León II, desde San Martín de Agostedo, Quilos, San Clemente de Valdueza, Vierdes, etc. y muchas más. No obstante la belleza de la melodía, la genial adaptación de Federico García Lorca y su pasión por la música sefardita, una mezcla judío árabe mayormente integrada en sus escritos. Don Boyso, caballero cristiano, va a tierra de moros buscando una esposa; cree encontrar a una judía, pero le propone bodas si se hace cristiana, descubriendo luego que ha rescatado por azar a su propia hermana Rosalinda, que estaba cautiva. La música que acompaña al mencionado romance es música sefardí.
Musicalmente, si se busca la partitura de la canción, se puede notar una complejidad musical. La voz nos deleita, haciendo que esta historia sea una más interesante y dulce para el oído. En la música sefardí se utilizan los registros agudos de la tesitura vocal. A principios del siglo XIX se menciona la presencia de la guitarra, el violín y la pandereta. Es un canto individual, ya que al estar cargado de melismas, con libertades rítmicas, dificulta mucho el canto grupal. El romance sefardí es fundamentalmente monódico. Generalmente son puramente silábicas, es decir, una nota por cada sílaba, pero también con abundante ornamentación y flexibilidad melódica.
Así pues en Don Boyso encontramos la influencia de la música sefardí y las fronteras de moros y cristianos en la tradición oral.

Ver Post >
Para ti, Lucía.
img
Buzalén | 24-02-2017 | 06:07| 0

Hoy versionamos de nuevo al gran Joan Manuel Serrat que arrancó su carrera en la Nova Cançó Catalana. Serrat encontró problemas con la censura muchas veces, sin embargo, siguió creando canciones que exploran temas políticos y sociales, usó sus experiencias en una manera creativa para expresar sentimientos sobre la vida real, sobre España, su gente, y sus líderes. En el estilo musical de Serrat encontramos una combinación de ironía, pura honestidad, y una habilidad por presentar la vida como es.

El texto lírico de «Lucía», de verso libre, tiene la forma de una carta, escrita con tremenda intensidad emotiva, pero casi a fondo perdido, sin certeza alguna —y más bien sin esperanzas— de que llegue a su destinataria: «es una carta de amor, que se lleva el viento pintado en mi voz, a ninguna parte, a ningún buzón». El autor casi no habla de Lucía en el poema, no la describe, no da señas sobre ella, ni ensalza directamente sus características. La letra está centrada en lo que Lucía ha producido en él («si alguna vez fui bello y fui bueno, fue enredado en tu cuello y tus senos»). Lucía es esencialmente maravillosa por cómo lo hizo sentir a él y por la huella imborrable que le ha dejado de esos sentimientos sublimes.

Muchas veces le han preguntado a Serrat en entrevistas por la existencia real de Lucía, pero el artista elude aportar detalles: «no hay mucho que contar. Como dice el bolero, es lo que pudo haber sido y no fue. Pero también fue lo que fue y, a fin de cuentas, en la vida lo que queda es lo que cuenta». Sin embargo, hay versiones periodísticas que señalan que Serrat habría confesado que su canción relata una historia real, de modo que Lucía, según esta fuente, habría sido un viejo amor a quien el cantautor jamás pudo olvidar, llegando incluso a llamarla el día de su boda para recordarle que la seguía amando...

El cantautor cubano Santiago Feliú confirmó en 2011 la versión acerca de la boda de Lucía, revelando que habría escuchado esto directamente de Serrat en 1997. La anécdota aparece en un artículo de prensa en el que Feliú se refiere a la gran influencia que ejerció esta canción en su propia formación como compositor. Relata que muchas veces cantó «Lucía» y siempre sostenía que «esta es la mejor canción de amor que existe». Le parecía perfecta porque reunía todas las características deseables para un tema musical de amor: «una melodía ingeniosamente elegante que se podía manejar con la guitarra (aunque la conocí ya orquestada), un texto que combinaba líneas muy directas y otras más metafóricas, y el tema del amor perdido, la nostalgia, cierto desamor por tanto amor». Además de confesarle que le parecía una maldad haber llamado a Lucía en el día de su boda, Serrat le habría dicho a Feliú en esa oportunidad que ya no recordaba si había escrito esta canción antes o después de la boda de Lucía, un olvido que a Feliú le pareció muy gracioso.
René León —quien ha mantenido una extensa relación de colaboración y amistad con Serrat durante casi medio siglo, siendo promotor y productor de sus giras en México— se ha referido en entrevistas a la canción «Lucía», señalando que sería una de las canciones más solicitadas por el público en los conciertos y presentaciones en vivo del artista. También él aporta su versión sobre una «Lucía real», relatando que la canción habría sido compuesta para una azafata de Iberia de quien Serrat habría estado enamorado en aquella época, señala además que por aquellos tiempos el artista era «un auténtico galán conquistador, impactante para el género femenino». El propio autor solo dice que aunque quedó inmediatamente satisfecho con el resultado de su composición en cuanto acabó de escribirla, hubiese preferido no tener que escribir jamás nada como esa canción «porque eso significaría que no habría sufrido por amor».

Ver Post >
Siempre Carlos
img
Buzalén | 06-02-2017 | 05:59| 1

Hoy nuestra guitarra y nuestra voz recuerdan a Carlos Cano, maravilloso cantautor y poeta andaluz que recuperó estilos tradicionales, y muy especialmente la copla andaluza, género que contemporaneizó para liberarla de la apropiación que el franquismo había hecho de la misma. Su versatilidad como compositor, capaz de escribir cuecas, tangos, boleros, rumbas, sambas, nanas, coplas, murgas carnavaleras o temas intimistas acompañado por tan sólo su voz y su guitarra o por una orquesta, unida a la calidad y emotividad de sus textos, hacen de Carlos Cano un personaje destacado dentro del panorama musical iberoamericano.

Compositor muy prolífico, entre sus temas más conocidos caben destacar “Verde, blanca y verde“, “María la Portuguesa“, “La murga de los currelantes“, “Tango de las madres locas“, que hoy recuperamos,“Que desespero“, “Habaneras de Cádiz“, “Un vaso de té verde” o “La metamorfosis“, entre otros. En su juventud, como tantos miles de andaluces, emigró a Suiza y Alemania buscando trabajo, experiencia que le marcaría profundamente y que se vería reflejada en su obra posterior en temas como “La miseria” o “El Salustiano“, donde reflejó la pobreza y la tristeza por tener que abandonar su tierra para cambiarla por los grises paisajes industriales del norte de Europa más favorecido económicamente.

En 1969, junto con Juan de Loxa, Enrique Moratalla y Antonio Mata, crea el Manifiesto Canción del Sur y comienza a cantar en la Universidad, acompañado por su guitarra y su característica voz trémula, que se convertiría en una de sus señas de identidad. Lo hace teniendo como referente una memoria familiar republicana, ya que su abuelo había sido fusilado al comienzo de la Guerra Civil Española, en 1936, siendo acusado de socialista radical y fusilado en Granada dónde era capitán de la fábrica de pólvora de El Fargue. Sus primeros discos durante la etapa de la Transición Española y el tardofranquismo, son marcadamente políticos y sus canciones se unen a la reivindicación general de una España democrática y al resurgimiento de la identidad andaluza y la consecución de su Autonomía, “ser andaluz es la forma que yo tengo de ser persona”, decía inspirado en las palabras de Blas Infante.

Un artista que ha marcado para siempre el devenir de los que amamos la música tradicional con su talento y sensibilidad. En la obra que recuperamos hoy realiza un homenaje sentido y honesto a las madres de la Plaza de Mayo, asociación argentina formada durante la dictadura de Videla con el fin de recuperar con vida a los detenidos desaparecidos, inicialmente, y luego establecer quiénes fueron los responsables de los crímenes de la humanidad y promover su enjuiciamiento.
La cifra de personas detenidas-desaparecidas se estima en unas 30.000. Es el número que obtuvieron los organismos de derechos humanos a partir de las denuncias y la estimación de casos no denunciados. Según el libro Nunca Más, informe de la CONADEP (Comisión Nacional sobre la Desaparición de Personas), las víctimas del terrorismo de Estado fueron unas 9.000 personas, porque sólo cuentan los denunciados hasta 1983.
Sobre este hecho tan tremendo para la historia mundial, y en particular para la Argentina, Cano compuso la canción con música y letra para dejar constancia de los hechos y denunciarlos.
Los perseguidos, las víctimas, iban a desaparecer. No iban a estar más: secuestrados y esfumados de la noche a la mañana. Los militares creían que al no haber cuerpos, al no haber pruebas ni quedar en evidencia, nadie podría acusarlos de crimen alguno. Eso es el terrorismo de Estado. Las Fuerzas Armadas se dedicaron a la muerte clandestina, mientras en público sus jefes iban a misa a ser bendecidos, a comulgar, y a la salida sonreían. En sus discursos hablaban de la ley, el orden, la paz y el progreso. Empezó la cacería. Zonas liberadas, gritos en la noche, secuestros de gente indefensa, la absoluta desaparición de la justicia.

En esa noche, hubo un parto. En medio de la oscuridad, un alumbramiento. Nació una historia. Muchas madres y padres salieron a buscar a sus hijos. Salieron de sus casas, salieron del útero de su rutina habitual a enfrentar al aparato represivo más imponente de la historia del país. Llevaban impresas en la piel la desesperación y el amor, y de allí les nació el coraje. Recorrieron hospitales, caminaron juzgados, se atrevieron a ir a comisarías y cuarteles. Buscaron a las morgues. Nadie sabía nada. La ley del silencio. Cada día era la esperanza de una noticia. Cada noche era la frustración del silencio.
Los padres, poco a poco, volvieron a sus trabajos… ellas esperaban.

Ver Post >
Acuarela Extremeña
img
Buzalén | 22-01-2017 | 09:41| 0

Hoy compartimos esta entrañable canción de Toquinho que hemos interpretado en Canal Extremadura televisión para el programa Extra tarde. Hijo de Diva Bondeolli y Antonio Pecci, comenzó temprano su interés por la guitarra. En su infancia su madre lo llamaba «toquinho da gente» (‘toquecito mío’). Seguiría entonces con el apodo Toquinho. Su tema más popular es Acuarela y “por increíble que parezca, fue hecho en diez minutos. “El músico italiano Maurizio Fabrizio fue para Sao Paulo a trabajar conmigo para una serie de canciones que serían grabadas en italiano. Y la primera que hicimos fue esa. La letra original es de Guido Morra, yo la traduje al portugués”. Acuarela fue el título del álbum que publicó el guitarrista y cantante brasileño Toquinho (Antonio Pecci) en 1983 en versiones para los mercados brasileño, español e italiano. El otrora compañero del poeta y letrista Vinicius de Moraes (1913-1980) no tuvo suerte en su propia tierra, pero cosechó un gran éxito en España e Italia. Estas dos versiones incluían tres temas cantados en portugués, cinco en el idioma del país y dos instrumentales.
Toquinho comenzó su carrera a los 17 años, trabajando para Chico Buarque. En 1968, en compañía de Jorge Ben grabó su primer gran éxito “Qué maravilha”. Esa grabación lo llevó a París donde realizó un gira por toda Francia al lado de Joshephine Baker y Buarque. A su regreso se encontró con el poeta Vinicius de Moraes. Una cita histórica que transformó la música brasileña. Fue Toquinho quien interpretó la guitarra en la canción más famosa del bossanova: La chica de Ipanema. En 1980 se unió a María Creuza, con quien realizó un gira de más de cincuenta presentaciones. Al final de es año participó en una gira por Argentina donde presentó el que sería su último disco con Vinicius, Un poco de ilusao.

A comienzos de 1982 realizó varias presentaciones en Colombia y el segundo semestre de ese año se trasladó a Italia, donde trabajó con el compositor Maurizio Fabrizio, con quien compuso Acuarela, una de sus canciones más conocidas. El disco fue lanzado en el Festival de San Remo de 1983 y obtuvo un disco de oro en Italia, convirtiéndose en el primer artista brasileño que logra esta distinción en ese país. Otro trabajo memorable de Toquinho es Luz do solo, disco acústico en el que interpreta solo melodías de los Beatles. El último trabajo discográfico de Toquinho data de 1992 cuando grabó O viajante de sonho. María Creuza, la mujer que lo acompañará, es originaria de Salvador, capital del estado de Bahía. Fue descubierta en un concurso de aficionados por Vinicius De Moraes quien la llevó a Rio de Janeiro y la bautizó la chica de Bahía , todo un honor viniendo del autor de La chica de Ipanema.

( Compartimos aquí el extracto de una entrevista publicada en Chile en el 2006)

-Referente a tu relación con Vinicius, dijiste que tuviste un matrimonio sin sexo con el poeta durante esa época…
-(Risas). Es que era exactamente así. Él era una persona increíble, pero muy celoso de la “parcería”. Estábamos como casados, porque estábamos siempre juntos, trabajando y viajando. Yo no podía hacer canciones con Chico Buarque u otro artista porque él se quedaba muy mal. Una vez se enteró de que estábamos creando una canción con Chico y llegó con una frase para que la incluyéramos. Insistió mucho, sólo para estar en medio.
-Pero le compusiste una canción con Buarque…
-Sí, pero esa vez no le quedó otra que comerse los celos. Lo que pasó es que yo le había hecho una melodía sin palabras. Me pareció que era para Vinicius porque se asemejaba mucho al canto de un gato que se pierde en las calles oscuras de la noche y el poeta era un poco así. Llegué a su casa y le conté: Hey, hice una canción para ti. Él la escuchó cinco o seis veces y después me dijo con mucha simplicidad: “Mira, Toquinho, como no tiene palabras la melodía, ¿por qué no la regalas a todos los poetas brasileños para que me hagan un homenaje?”. A mí me pareció un poco exagerado, pero le di a Chico Buarque la canción y terminó haciéndole las palabras de una manera muy dulce. A Vinicius le gustó tanto que dijo: “Basta, no se la den a nadie más”. Y así nació ‘Samba para Vinicius’. (Risas).
-Difícil el carácter de tu marido…
-Sí, era muy vanidoso pero a la vez muy divertido. Vivía de una forma tan natural e irresponsable que los cuentos nacían cotidianamente. Como el de su pantalón, que con la borrachera y la panza que escondía debajo de ellos, siempre se caía por tierra. Un día en medio del restaurante se cayó y salió todo el culito blanquito del poeta, lo gracioso es que todos lo aplaudieron mucho, a lo que él respondió: “El culo de un poeta nunca es sucio”. Fue una risotada colectiva.

Ver Post >
Sobre el autor Buzalén
Antonio Javier Calero (guitarra) y Javier Gómez (voz), dos hornachegos formados en conservatorios de nuestra Comunidad, apasionados por la corriente musical que nace en el S.XVI con la vihuela y llega hasta nuestros días, rescatando temas de autores extremeños poco conocidos para el gran público como Hernando de Franco o Juan Vázquez. Nuestro disco “Caminando” es el resultado de todo este trabajo conjunto, las canciones han sido compuestas entre los dos y en él se percibe la influencia de algunos de nuestros referentes artísticos como la bossa-nova, las canciones tradicionales e infantiles, la preocupación por el medio ambiente, la fugacidad de las cosas, los derechos de la infancia... un trabajo humilde que pretende compartir lo que somos. Llevamos a cabo de forma quincenal un espacio divulgativo en Canal Extremadura Radio dentro del programa "el sol dale por el Oeste" en el que interpretamos en directo una canción de nuestro repertorio y explicamos la conexión cultural que tiene con Extremadura.